Apariția baletului. Istoria apariției baletului clasic

Este considerată pe bună dreptate cea mai înaltă etapă a artei coregrafice, unde dansul se transformă într-un spectacol muzical de scenă. Această formă de artă a apărut în secolele XV-XVI, mult mai târziu decât dansul. Inițial, a fost o artă aristocratică de curte. Dansul este principalul mijloc de exprimare în balet, dar baza dramatică, decorul și munca designerilor de costume și a designerilor de lumini au o importanță nu mică.

Baletul clasic este un dans de poveste în care dansatorii spun întotdeauna o poveste prin dans. Baletul clasic în mai multe acte este în mod tradițional dedicat miturilor, basmelor și temelor istorice. Spectacolele de gen pot fi eroice, comice, folclor.

Originea numelui se bazează fie pe latinul ballo - „Dansez”, fie pe baletul francez, care are același sens.

Baletul este, de asemenea, un spectacol de dans, și un fel de artă teatrală și muzicală, în care imagini artistice expresive sunt create cu ajutorul plasticului și coregrafiei.

Teatralizarea dansului a început în Italia în secolul al XV-lea, când maeștrii de dans au început să creeze dansuri de curte, precum și dansuri de sală, pe baza dansurilor populare.

Primul balet

Prima producție de balet, în care s-au îmbinat dansul, muzica, pantomima și cuvântul, a fost pusă în scenă în Franța la curtea Ecaterinei de Medici la sfârșitul secolului al XVI-lea. Se numea Circe and Nymphs și a fost pusă în scenă de Baltazarini di Belgioioso, un minunat coregraf și violonist venit din Italia cu orchestra sa de viori.

A fost o producție cu un complot antic, care a marcat începutul dezvoltării baletului francez de curte. Spectacolele laterale, pastoralele, mascaradele și divertismentele de dans au devenit rapid un ornament pentru festivitățile de curte.

Principalele canoane ale baletului, compilate de Pierre Beauchamp

Fiecare dans se bazează pe anumite reguli, iar dansul sa transformat în balet atunci când coregraful Pierre Beauchamp a descris canoanele unui stil de dans nobil.

Beauchamp a împărțit mișcările dansatorului în grupuri - sărituri, genuflexiuni, diferite poziții ale corpului și rotații. Acest tip de artă a dansului se baza pe principiul eversiunii picioarelor, datorită căruia corpul se putea mișca în direcții diferite. Mișcările descrise mai sus au fost efectuate pe baza a trei poziții ale brațelor și cinci poziții ale picioarelor.

Dezvoltarea baletului

Din acel moment a început dezvoltarea baletului, care a devenit o artă independentă în secolul al XVIII-lea.

Dezvoltarea școlilor de balet a început în toată Europa, ajungând în Rusia, unde Baletul Imperial Rus a fost fondat în 1738 la Sankt Petersburg.

Primii dansatori au avut dificultăți - purtau costume foarte complexe, fustele grele făceau mișcare dificilă. Dar, treptat, costumul s-a schimbat - pantofii de balet și-au pierdut tocurile, ținutele balerinelor au devenit ușoare și aerisite.

Coregrafii i-au învățat pe dansatorii să exprime emoțiile cu gesturi și expresii faciale, comploturile mitologice au fost înlocuite cu povești despre ținuturi îndepărtate, povești de dragoste și basme. În această formă, baletul clasic a supraviețuit până în zilele noastre ca unul dintre tipurile de artă minunată a dansului.

Trimis de copypaster miercuri, 15.08.2007 - 01:11

Baletul este o artă destul de tânără. Are puțin peste patru sute de ani, deși dansul a împodobit viața omului din cele mai vechi timpuri.

Baletul s-a născut în nordul Italiei în timpul Renașterii. Prinții italieni iubeau festivitățile fastuoase la palat, în care dansul juca un rol important. Dansurile de la țară nu erau potrivite pentru doamnele și domnișoarele de la curte. Robele lor, precum sălile în care dansau, nu permiteau mișcări dezorganizate. Profesori speciali - maeștri de dans - au încercat să pună lucrurile în ordine în dansurile de curte. Ei repetau cu nobilii în prealabil figurile și mișcările individuale ale dansului și conduceau grupurile de dansatori. Treptat, dansul a devenit din ce în ce mai teatral.

Termenul de „balet” a apărut la sfârșitul secolului al XVI-lea (de la balletto italian - a dansa). Dar atunci a însemnat nu o reprezentație, ci doar un episod de dans care transmite o anumită dispoziție. Astfel de „baleturi” constau de obicei din „ieșiri” mici legate de personaje - cel mai adesea eroii miturilor grecești. După astfel de „ieșiri” a început un dans comun - „marele balet”.

Prima reprezentație de balet a fost The Queen's Comedy Ballet, pusă în scenă în 1581 în Franța de coregraful italian Baltazarini di Belgioioso. În Franța a avut loc dezvoltarea ulterioară a baletului. La început, acestea au fost balete de mascaradă, iar apoi balete melodramatice pompoase pe intrigi cavalerești și fantastice, unde episoadele de dans au fost înlocuite cu arii vocale și recitarea poeziei. Nu fi surprins, la vremea aceea baletul nu era încă doar un spectacol de dans.

În timpul domniei lui Ludovic al XIV-lea, spectacolele baletului de curte au atins o splendoare deosebită. Louis însuși îi plăcea să participe la balete și și-a primit faimoasa porecla „Regele Soarelui” după ce a jucat rolul Soarelui în „Baletul Nopții”.

În 1661, a creat Academia Regală de Muzică și Dans, care includea 13 maeștri de dans de seamă. Responsabilitatea lor era să păstreze tradițiile de dans. Directorul academiei, profesorul regal de dans Pierre Beauchamp, a identificat cinci posturi de bază în dansul clasic.

Curând a fost deschisă Opera din Paris, al cărei coregraf era același Beauchamp. Sub conducerea lui s-a format o trupă de balet. La început, era format doar din bărbați. Femeile au apărut pe scena Operei din Paris abia în 1681.

Teatrul a pus în scenă opere și balete ale compozitorului Lully și balete de comedie ale dramaturgului Moliere. La ei au luat parte la început curtenii, iar spectacolele nu se deosebeau cu greu de cele ale palatului. Au dansat menuetele lente, gavotele și pavanele deja menționate. Măștile, rochiile grele și pantofii cu toc înalt împiedicau femeile să efectueze mișcări complexe. Prin urmare, dansurile bărbaților se distingeau atunci printr-o mai mare grație și har.

Până la mijlocul secolului al XVIII-lea, baletul câștiga o mare popularitate în Europa. Toate curțile aristocratice ale Europei au căutat să imite luxul curții regale franceze. Au fost deschise teatre de operă în orașe. Numeroși dansatori și profesori de dans și-au găsit cu ușurință locuri de muncă.

Curând, sub influența modei, costumul de balet feminin a devenit mult mai ușor și mai liber, sub el s-au ghicit liniile corpului. Dansatorii au abandonat pantofii cu toc, inlocuindu-i cu pantofi usori fara toc. Costumul bărbătesc a devenit și el mai puțin voluminos: pantalonii strânși până la genunchi și ciorapii făceau posibil să se vadă figura dansatorului.

Fiecare inovație a făcut dansul mai semnificativ, iar tehnica de dans mai mare. Treptat, baletul s-a separat de operă și s-a transformat într-o artă independentă.

Deși școala de balet franceză era renumită pentru grația și plasticitatea sa, ea a fost caracterizată de o anumită răceală și formalitate a performanței. Prin urmare, coregrafii și artiștii căutau alte mijloace expresive.

La sfârșitul secolului al XVIII-lea s-a născut o nouă direcție în artă - romantismul, care a avut o influență puternică asupra baletului. Într-un balet romantic, dansatorul stătea pe pantofi vârfuri. Prima care a făcut acest lucru a fost Maria Taglioni, schimbând complet ideile anterioare despre balet. În baletul „La Sylphide” a apărut ca o creatură fragilă din lumea cealaltă. Succesul a fost copleșitor.

În această perioadă au apărut multe balete minunate, dar, din păcate, baletul romantic a fost ultima perioadă de înflorire a artei dansului în Occident. Din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, baletul, după ce și-a pierdut semnificația anterioară, a devenit un anex al operei. Abia în anii 30 ai secolului XX, sub influența baletului rus, a început renașterea acestei forme de artă în Europa.

În Rusia, primul spectacol de balet - „Baletul despre Orfeu și Euridice” - a fost pus în scenă la 8 februarie 1673 la curtea țarului Alexei Mihailovici. Dansurile ceremoniale și lente au constat într-o schimbare de posturi grațioase, închinăciuni și mișcări, alternând cu cântatul și vorbirea. El nu a jucat niciun rol semnificativ în dezvoltarea dansului scenic. A fost doar o altă „distracție” țaristă, atrăgătoare prin unicitatea și noutatea sa.

Abia un sfert de secol mai târziu, datorită reformelor lui Petru I, muzica și dansul au intrat în viața societății ruse. În instituțiile de învățământ nobiliare a fost introdusă predarea obligatorie a dansului. La tribunal au început să cânte muzicieni, cântăreți de operă și companii de balet care au fost eliberați din străinătate.

În 1738, a fost deschisă prima școală de balet din Rusia, iar trei ani mai târziu, 12 băieți și 12 fete de la servitorii palatului au devenit primii dansatori profesioniști din Rusia. La început, au jucat în balete ale maeștrilor străini ca figuranți (cum erau numiți artiștii corpului de balet), iar mai târziu în rolurile principale. Timofey Bublikov, un dansator remarcabil al acelei vremuri, a strălucit nu numai la Sankt Petersburg, ci și la Viena.

La începutul secolului al XIX-lea, baletul rusesc și-a atins maturitatea creativă. Dansatorii ruși au adus expresivitate și spiritualitate dansului. Simțind acest lucru foarte precis, Alexandru Pușkin a numit dansul contemporanului său Avdotya Istomina „un zbor efectuat de suflet”.

Baletul a ocupat în acest moment o poziție privilegiată printre alte tipuri de artă teatrală. Autoritățile i-au acordat mare atenție, au oferit subvenții guvernamentale. Companiile de balet din Moscova și Sankt Petersburg au jucat în teatre bine echipate, iar absolvenții școlilor de teatru s-au adăugat anual la personalul de dansatori, muzicieni și decoratori.

Arthur Saint-Leon

În istoria teatrului nostru de balet, întâlnim adesea nume de maeștri străini care au jucat un rol semnificativ în dezvoltarea baletului rus. În primul rând, aceștia sunt Charles Didlot, Arthur Saint-Leon și Marius Petipa. Au contribuit la crearea unei școli de balet rusești. Dar artiștii ruși talentați au oferit și ocazia de a dezvălui talentele profesorilor lor. Acest lucru i-a atras invariabil pe cei mai mari coregrafi ai Europei la Moscova și Sankt Petersburg. Nicăieri în lume nu au putut întâlni o trupă atât de mare, talentată și bine pregătită ca în Rusia.

La mijlocul secolului al XIX-lea, realismul a ajuns în literatura și arta rusă. Coregrafii au încercat febril, dar fără succes, să creeze spectacole realiste. Ei nu au ținut cont de faptul că baletul este o artă condiționată, iar realismul în balet diferă semnificativ de realismul în pictură și literatură. A început criza artei baletului.

O nouă etapă în istoria baletului rus a început când marele compozitor rus P. Ceaikovski a compus pentru prima dată muzică pentru balet. Era Lacul Lebedelor. Înainte de asta, muzica de balet nu era luată în serios. Era considerată cel mai scăzut tip de creativitate muzicală, doar un acompaniament la dansuri.

Datorită lui Ceaikovski, muzica de balet a devenit o artă serioasă, alături de opera și muzica simfonică. Muzica era complet dependentă de dans, acum dansul trebuia să se supună muzicii. Au fost necesare noi mijloace de expresivitate și o nouă abordare a creării spectacolului.

Dezvoltarea ulterioară a baletului rus este asociată cu numele coregrafului moscovit A. Gorsky, care, renunțând la metodele învechite de pantomimă, a folosit metodele regiei moderne în spectacolul de balet. Acordând o mare importanță designului pitoresc al spectacolului, el a atras să lucreze pe cei mai buni artiști.

Dar adevăratul reformator al artei baletului este Mihail Fokin, care s-a răzvrătit împotriva construcției tradiționale a unui spectacol de balet. El a susținut că tema spectacolului, muzica ei, epoca în care se desfășoară acțiunea, necesită de fiecare dată diferite mișcări de dans, un model diferit al dansului. La punerea în scenă a baletului Nopțile egiptene, Fokine s-a inspirat din poezia lui V. Bryusov și din desenele egiptene antice, iar imaginile baletului Petrushka au fost inspirate din poezia lui A. Blok. În baletul Daphnis și Chloe, el a abandonat dansul cu vârfuri și a reînviat frescele antice în mișcări libere, plastice. Chopiniana lui a reînviat atmosfera baletului romantic. Fokine a scris că „visează să creeze o dramă de balet din distracție de balet, din dans - un limbaj de înțeles, vorbitor”. Și a reușit.

Anna Pavlova

În 1908, la Paris au început spectacolele anuale ale dansatorilor de balet ruși, organizate de figura de teatru S.P.Dyagilev. Numele dansatorilor din Rusia - Vaclav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - au devenit cunoscute în întreaga lume. Dar primul din acest rând este numele incomparabilei Anna Pavlova.

Pavlova - lirică, fragilă, cu linii corporale alungite, ochi uriași - a adus în minte gravuri ce înfățișează balerine romantice. Eroinele ei au transmis un vis pur rusesc al unei vieți armonioase, spiritualizate sau dor și tristețe pentru cei neîmpliniți. Lebăda pe moarte, creată de marea balerină Pavlova, este un simbol poetic al baletului rusesc la începutul secolului al XX-lea.

Atunci, sub influența priceperii artiștilor ruși, baletul occidental s-a zguduit și a găsit un al doilea vânt.

După Revoluția din octombrie 1917, mulți lideri de balet au părăsit Rusia, dar, în ciuda acestui fapt, școala de balet rus a supraviețuit. Patosul mișcării către o viață nouă, teme revoluționare și, cel mai important, sfera experimentului creativ i-au inspirat pe maeștrii de balet. Sarcina lor a fost să aducă arta coregrafică mai aproape de oameni, să o facă mai vitală și mai accesibilă.

Așa a apărut genul baletului dramatic. Acestea erau spectacole, de obicei bazate pe intrigile unor opere literare celebre, care erau construite conform legilor unui spectacol dramatic. Conținutul din ele a fost prezentat cu ajutorul pantomimei și dansului fin. La mijlocul secolului al XX-lea, baletul dramatic era în criză. Coregrafii au încercat să păstreze acest gen de balet, sporind spectaculozitatea spectacolelor cu ajutorul efectelor scenice, dar, vai, în zadar.

Un punct de cotitură a venit la sfârșitul anilor 1950. Coregrafii și dansatorii din noua generație au reînviat genuri uitate - balet într-un act, simfonie de balet, miniatură coregrafică. Și din anii 1970 au apărut companii independente de balet, independente de teatrele de operă și balet. Numărul lor este în continuă creștere, printre ele se numără și studiouri de dans liber și modern.

Publicații în secțiunea Teatre

Renumite balete rusești. Top 5

Baletul clasic este o formă de artă uimitoare care s-a născut în Italia în timpul Renașterii coapte, „mutat” în Franța, unde meritul dezvoltării sale, inclusiv înființarea Academiei de Dans și codificarea multor mișcări, i-a aparținut regelui Ludovic. XIV. Franța a exportat arta dansului teatral în toate țările europene, inclusiv în Rusia. La mijlocul secolului al XIX-lea, capitala baletului european nu mai era Parisul, care a dat lumii capodoperele romantismului „La Sylphide” și „Giselle”, ci Sankt Petersburg. În capitala Nordului a lucrat aproape 60 de ani marele coregraf Marius Petipa, creatorul sistemului de dans clasic și autorul unor capodopere care încă nu părăsesc scena. După Revoluția din Octombrie, au vrut să „arunce baletul de pe corabia vremii noastre”, dar au reușit să-l apere. Epoca sovietică a fost marcată de crearea unui număr considerabil de capodopere. Vă prezentăm cinci balete rusești de top în ordine cronologică.

„Don Quijote”

O scenă din baletul Don Quijote. Una dintre primele producții de Marius Petipa

Premiera baletului de L.F. Minkus „Don Quijote” la Teatrul Bolshoi. anul 1869. Din albumul arhitectului Albert Kavos

Scene din baletul Don Quijote. Kitri - Lyubov Roslavleva (centru). Producție de A.A. Gorsky. Moscova, Teatrul Bolshoi. 1900 an

Muzica de L. Minkus, libret de M. Petipa. Prima producție: Moscova, Teatrul Bolșoi, 1869, coregrafie de M. Petipa. Producții ulterioare: Sankt Petersburg, Teatrul Mariinsky, 1871, coregrafie de M. Petipa; Moscova, Teatrul Bolșoi, 1900, Sankt Petersburg, Teatrul Mariinsky, 1902, Moscova, Teatrul Bolșoi, 1906, toate - coregrafie de A. Gorski.

Baletul „Don Quijote” este o reprezentație teatrală plină de viață și veselie, un etern festival de dans care nu obosește niciodată pe adulți și la care părinții își duc cu bucurie copiii. Deși poartă numele eroului celebrului roman al lui Cervantes, se bazează pe unul dintre episoadele sale, Nuntile lui Cytheria și Basilio, și povestește despre aventurile tinerilor eroi, a căror dragoste în cele din urmă învinge, în ciuda opoziției tatălui încăpățânat. a eroinei, care voia să se căsătorească cu bogatul ei Gamache.

Deci Don Quijote nu are aproape nimic de-a face cu asta. Întreaga reprezentație, un artist înalt și slab, însoțit de un coleg scund, burtic, care îl înfățișează pe Sancho Pansa, se plimbă pe scenă, interferând uneori cu vizionarea frumoaselor dansuri compuse de Petipa și Gorsky. Baletul este, în esență, un concert în costume, o sărbătoare a dansului clasic și de caracter, unde toți artiștii oricărei trupe de balet au ceva de făcut.

Prima producție a baletului a avut loc la Moscova, unde Petipa a vizitat din când în când pentru a ridica nivelul trupei locale, care nu putea fi comparată cu trupa strălucitoare a Teatrului Mariinsky. Dar la Moscova au respirat mai liber, astfel încât coregraful, în esență, a pus în scenă un balet-amintire a minunaților ani ai tinereții petrecuți într-o țară însorită.

Baletul a fost un succes, iar doi ani mai târziu Petipa l-a mutat la Sankt Petersburg, ceea ce a necesitat o reluare. A existat mult mai puțin interes pentru dansurile caracteristice decât pentru clasicele pure. Petipa l-a extins pe Don Quijote la cinci acte, a compus Actul Alb, așa-numitul Vis al lui Don Quijote, un adevărat paradis pentru iubitorii de balerine în fuste de balet cu picioare drăguțe. Numărul de cupidon din „Dream” a ajuns la cincizeci și doi...

Don Quijote a ajuns la noi într-un remake al coregrafului moscovit Alexander Gorsky, care era pasionat de ideile lui Konstantin Stanislavsky și dorea să facă vechiul balet mai logic și dramatic convingător. Gorsky a distrus compozițiile simetrice ale lui Petipa, a anulat tutu-urile din scena „Dream” și a insistat asupra folosirii machiajului întunecat pentru dansatorii care înfățișează femei spaniole. Petipa l-a numit „un porc”, dar deja în primul remake al lui Gorsky, baletul a fost interpretat pe scena Teatrului Bolșoi de 225 de ori.

"Lacul lebedelor"

Peisaj pentru prima reprezentație. Teatrul Bolșoi. Moscova. anul 1877

Scenă din baletul „Lacul lebedelor” de P.I. Ceaikovski (coregrafi Marius Petipa și Lev Ivanov). anul 1895

Muzică de P. Ceaikovski, libret de V. Beghicev și V. Geltser. Prima producție: Moscova, Teatrul Bolșoi, 1877, coregrafie de V. Reisinger. Producție ulterioară: Sankt Petersburg, Teatrul Mariinsky, 1895, coregrafie de M. Petipa, L. Ivanov.

Baletul preferat al tuturor, a cărui versiune clasică a fost pusă în scenă în 1895, sa născut de fapt optsprezece ani mai devreme la Teatrul Bolșoi din Moscova. Partitura lui Ceaikovski, a cărei faimă mondială era încă înainte, era un fel de colecție de „cântece fără cuvinte” și părea prea complicată pentru vremea aceea. Baletul a fost interpretat de aproximativ 40 de ori și s-a scufundat în uitare.

După moartea lui Ceaikovski, Lacul lebedelor a fost pus în scenă la Teatrul Mariinsky, iar toate spectacolele de balet ulterioare s-au bazat pe această versiune, care a devenit clasică. Acțiunii a primit o mare claritate și consistență: baletul a povestit despre soarta frumoasei prințese Odette, care a fost transformată într-o lebădă prin voința geniului malefic Rothbart, despre cum Rothbart l-a înșelat pe prințul Siegfried, care s-a îndrăgostit de ea, recurgând la farmecele fiicei sale Odile și despre moartea eroilor. Partitura lui Ceaikovski a fost redusă cu aproximativ o treime de dirijorul Ricardo Drigo și re-orchestrată. Petipa a coregrafiat primul și al treilea act, Lev Ivanov - al doilea și al patrulea. Această diviziune se potrivea în mod ideal vocației ambilor coregrafi străluciți, dintre care al doilea trebuia să trăiască și să moară în umbra primului. Petipa este tatăl baletului clasic, creatorul unor compoziții impecabil de armonioase și cântăreața femeii-zână, femeia jucărie. Ivanov este un coregraf inovator care este neobișnuit de sensibil la muzică. Rolul Odette-Odile a fost interpretat de Pierina Legnani, „regina balerinelor din Milano”, ea este și prima Raymonda și inventatorul celor 32 de fouetté, cel mai dificil tip de rotație pe pointe.

Poate că nu știți nimic despre balet, dar „Lacul lebedelor” este cunoscut de toată lumea. În ultimii ani ai existenței Uniunii Sovietice, când liderii în vârstă se înlocuiau destul de des unul pe altul, melodia sinceră a duetului „alb” al personajelor principale ale baletului și stropii de aripi de mână de pe ecranul televizorului au anunțat un eveniment trist. Japonezii iubesc atât de mult Lacul Lebedelor încât sunt gata să-l urmărească dimineața și seara, interpretat de orice trupă. Nicio trupă de turneu, din care există multe în Rusia și mai ales la Moscova, nu se poate descurca fără „Lebăda”.

"Spărgător de nuci"

O scenă din baletul Spărgătorul de nuci. Prima producție. Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Opera Mariinskii. anul 1892

O scenă din baletul Spărgătorul de nuci. Prima producție. Opera Mariinskii. anul 1892

Muzica de P. Ceaikovski, libret de M. Petipa. Prima producție: Sankt Petersburg, Teatrul Mariinsky, 1892, coregrafie de L. Ivanov.

În cărți și site-uri web încă circulă informații eronate că Spărgătorul de nuci a fost pus în scenă de părintele baletului clasic Marius Petipa. De fapt, Petipa a compus doar scenariul, iar prima producție a baletului a fost realizată de subordonatul său, Lev Ivanov. Sorta lui Ivanov a fost o sarcină insuportabilă: scenariul, creat în stilul baletului extravagant la modă de atunci, cu participarea indispensabilă a unui artist invitat italian, era în contradicție evidentă cu muzica lui Ceaikovski, care, deși scrisă în strictă conformitate cu instrucțiunile lui Petipa, a fost remarcat prin mare sentiment, bogăție dramatică și dezvoltare simfonică complexă. În plus, eroina baletului era o adolescentă, iar vedeta balerinei a fost pregătită doar pentru pas de deux final (un duet cu un partener, constând dintr-un adagio - o parte lentă, variații - dansuri solo și coda ( final virtuos)). Prima punere în scenă din Spărgătorul de nuci, în care primul este în mare parte un act de pantomimă, a diferit brusc de al doilea - divertisment, nu a avut prea mult succes, criticii au remarcat doar Valsul fulgilor de zăpadă (64 de dansatori au participat la el) și Pas-de. -de-Fairies of Sugar Plum și Prince Whooping Cough , sursa de inspirație pentru care a fost Ivanova Adagio cu un trandafir din „Frumoasa adormită”, unde Aurora dansează cu patru domni.

Dar în secolul al XX-lea, care a putut pătrunde în profunzimile muzicii lui Ceaikovski, Spărgătorul de nuci avea un viitor cu adevărat fantastic. Există nenumărate spectacole de balet în Uniunea Sovietică, țări europene și Statele Unite. În spațiile deschise rusești, sunt deosebit de populare spectacolele lui Vasily Vainonen la Teatrul Academic de Stat de Operă și Balet din Leningrad (acum Teatrul Mariinsky din Sankt Petersburg) și de Yuri Grigorovici la Teatrul Bolșoi din Moscova.

"Romeo si Julieta"

Balet „Romeo și Julieta”. Julieta - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. anul 1939

Doamna Patrick Campbeple în rolul Julietei în Romeo și Julieta de Shakespeare. anul 1895

Finala baletului „Romeo și Julieta”. anul 1940

Muzică de S. Prokofiev, libret de S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Prima producție: Brno, Teatrul de Operă și Balet, 1938, coregrafie de V. Psota. Producția ulterioară: Leningrad, Teatrul Academic de Stat de Operă și Balet. S. Kirov, 1940, coregrafie de L. Lavrovsky.

Dacă se citește o frază shakespeariană într-o traducere rusă binecunoscută „Nu există poveste mai tristă în lume decât povestea lui Romeo și Julieta”, apoi au spus despre baletul marelui Serghei Prokofiev scris pe acest complot: „Nu există poveste mai tristă în lume decât muzica lui Prokofiev în balet”... Cu adevărat uimitor prin frumusețe, bogăție de culori și expresivitate, partitura „Romeo și Julieta” în momentul apariției părea prea complicată și nepotrivită pentru balet. Dansatorii de balet au refuzat pur și simplu să danseze cu ea.

Prokofiev a scris partitura în 1934 și inițial a fost destinată nu teatrului, ci renumitei școli coregrafice academice din Leningrad, pentru a sărbători cea de-a 200-a aniversare. Proiectul nu a fost implementat în legătură cu uciderea din 1934 la Leningrad a lui Serghei Kirov, au izbucnit schimbări în teatrul muzical de conducere al celei de-a doua capitale. Nici planul de a pune în scenă „Romeo și Julieta” la Bolșoiul din Moscova nu s-a împlinit. În 1938, premiera a fost prezentată de teatrul din Brno, iar doar doi ani mai târziu, baletul lui Prokofiev a fost pus în sfârșit în patria autorului, în teatrul numit după Kirov.

Maestrul de balet Leonid Lavrovsky, în cadrul genului de balet dramatic (o formă de dramă coregrafică caracteristică baletului din anii 1930-1950), care a fost foarte apreciat de autoritățile sovietice, a creat un spectacol impresionant, captivant, cu o mulțime atent sculptată. scene și caracteristicile psihologice subtil conturate ale personajelor. La dispoziția sa a fost Galina Ulanova, cea mai sofisticată balerină-actriță, care a rămas neîntrecută în rolul Julietei.

Partitura lui Prokofiev a fost rapid apreciată de coregrafii occidentali. Primele versiuni ale baletului au apărut deja în anii 40 ai secolului XX. Creatorii lor au fost Birgit Kulberg (Stockholm, 1944) și Margarita Fromman (Zagreb, 1949). Producțiile celebre ale Romeo și Julieta aparțin lui Frederick Ashton (Copenhaga, 1955), John Cranko (Milano, 1958), Kenneth McMillan (Londra, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973). Moiseev, 1958, coregrafie de Y. Grigorovici, 1968.

Fără „Spartacus” conceptul de „balet sovietic” este de neconceput. Acesta este un adevărat hit, un simbol al epocii. Perioada sovietică a dezvoltat alte teme și imagini, profund diferite de baletul clasic tradițional moștenit de la Marius Petipa și de la Teatrele Imperiale din Moscova și Sankt Petersburg. Basmele cu sfârșit fericit au fost arhivate și înlocuite cu povești eroice.

Deja în 1941, unul dintre cei mai importanți compozitori sovietici, Aram Khachaturyan, a vorbit despre intenția sa de a scrie muzică pentru un spectacol monumental, eroic, care va fi pus în scenă la Teatrul Bolșoi. Tema pentru el a fost un episod din istoria antică romană, răscoala sclavilor condusă de Spartacus. Khachaturian a creat o partitură plină de culoare folosind motive armenești, georgiane, rusești și saturată cu melodii frumoase și ritmuri de foc. Producția trebuia să fie realizată de Igor Moiseev.

A fost nevoie de mulți ani pentru ca munca lui să iasă în fața publicului și a apărut nu la Teatrul Bolșoi, ci la Teatru. Kirov. Coregraful Leonid Yakobson a creat o performanță uluitoare, inovatoare, renunțând la atributele tradiționale ale baletului clasic, inclusiv dansul cu vârfuri, folosind plastic largi și pantofi de balerini în sandale.

Dar în 1968 baletul „Spartacus” a devenit un hit și un simbol al epocii în mâinile coregrafului Yuri Grigorovici. Grigorovici a uimit privitorul cu o dramă complet construită, o portretizare subtilă a personajelor personajelor principale, o punere în scenă pricepută a scenelor de mulțime, puritatea și frumusețea adagiourilor lirice. El și-a numit opera „un spectacol pentru patru soliști cu un corp de balet” (corps de ballet - artiști implicați în episoade de dans de masă). Rolul lui Spartacus a fost interpretat de Vladimir Vasiliev, Crassa - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova și Aegina - Nina Timofeeva. Baletul de cărți era predominant masculin, ceea ce face ca baletul „Spartacus” să fie unic în acest fel.

Pe lângă lecturile binecunoscute din „Spartacus” de Yakobson și Grigorovici, există aproximativ 20 de spectacole de balet. Printre acestea se numără varianta lui Jiri Blazek pentru Baletul din Praga, Laszlo Seryoga pentru Baletul de la Budapesta (1968), Jüri Vamos pentru Arena di Verona (1999), Renato Zanella pentru Opera de Stat din Viena (2002), Natalia Kasatkina și Vladimir Vasilev pentru Teatrul Academic de Stat conduc balet clasic la Moscova (2002).

Istoria baletului începe în Renaștere în Italia. El a crescut din spectacolele solemne care erau puse în scenă pentru aristocrați de către servitorii lor: muzicieni și dansatori la curte. Pe vremea aceea, baletul era ca un tânăr neexperimentat de optsprezece ani: stingher, dar cu foc în ochi. S-a dezvoltat extrem de rapid. Ca tot același tânăr căruia i s-a permis prima dată intrarea în atelier și a numit ucenic.

La acea vreme, moda baletului era complet diferită: costumele corespundeau timpului, fustele de balet și pantofii de vârf pur și simplu nu existau, iar publicul avea ocazia să participe la ea până la sfârșitul spectacolului.

Este interesant! La momentul nașterii baletului în Italia, nu existau mai mult de cinci coregrafi. Notele a doar trei specialiști au supraviețuit până astăzi, dintre care unul a devenit „nașul baletului”: în înregistrările sale, Domenico da Piacenza numea dansurile ballo. După ce s-a întărit, cuvântul a fost transformat în balli și balletto, a început să fie folosit de alți iubitori de dans și, în cele din urmă, a rămas cu baletul ca artă.

Catherine de Medici a devenit o figură semnificativă în istoria dezvoltării baletului. Din Italia aduce această artă în Franța, aranjează spectaculos pentru invitații. De exemplu, ambasadorii din Polonia au putut vedea o producție grandioasă numită Le Ballet des Polonais.

Se crede că cu adevărat aproape de baletul modern a fost capodopera Ballet Comique de la Reine, care a ținut publicul în suspans mai mult de cinci ore. A fost instalat în 1581.

secolul al 17-lea

Secolul al XVII-lea este o nouă etapă în dezvoltarea baletului. Separată de dansul simplu, s-a transformat într-o artă independentă, care a fost susținută cu pasiune de Ludovic al XIV-lea. Pentru el, Mazarin a ordonat unui coregraf din Italia să pună în scenă balete cu participarea regelui.

În 1661, Louis a creat Prima Academie de Dans, care preda balet. Primul coregraf al lui Ludovic al XIV-lea, Monsieur Lully, a preluat frâiele primei școli de balet. Sub conducerea sa, Academia de Dans s-a îmbunătățit și a dat tonul pentru întreaga lume a baletului. A făcut tot posibilul să transforme baletul dintr-un tânăr și fără experiență, cu foc în ochi, într-un bărbat frumos și impunător, care este cunoscut și respectat pretutindeni. În 1672, cu sprijinul său, a fost fondată o academie de dans, care până astăzi este cunoscută în întreaga lume drept Baletul Operei din Paris. Un alt coregraf de curte al lui Ludovic al XIV-lea, Pierre Beauchamp, a lucrat la terminologia dansului.

1681 a fost un alt an semnificativ în istoria baletului. Pentru prima dată, fetele au luat parte la producția domnului Lully. 4 frumuseți au pătruns în lumea dansului și au deschis calea pentru restul. Din acest moment memorabil, fetele au început să fie implicate în balet.

secolul al XVIII-lea

În secolul al XVIII-lea, baletul a continuat să cucerească inimile dansatorilor grațioși din întreaga lume. Un număr uriaș de spectacole, noi forme de exprimare a „eu”-ului pe scenă, faima nu mai este în cercurile înguste ale curții. Arta baletului a venit și în Rusia. În 1738, Școala Imperială de Balet a fost deschisă la Sankt Petersburg.

Cu cât mijlocul secolului era mai aproape, cu atât arta baletului devenea mai strălucitoare. Europa a fost fascinată de el, majoritatea demnitarilor erau interesați de balet. S-au deschis școli de balet peste tot. S-a dezvoltat și moda baletului. Fetele și-au dat jos măștile, stilurile vestimentare s-au schimbat. Acum dansatorii s-au îmbrăcat în haine lejere care le-au permis să execute pașii care până atunci erau imposibili.

secolul al 19-lea

La începutul secolului al XIX-lea, teoria baletului a fost dezvoltată activ. În 1820, Carlo Blasis a scris „Un tratat elementar despre teoria și practica artei dansului”. Începe trecerea de la cantitate la calitate, se acordă din ce în ce mai multă atenție detaliilor.

Iar principalul lucru care aduce începutul secolului al XIX-lea în balet este dansul la îndemâna ta. Inovația a fost întâmpinată cu furori și reluată de majoritatea coregrafilor.

În general, acești sute de ani au dat foarte, foarte mult artei baletului. Baletul s-a transformat într-un dans neobișnuit de ușor și aerisit, ca un vânt de vară care se ivește în razele soarelui răsare. Teoria și practica s-au mișcat mână în mână: au fost publicate multe lucrări științifice, care sunt încă folosite în predarea baletului.

secolul XX

Secolul XX a trecut sub semnul baletului rusesc. În Europa și America, până la începutul secolului, interesul pentru balet a dispărut, dar după sosirea maeștrilor din Rusia, dragostea pentru arta baletului a reaprins acolo. Actorii ruși au organizat turnee lungi, oferind tuturor posibilitatea de a se bucura de abilitățile lor.

Revoluția din 1917 nu a putut împiedica dezvoltarea baletului. Apropo, obișnuita balet de balet a apărut cam în același timp, iar spectacolele au devenit mai profunde.

În secolul XX, baletul este o artă nu numai pentru aristocrați și casele nobiliare. Baletul devine proprietatea publicului larg.

Secolul XXI

În vremea noastră, baletul rămâne aceeași artă magică, în care, cu ajutorul dansului, ei pot spune despre toate emoțiile umane. Continuă să se dezvolte și să crească, schimbându-se odată cu lumea și fără a-și pierde relevanța.

Baletul, cea mai înaltă etapă a coregrafiei (din grecescul choreia - dans și grapho - scriu), în care arta dansului se ridică la nivelul spectacolului de scenă muzicală, a apărut ca artă aristocratică de curte mult mai târziu decât dansul, în secolul al XV-lea. și secolele al XVI-lea. Termenul „balet” a apărut în Italia renascentist în secolul al XVI-lea. și nu însemna un spectacol, ci un episod de dans. Baletul este o artă sintetică în care dansul, principalul mijloc expresiv al baletului, este strâns legat de muzică, cu o bază dramatică - libret, decor, cu opera unui designer de costume, artist de iluminat etc. Baletul este divers: intriga - balet clasic narativ multi-acte, balet dramatic; plotless - balet simfonic, balet de spirit, miniatura. După gen, baletul poate fi comic, eroic, folclor. Secolului 20 a adus noi forme baletului: baletul jazz, baletul modern.

Originile dansului.

Dansul a apărut ca o modalitate de exprimare a sentimentelor prin mișcare, gest, plasticitate și expresii faciale și a însoțit diverse aspecte ale vieții unei persoane străvechi (festivalul recoltei, ceremonia de nuntă, cult religios). Teatrul antic a apărut din cultul dionisiac grecesc antic, o parte din care era dansul de scenă și muza sa Terpsichore . În epoca elenismului a apărut arta pantomimei, care s-a dezvoltat atât în ​​Evul Mediu, cât și în Renaștere (în comediile del arte, arlequinades).

Balet în perioada Renașterii, barocului și clasicismului.

Mai ales intens procesul de teatralizare a dansului a avut loc în Italia, unde deja în secolele 14-15. au apărut primii maeștri de dans și pe baza dansului popular s-a format un dans de sală, un dans de curte. În Spania, o scenă de dans complot a fost numită o mare (dansul maur), în Anglia - o mască . La mijlocul secolului al XVI-lea - începutul secolului al XVII-lea. un figurativ, pictural dans, organizat după tipul de întocmire a figurilor geometrice (balo-figurative). faimos Balet al femeilor turce, efectuat în 1615 la curtea ducilor Medici din Florența. Dansul figurat implică personaje mitologice și alegorice. De la începutul secolului al XVI-lea. Sunt cunoscute balete ecvestre, în care călăreții au călărit pe cai pe muzică, cântând și recitând ( Turneul Vânturilor, 1608,Bătălia frumuseții, 1616, Florența). Originile baletului ecvestru datează de la turneele cavalerești din Evul Mediu.

Primul spectacol de balet care combină muzica, cuvântul, dansul și pantomima, Circe sau Baletul de Comedie al Reginei, a fost pus în scenă la curtea Ecaterinei de Medici (Paris) de către coregraful italian Baltazarini di Belgioioso în 1581. De atunci, genul baletului de curte (mascarade, pastorale, divertismente de dans și interludii) a început să se dezvolte în Franța. Balet secolul al XVI-lea a fost un spectacol magnific în stil baroc cu reprezentarea de dansuri ceremoniale spaniole - pavana, sarabanda. Pe vremea lui Ludovic al XIV-lea, spectacolele baletului de curte au atins cea mai înaltă splendoare, inclusiv efecte scenice care dădeau spectacolului caracterul de extravaganță. Ludovic al XIV-lea însuși nu era străin de muza dansului, în 1653 a acționat ca Soarele în Baletul nopții de atunci a fost numit „Regele Soare”. În același balet a dansat compozitorul JB Lully, care și-a început cariera de dansator.

Dansul a început să se transforme în balet când au început să-l interpreteze după anumite reguli. Ele au fost formulate pentru prima dată de coregraful Pierre Beauchamp (1637–1705), care a lucrat cu Lully și a condus Academia Franceză de Dans în 1661 (viitorul teatru al Operei din Paris). El a notat canoanele unui stil de dans nobil, bazat pe principiul eversiunei picioarelor (en dehors). Această poziție a oferit corpului uman capacitatea de a se mișca liber în direcții diferite. El a împărțit toate mișcările dansatorului în grupuri: genuflexiuni (plie), sărituri (ducking, antrasha, convertible , capacitatea de a pluti într-un salt – elevație), rotație (piruete, fouettés), poziții ale corpului (atitudini, arabescuri). Aceste mișcări au fost efectuate pe baza a cinci poziții ale picioarelor și trei poziții ale brațelor (port de bras). Toți pașii de dans clasic sunt derivați din aceste poziții ale picioarelor și brațelor. Așa a început formarea baletului, care s-a dezvoltat până în secolul al XVIII-lea. de la interludii și divertismente în artă independentă.

La Opera din Paris din secolul al XVII-lea. s-a interpretat un gen aparte de spectacol teatral și muzical - opere-balete ale compozitorilor J.B.Lully, A. Campra, J.F. Ramot. Inițial, în trupa de balet au fost incluși doar bărbați. Dansatorii francezi erau renumiți pentru grația și grația (noblețea) lor în modul lor de interpretare. Dansatorii italieni au adus un nou stil de dans pe scena Operei din Paris - un stil virtuos, un stil de dans complex din punct de vedere tehnic, săritor. Unul dintre fondatorii dansului de scenă masculin a fost Louis Dupre (1697-1774). El a fost primul care a combinat ambele stiluri de interpretare în dans. Complicația tehnicii de dans a impus schimbări în costumul feminin. În prima treime a secolului al XVIII-lea. Marie Camargo și Marie Sallé au fost primele balerine care au început să execute sărituri (antrasha), controlate anterior doar de bărbați, așa că au desființat smochinele și sacoșele grele, iar apoi și-au scurtat fustele și au trecut la pantofi cu tocuri mai joase. În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. au apărut strălucitorii dansatori Gaetan Vestris (1729–1808), Pierre Gardel (1758–1840), Auguste Westris. Îmbrăcămintea ușoară în stil antic, care a intrat în modă în ajunul Revoluției Franceze, a contribuit la dezvoltarea tehnicii de balet. Cu toate acestea, conținutul numerelor de balet era vag legat de intriga operei și avea caracterul unui antre, intrând în menuet, gavotă și alte dansuri în timpul unui spectacol de operă. Genul unui spectacol de balet narativ nu a prins încă contur.

Baletul în epoca iluminismului.

Epoca Iluminismului este una dintre reperele în dezvoltarea baletului. Educatorii au cerut renunțarea la convențiile clasicismului, la democratizarea și reforma teatrului de balet. J. Weaver (1673-1760) și D. Rich (1691-1761) la Londra, F. Hilferding (1710-1768) și G. Anjolini (1731-1803) la Viena împreună cu compozitorul, reformatorul de operă V. K. Gluck au încercat să transformă baletul într-un spectacol de complot similar cu unul dramatic. Această mișcare s-a exprimat cel mai deplin în reforma studentului lui L. Dupre, Jean Georges Noverre. El a introdus conceptul de pas d „acțiune (baletul efectiv). Noverre a asemănat baletul cu drama clasicistă și a promovat o nouă atitudine față de acesta ca spectacol independent. Acordând o mare importanță pantomimei, în același timp a sărăcit vocabularul dansului. Cu toate acestea, meritul său a fost dezvoltarea formelor de dans solo și de ansamblu, introducerea formei de balet în mai multe acte, separarea baletului de operă, diferențierea baletului în genuri înalte și joase - comic și tragic. Scrisori despre dans și balet(1760). Cele mai faimoase balete ale lui Noverra pe subiecte mitologice: Admet și Alcesta,Rinaldo și Armida,Psyche și Cupidon,Moartea lui Hercule- totul pe muzica lui J.J. Rodolphe; Medeea și Jason, 1780,balet chinezesc, 1778, Ifigenia în Aulis- totul pe muzica lui E. Miller, 1793. Moștenirea lui Noverre este de 80 de balete, 24 de balete în opere, 11 divertismente. Sub el, formarea baletului ca gen independent de artă teatrală a fost finalizată.

Sentimentalism de balet.

În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. a venit epoca sentimentalismului. Spre deosebire de iluminatori, sentimentaliștii au făcut din caracterul lucrărilor lor o persoană obișnuită, și nu un zeu sau un erou antic. Teatrul de balet a devenit un spectacol public pentru orășeni și a apărut propriul său tip de spectacol - comedie și melodramă. În prim plan era pantomima, care, împingând dansabilitatea în umbră, a transformat baletul într-o coredramă, în acest sens, interesul pentru baza literară a acțiunii a crescut. Au apărut primele librete de balet.

Eroinele baletelor au fost silfurile și spiritele pădurii ale Wili, personajele folclorului celtic și germanic. Aspectul unei dansatoare într-o tunică albă, întruchipând o creatură nepământeană, cu o coroană pe cap și aripi la spate, a fost inventată de designerii de costume francezi I. Leconte, E. Lamy, P. Lormier. Mai târziu, termenul „alb”. ”, a apărut baletul „tunică albă”. Albul este culoarea absolutului, „baletul alb” exprima dorul romantic de ideal, balerina în arabesc a devenit formula sa grafică. Rolul corpului de balet a crescut, dansul și pantomima, soloul, corpul de balet și dansul de ansamblu s-au contopit într-un singur tot. Datorită dezvoltării tehnicii degetelor, zborul aerian al mișcărilor a devenit un nou stil de dans.

Baletul romantic s-a bazat în mare măsură pe sursa literară ( Esmeralda, 1844, după V. Hugo, Corsar, 1856 de J.G. Byron), Katarina, fiica tâlharului, C. Puni, 1846). Rolul muzicii a crescut, care a devenit al autorului, înainte ca baletul să fie adesea o echipă, a servit ca fundal și acompaniament ritmic la dans, a creat starea de spirit a spectacolului. Muzica de balet a romantismului în sine a creat dramă și a conferit eroilor caracteristici muzicale figurative.

Punctul culminant al baletului romantic a fost Giselle(1841), pusă în scenă la Opera din Paris de J. Coralli și J. Perrot după un libret de T. Gautier pe muzică de A. Adan. V Giselle a fost realizată unitatea muzicii, pantomimei și dansului. Pe lângă pantomimă, laitmotivele muzicale și coregrafice au dezvoltat acțiunea spectacolului, expresivitatea intonațională a melodiei a conferit personajelor caracteristici muzicale. Adam a început procesul de simfonizare a muzicii de balet, îmbogățindu-l cu un arsenal de mijloace expresive inerente muzicii simfonice.

M. Taglioni și F. Elsler sunt cei mai mari reprezentanți și rivali ai baletului romantic. Personalitățile lor corespund două ramuri ale romantismului: iraționalul (fantastic) și eroic-exotic. Italiana Maria Taglioni a reprezentat prima regie, Sylphide a devenit un simbol al baletului romantic, dansul ei poseda grație, zbor și poezie. Dansul balerinei austriece Fanny Elsler a fost caracterizat de temperament, impetuozitate, virtuozitate; ea a reprezentat direcția eroică și exotică a baletului romantic. Ca dansatoare caracteristică, a interpretat dansul spaniol cacucha, polonezul Krakowiak și tarantella italiană. Alți dansatori noti ai romantismului: Carlotta Grisi, Fanny Cerrito (1817-1909), Lucille Grand (1819-1907). Grisi, primul interpret al rolului lui Giselle, a devenit celebru și pentru rolul principal din baletul C. Pugni. Esmeralda... În 1845, Perrault a compus faimosul divertisment Pas de quatre(muzică de C. Puni), unde au evoluat în același timp Taglioni, Elsler, Grisi, Cerrito.

Ramura sa daneză se deosebește în istoria romantismului de balet, în special în lucrările lui August Bournonville. În 1836 și-a creat propria versiune Silfe pe muzica lui H. S. Levenscheld. Baletul romantic danez (stil Biedermeier pe fundalul romantismului) este o mișcare mai pământească și de cameră cu motive folclorice, unde pantomima joacă un rol important și se acordă mai multă atenție dansului masculin, se folosește mai puțină tehnică cu degetul, iar rolurile feminine sunt secundare. Aceste trăsături sunt, de asemenea, caracteristice baletului danez de astăzi. În 1830, Burnoville a devenit șeful Teatrului Regal din Copenhaga și a creat multe balete pe parcursul a 50 de ani. Tehnica sa de dans masculin rămâne una dintre cele mai importante din Europa.

Se crede că perioada scurtă a romantismului a fost cea mai bună perioadă din întreaga istorie a baletului european. Dacă înainte simbolul baletului era Terpsichore, atunci din epoca romantismului a devenit silf, jeep-ul. Cel mai lung romantism de balet a existat în Rusia (scene de lebădă în Lacul lebedelorși dansul fulgilor de nea în Spărgătorul de nuci L. Ivanova, actul umbrelor în La Bayadere,fiicele lui Faraonși Raymonde M. Petipa). La cumpăna dintre secolele al XIX-lea și al XX-lea. romantismul nou-nașterii a intrat Chopiniana M.M. Fokina. Era romantismul unei alte epoci - era impresionismului. Genul baletului romantic a fost păstrat în a doua jumătate a secolului XX. ( Frunzele se ofilesc E. Tudor pe muzica de A. Dvořák, Dans la petreceri J. Robbins pe muzica de F. Chopin).

Balet în a doua jumătate a secolului al XIX-lea (academicism, impresionism, modern).

Când realismul a ajuns la alte forme de artă, baletul european s-a trezit într-o stare de criză și declin. Și-a pierdut conținutul și integritatea și a fost înlocuit de o extravaganță (Italia), o sală de muzică (Anglia). În Franța a intrat în faza de conservare a schemelor și tehnicilor folosite. Numai în Rusia baletul și-a păstrat caracterul creativității, unde s-a dezvoltat estetica marelui balet, baletul academic - un spectacol monumental cu compoziții complexe de dans și ansamblu virtuos și piese solo. Creatorul esteticii baletului academic este Marius Petipa, un dansator francez sosit în Rusia în 1847. Balete create de el în colaborare cu L.I. Ivanov (1834-1901) și compozitorii P.I. Ceaikovski și A.K. Glazunov frumoasa adormită(1890), Spărgător de nuci (1892), Lacul lebedelor (1895) Raymonda (1898), anotimpuri(1900) a devenit punctul culminant al baletului simfonic clasic și a mutat centrul culturii coregrafice în Rusia.

La cumpăna dintre secolele al XIX-lea și al XX-lea. curentele impresionismului și dansului liber (modern, duncanism, dans ritmoplastic) au pătruns în coregrafie. Dansul modern a apărut la începutul secolului al XX-lea. in SUA si Germania. Coregrafia modernă a respins formele tradiționale de balet și le-a înlocuit cu dans liber, ritmoplastică și interpretare intuitivă a muzicii. Dacă școala clasică de balet se construiește pe turning out (en dehors), atunci modernitatea permite poziționarea șosetelor spre interior (en dedans). Modern nu folosește tehnici cu degetele, sărituri și trageri în jos, dar dezvoltă în mod activ îndoirile corpului, mobilitatea umerilor și șoldurilor și expresia mâinilor. Ideologii modernității au fost teoreticianul francez F. Delsarte (1811–1871), dansatoarea americană Isadora Duncan cu vechimea ei reînnoită și E. J. Dalcroze (1865–1914) cu sistemul euritmicii, dansul ritmoplastic. Ei au declarat dominația nedivizată a muzicii asupra dansului. Duncanismul, la rândul său, a influențat impresionismul de balet, reprezentat de opera coregrafului rus M.M. Fokin. Trecerea către noua estetică a baletului a fost activitatea lui S.P.Diaghilev. Anotimpurile rusești organizate de el (1909–1911) și trupa de balet rusesc (1911–1929) au avut o influență extraordinară asupra dezvoltării baletului mondial.

BALETUL MONDIAL AL ​​SECOLULUI XX

Istoria baletului secolului XX caracterizată prin procesele de asimilare a tradiţiilor baletului clasic rus cu companiile de balet europene. Tendințele de conducere sunt metafora, lipsa de complot, simfonia, ritmoplastia liberă, dansul modern, elementele de folk, cotidian, sport, vocabular jazz. În a doua jumătate a secolului XX. se dezvoltă postmodernismul, al cărui arsenal de mijloace expresive include utilizarea cinematografiei și proiecțiilor foto, efecte de lumină, efecte sonore, muzică electronică, happening (participarea spectatorilor la balet) etc. A apărut genul coregrafiei de contact, când un dansator „intră în contact” cu obiectele de pe scenă și cu scena în sine. Caracteristica dominantă este baletul-miniatura într-un act (nuvelă, starea de balet). Țările cu cea mai dezvoltată cultură coregrafică au fost Marea Britanie, SUA, Franța și URSS. Un rol important în dezvoltarea baletului mondial l-au jucat dansatorii celui de-al doilea val al emigrației ruse (R. Nureev, N. Makarova, M. Baryshnikov) și dansatorii școlii ruse care au lucrat în Occident sub contract (M. Plisetskaya). , A. Asylmuratova (născut în 1961), N. Ananiashvili (născut în 1963), V. Malakhov (născut în 1968), A. Ratmansky (născut în 1968) Balet expresionist, apoi postmodern dezvoltat în Germania, Olanda, Suedia.

Concursurile de balet au avut loc în 1964.

Franţa.

În anii 1920 – 1930, Franța a devenit centrul artei baletului european, unde până în 1929 a lucrat trupa de balet rusesc a lui Diaghilev și grupurile care au crescut pe baza ei. Tradițiile lui Fokine au fost dezvoltate de L.F. Myasin, B.F. Nizhinskaya, S.M. Lifar, care a devenit șeful trupelor din Monte Carlo și Paris. În a doua jumătate a secolului XX. Franța a oferit baletului coregrafi atât de distinctivi precum Maurice Bejart și Roland Petit.

J. Balanchine a lucrat în Franța înainte de a pleca în SUA în 1933. În 1932-1933 a organizat trupa „Balle rus de Monte Carlo” ( Burghez în nobilime R. Strauss, Mozartiana P. Ceaikovski). După plecarea lui Balanchine, trupa a fost condusă de VG Voskresensky (de Basil), trupa a început să se numească „Balle rus de Monte Carlo of Colonel de Basil” (din 1939 până în 1962 a lucrat în SUA, în 1938-1948 Massine a servit ca maestru de balet al trupei, conservarea baletelor lui Diaghilev). Lifar a condus în 1944-1947 „Noul Balet Rus de la Monte Carlo”, din 1947 a devenit cunoscut drept „Nouveau balle rus de Monte Carlo of the Marchiz de Cuevas”.

În 1930-1959, cu o pauză militară 1944-1947, trupa Operei din Paris a fost condusă de Serge Lifar, care a montat acolo 50 de balete în stil neoclasic, modernizând dansul clasic și combinându-l cu elemente de liber, folclor, dansul de zi cu zi. Cele mai cunoscute balerine ale vremii: Claude Bessy (născut în 1932), elevul lui Lifar, care și-a început cariera cu Balanchine, în 1972 a avut un succes răsunător în Bolero M. Bejara, din același an - director al școlii de balet de la teatrul de operă, precum și dansatoare lirică Yvette Chauvire ( 1917), faimoasă pentru interpretarea rolului lui Giselle. Inovațiile coregrafice s-au dezvoltat în afara zidurilor Operei, deși acolo au fost puse în scenă încă din anii 1970 baletele lui Balanchine, D. Robbins, G. Tetley, P. Taylor, M. Cunningham, Y. Grigorovici. În 1983-1989, șeful companiei de balet Operei din Paris a devenit din nou originar din Rusia, dansatorul sovietic R.Kh. Nureyev. A pus în scenă o serie de balete clasice și a invitat, de asemenea, unul dintre cei mai mari coregrafi ai timpului nostru, W. Forsyth, să coopereze, ceea ce a adus un nou flux la viață trupei de dans a teatrului, care până atunci se transformase într-un muzeu de balet. Dintre dansatoarele de operă au devenit celebre Sylvie Guillaume (n. 1965) și Isabelle Guérin (n. 1961). Remarcabilul dansator clasic Patrick Dupont (n. 1957) a condus trupa în perioada 1990-1995.

Maurice Béjart s-a alăturat Balletului Etoile în anii 1950. Din 1960 este șeful Baletului secolului al XX-lea, din 1987 - Baletul Bejart din Lausanne. Își creează propriul limbaj plastic și rezolvă probleme filozofice în balete, de unde și interesul pentru lumea orientală și pentru dans: Bakti, 1968 la muzica indiană, Faust al nostru la muzica națională, 1975, Nijinsky, clovnul lui Dumnezeu pe muzica lui P. Henri și P. Ceaikovski, 1971. Dansatorul principal al lui Bejart a fost argentinianul Jorge Donne (1947–1992), care a murit devreme. Bejart a dedicat balete memoriei sale Casa preotului,Balet pentru viață,Tango, sau un trandafir pentru Jorge Donna... În 1972 a creat Cântecele ucenicului rătăcitor pentru Nureyev. Coregrafia lui Bejart se caracterizează printr-o metaforă plastică, un ritm accelerat, prioritatea unui dans de masă masculin. Cele mai cunoscute sunt edițiile originale de balet Izvorul sfânt(1959) și Pasăre de foc I. Stravinsky (1970), Bolero M. Ravel (1961). A organizat școala Mudra, în care pregătirea de balet se bazează pe studiul psihologiei și al filosofiei moderne.

În 1945-1951 Roland Petit a fondat „Baletul Champs Elysees”, în 1949-1967 – Baletul Parisului. Printre cele mai bune lucrări: Tinerețea și moartea J.S.Bach, 1946, Carmen J. Bizet , 1949, Catedrala Notre-Dame, 1965. Petit lucrează în genul baletului dramatic, gravitează spre dinamismul intrigii, imaginea vie și teatralitatea, pune cu măiestrie scene de masă, folosește în vocabularul său o combinație de dans clasic și jazz. Printre dansatorii săi au devenit celebri: ZiziZhanmair (n. 1924, interpret al rolului Carmenîn baletul cu același nume), Jean Babile (n. 1923, interpretul rolului principal în baletul cult al anilor 1950 Tinerețea și moartea). În 1972, Petit a organizat Baletul de la Marsilia ( Luminează stelele, 1972, Trandafir bolnav G. Malera, montat în 1973 pentru Plisetskaya, Pink Floyd, 1973, În memoria unui înger A. Berga, 1977, versiuni proprii ale baletelor clasice Coppelia, 1975 și Spărgător de nuci, 1976). A montat balete simfonice la Opera din Paris Simfonie fantastică G. Berlioz, 1974, Noapte luminată A. Schoenberg, 1976.

Pierre Lacotte (n. 1932) în 1955–1956 și 1959–1962 - director al Baletului Turnului Eiffel. În 1963-1968 - șeful trupei „Baletul național al tineretului muzical francez”, apoi trupa baletului de la Monte Carlo, până în 2001 a condus „Baletul național” din Nancy, este un expert în moștenirea clasică a baletului francez. , deține arta subtilă a stilizării, reconstrucției spiritului baletului romantic (filme - balete pentru televiziune Europa galanta A.Kampra, restaurare balet Silf J. Schneitzhoffer, Doamnă cu camelii J. Verdi, 1977). El este numit „arheolog de balet”.

Art Nouveau prezentat de « Teatrul de balet modern „J. Russillo (n. 1941), organizat în 1972. Dintre trupele postmoderne, trupa lui A. Preljocaj (n. 1957, trupa - din 1984), elev al lui M. Cunningham ( Lacrimi albe, 1985, În memoria eroilor noștri, 1986, plutesc la muzica. W.A. Mozart, 1994).

Regatul Unit.

baletul englez al secolului al XX-lea urmărește un pedigree de la școala lui A. Pavlova și Marie Rambert (1888-1982) și Ninette de Valois, care a lucrat pentru Diaghilev. În 1920, a fost deschisă Școala Mariei Rambert, adeptă a sistemului de dans ritmoplastic al lui E.J. Dalcroze. F. Ashton, E. Tudor, care a creat trupa de balet Rambert în 1930, au absolvit școala ei. În 1926, Valois a deschis Academia de Arte Coregrafice din Londra, din care a apărut trupa de balet Sadler's Wells în 1942, iar Baletul Regal al Marii Britanii în 1957. Valois i-a fost director până în 1983. Din 1935, principalul său coregraf al Baletului Regal este Frederic Ashton, care a creat stilul dansului clasic englezesc - auster, reținut și poetic. Se bazează pe școala lui E. Cecchetti, care a predat la Școala Imperială de Balet din Sankt Petersburg și a crescut oameni precum Pavlova, T. Karsavina, M. Fokin, V. Nizhinsky. Pentru o lungă perioadă de timp, balerina principală a lui Ashton a fost Margot Fontaine, a cărei carieră a primit în mod neașteptat o renaștere în legendarul duet cu Nureyev; împreună au dansat o serie de balete clasice, precum și un balet special pus în scenă de Ashton Margarita și Armand bazat pe Doamnelor cu camelie A. Dumas pe muzică de F. Liszt, 1963. Printre producțiile lui Ashton: Faţadă 1931 W. Walton, O precauție zadarnică, 1960 de F. Herold, Undină, 1958 H.W. Henze, O luna la tara 1976 de F. Chopin, balete fără intrigă Variații simfonice, 1946 S. Frank, Monotonie, 1965-1966 E. Satie, multi-act Cenusareasa S. Prokofiev, 1948, cu M. Fontaine - Vis, 1964 de F. Mendelssohn. În 1970, Ashton a creat „New Group” la teatru pentru spectacole de avangardă. Anthony Tudor (1908-1987), creator de dramă psihologică în balet, a lucrat în teatru înainte de a pleca în SUA (1939), punând în scenă acolo gradina liliac pe muzică de E. Chausson, 1936, Elegii sumbre muzica Cântece despre copiii morți G. Malera, 1937.

În 1970-1977 trupa a fost condusă de Kenneth Macmillan. Apariția genului de balet dramatic este asociată cu numele său. Stilul său este o combinație a școlii Cecchetti cu acrobații și suporturi complexe, el este caracterizat de rafinamentul desenului coregrafic. Baletul lui Romeo si Julieta(muzică de Prokofiev, 1965, creată tot pentru Fontaine și Nureyev) a devenit cult. Baleturi Manon(1974, pe muzică de J. Massenet), Dansuri de concert Stravinsky 1955, Nora,sau Jurnalul lui A. Frank, 1958, Anastasia A. Sulliven, 1971, Mayerling F. Liszt, 1978, Isadora R. Bennett, 1981; Prințul pagodelor B. Britten, 1989 creat pentru balerina principală a lui MacMillan - Lynn Seymour (n. 1939), care a dansat în duet cu Christopher Gable (1940–1998), care mai târziu a făcut carieră în cinema. Baletele lui Macmillan l-au dansat pe virtuozul Anthony Dowell împreună cu Antoniet Sibley, Alexandra Ferry (născută în 1967). Pentru contribuția sa la cultura națională, Macmillan a primit titlul de domn. În aceiași ani, John Cranko a lucrat în trupă, care este cunoscut drept directorul multor ore de balete narative ( Doamnă și bufon Verdi, 1954). Din anii 1960, Cranko a lucrat în Germania, conducând cel mai vechi balet din Europa, Baletul Stuttgardt. După plecarea lui Macmillan, ideile de dans liber au devenit o prioritate în teatru. Marii dansatori ai trupei Norman Morris (n. 1931), Anthony Dowell (conduca trupa din 1986), David Bintley (n. 1957) au introdus în repertoriu producțiile balanchine, Robbins, Forsyth. Dansatorii de frunte ai teatrului au fost și Beryl Gray (n. 1927), Robert Helpman (1909-1986), Moira Shearer (n. 1926).

Alte trupe din Marea Britanie includ Birmingham Royal Ballet și London Balle Festival, care au luat naștere dintr-un grup fondat în 1949 de foști dansatori Diaghilev Alicia Markova și Anton Dolin (1904-1983). Trupa Balle Rambert continuă să lucreze. La început, originalele baletelor clasice au fost păstrate în repertoriul ei, iar din 1966 s-a acordat prioritate lucrărilor în stilul dansului modern. În 1987, Richard Allston (n. 1948) a devenit șeful trupei, dezvoltând ideile coregrafului modernist american Merce Cunningham. În 1967, R. Cohen, elev al lui M. Graham, a creat Teatrul de Dans Contemporan din Londra, unde a pus în scenă multe dintre baletele lui Graham. Teatrul face parte din Centrul de Studiu al Dansului Modern din Londra.

STATELE UNITE ALE AMERICII.

Principala realizare a baletului american este opera lui George Balanchine, originar din Rusia, absolvent al Școlii de Teatru din Petrograd. A creat o nouă direcție în coregrafie - un balet simfonic, fără intrigă, de stil neoclasic, o performanță coregrafică autosuficientă (uneori fără libret, scenografie și costume). Lucrarea lui Balanchine a fost, de asemenea, foarte influențată de școala daneză de coregrafie, luptă pentru subtilitate, munca ușoară plină de viață a picioarelor (așa-numitele tracțiuni ale lui Bournonville), o schimbare rapidă a direcțiilor și ritmuri crescânde ale mișcărilor. Cele mai mari teatre de dans din Statele Unite - New York City Balle și American Ballet Theatre s-au născut ca urmare a interacțiunii tradițiilor rusești clasice și americane (dans modern, acrobatic, jazz, vocabular de zi cu zi). Tendința principală în baletul american este încă fără complot și metaforic, baletul de cameră într-un act.

Când Balanchine a sosit în SUA în 1933, direcția principală în coregrafia americană a fost dansul modern, care avea o culoare folclorică și includea motive ale dansurilor negre și indiene (îndoiri ale corpului, mișcări de rotație ale șoldurilor, prioritatea dansului de ansamblu față de solo). Dansul modern a fost dezvoltat de coregrafii Ruth Saint-Denis și Ted Shawn (1891-1972), care au fondat școala de dans Denishaun din Los Angeles în 1915. Acolo au studiat mulți coregrafi americani, inclusiv cea mai proeminentă balerină și coregrafă Martha Graham, care în 1926 și-a creat propria trupă și a dezvoltat o tehnică specială de dans. Coregrafii D. Humphrey, H. Lemon, A. de Mille, R. Page au creat balete de gen folosind folclorul negru și indian. Pe de altă parte, datorită artiștilor ruși emigrați, publicul american a făcut cunoștință cu baletul clasic: studiourile dansatorilor ruși M. Fokin, A. Bolma, M. Mordkin au lucrat în SUA; B.G.Romanov (1891-1957) a condus trupa de balet a Operei Metropolitane (1938-1942, 1945-1950), în 1939 trupa Balle rus de Monte Carlo a sosit în Statele Unite (V.G. Voskresensky -de Basil), condusă în 1938. -1948 de LF Myasin. Fuziunea modernității cu tradițiile naționale și clasice a format stilul Balanchine. În 1934, împreună cu filantropul Leonard Kernstein (1907–1996), Balanchine a fondat School of American Ballet și, pe baza acesteia, teatrul de balet New York City Ballet. În 2004, teatrul a sărbătorit centenarul de la nașterea fondatorului său și cea de-a 70-a aniversare. Primele balete au fost montate pe subiecte americane ( Benzinărie, 1938 L. Christensen pe muzică de W. Thomson, Billy băiat J. Loring, Primavara in Apalachi, Rodeo A. de Mille, muzică. Copland), dar în curând teatrul s-a transformat în Casa Balanchine, unde a montat 50 de balete pentru trupă. Acestea sunt în principal balete fără intrigă: Patru temperamente P. Hindemith, 1946, Serenadă, 1934, Concert baroc J.S.Bach, 1940, Simfonie în do major sau Crystal Palace J. Bizet, 1947, Cântece de dragoste- valsuri pe muzica de I. Brahms, 1960, suita III P. Ceaikovski, 1970, inclusiv la muzica americană: Simfoniile Far West H. Kay, 1954, Este tot la fel J. Gershwin, 1970. Estetica neoclasică a lui Balanchine se bazează pe expresivitatea dansului, născută din expresivitatea imaginii muzicale. Balanchine, ca și Bejart, a fost un maestru al producției de dans în masă, dar a dat prioritate dansului feminin și a spus: „Baletul este o femeie”. Compozitorul său preferat a fost Stravinski, cu care a colaborat încă din perioada în care lucra pentru Diaghilev. În perioada 1925-1972, Balanchine a montat 27 de balete ale lui Stravinski, printre care: Agon, 1957, Pasăre de foc, 1949, Pulcinella, 1972, Bijuterii (Rubinele), 1967. Un analog al unei colaborări atât de fructuoase între coregraf și compozitor se regăsește în alianța lui Petipa cu Ceaikovski. Balanchine de frunte: Andre Eglevsky (1917-1977), Eduard Villela, Melisia Hayden (n. 1923), Maria Tolchif, Diana Adams, Tanakil Le Clair (n. 1929), Violet Verdi, Allegra Kent (n. 1938), Karin von Haraldingen (n. 1941), Patricia McBride, Susan Farrell, Merrill Ashley. Elevul lui Balanchine, Jerome Robbins (1918-1998) este cunoscut ca creatorul dansului jazz cu elemente de vocabular popular și de zi cu zi. Balete în scenă: Marinarii pe mal L. Bernstein, 1944, Facsimil, 1946, Celulă muzica Concertul pentru coarde de la Basel Stravinsky, 1951, ediție nouă După-amiaza unui faun (1953), Concert pe muzică de Chopin, 1956, balet romantic Dans la petrecere pe muzica lui Chopin, varianta coregrafica Variațiile Goldberg Bach, 1971, Moara de apa pe muzica lui T. Ito. Musicalele sale sunt larg cunoscute: Fata amuzanta, Scripcarul de pe acoperiș 1964, poveste din Vest, 1957. În anii 1950 și 1960, Robbins a lucrat intens pe Broadway. După moartea lui Balanchine în 1983, împreună cu P. Martins, a condus trupa. Succesorul lui Balanchine, dansatorul danez Peter Martins, a devenit celebru într-un duet cu S. Farrell; cum a pus în scenă coregraful baletele: Noapte în iluminatul scenei C. Ives, 1978, Portocală extatică, 1987, alb-negru, 1986, Ecou, 1989, Frasin, 1991 M. Thorp. În 1991, Martins a pus în scenă pentru prima dată, complet netăiat în Occident, balet Frumoasa adormită.

American Ballet Theatre, creat în 1939 de Lucia Chase, filantrop și balerină, elevă a lui M. Mordkin. Chase a regizat teatrul până în 1980. Dacă New York City Balle este un teatru de autor, American Ballet Theatre este o creație internațională a mai multor coregrafi. Bazele teatrului au fost puse de coregraful englez Anthony Tudor, care a lucrat în teatru încă de la înființare ca director artistic (1939-1950 și din 1974). Fondatorul așa-zisului. balet psihologic (a fost numit „coregraful durerii umane”), Tudor era interesat de lumea subconștientului, atunci când se referea la lumea interioară a unei persoane a folosit vocabularul modernității ( Stâlp de foc pe muzică de A. Schoenberg, 1942 cu Nora Kay, Curentul subacvatic R. Schumann , 1945, Romeo si Julieta Dilius, 1943 cu Hugh Lang). În 1975, a pus în scenă un balet romantic fără complot pentru Gelsi Kirkland (născut în 1952), recunoscut ca cel mai bun interpret al rolului lui Giselle în Statele Unite. Frunzele se ofilesc pe muzica lui A. Dvorak. Dansatorii de frunte ai lui Tudor au fost Nora Kay (1920–1989) și Hugh Lang (1911–1988). La teatru au lucrat și K. McMillan, D. Robbins, coregrafii moderni Glen Tetley (născut în 1926), Birgit Kulberg (născut în 1908), Tuayla Tharp (născut în 1942). Dansatorii de frunte ai teatrului în diferiți ani au fost: Alicia Alonso, John Kriza (1919-1975), Igor Yuskevich (1912-1994) și Alicia Markova; Tony Lander (1931-1985) , Sally Wilson (n. 1932), Bruce Marks (n. 1937), Roy Fernandez (1929-1980), Lupe Serrano (n. 1930) ) , Scott Douglas (1927-1996), Cynthia Gregory, Martina Van Hamel (n. 1945), Fernando Bujones, Natalia Makarova, Rudolf Nureyev, danez Eric Brun, Carla Fracci (n. 1936), Ivan Nagy (n. 1943), VA Malahov.

În 1980-1989, directorul artistic al trupei a fost Mihail Baryshnikov, adjunctul său a fost K. McMillan. În acea perioadă a fost pusă în scenă celebra producție a lui M. Morris (n. 1955), coregraf care a câștigat faima „Mozart of Contemporary Dance”. Bea-mi numai cu ochii tăi pe muzica lui W. Thomson. reluă Macmillan Romeo si Julieta, N. Makarova și-a făcut ediția La Bayadere Minkus (1980). La invitația lui Baryshnikov în 1989, balerina Teatrului Kirov I. Kolpakova (n. 1933) a lucrat ca profesor pentru trupă.

Dacă în secolul al XIX-lea. Baletul american era abia la început, apoi în a doua jumătate a secolului XX. țara a cunoscut un boom balet al secolului al XX-lea. și s-a transformat într-o țară cu o cultură coregrafică foarte dezvoltată. În 1945 erau 25 de trupe, dar acest număr a crescut în curând la 250. Mai multe trupe operează numai în New York (teatre moderne de Tuila Tharp, Joffrey Ballle de Robert Joffrey (n. 1930), African American Harlem Dance Theatre de Arthur Mitchell , « Balle Feld „Eliot Feld, n. 1942 etc.). Orașele mari au propriile companii de balet: Chicago Balle, fondată de Maria Tolchif, San Francisco Balle, Boston Balle, Miami Balle, Littlefield Balle of Philadelphia etc.

Germania.

Spre deosebire de baletul din alte țări europene, influența școlii de dans rusești este mai puțin pronunțată în germană. La începutul secolului al XX-lea. în Germania și Austria, expresionismul s-a dezvoltat în toate formele de artă. Balet expresionist dezvoltat pe baza tehnicilor de dans modern, reprezentat de lucrările coregrafilor R. Laban (1879-1958), K. Joss ( 1901–1979), M. Wigman și elevii ei H. Holm (1898–1992), G. Palucchi (1902–1992). Au abandonat mișcările frumoase, înlocuindu-le cu linii întrerupte și forme aspre. Cea mai cunoscută operă a acestui stil a fost baletul antirăzboi de K. Joss Masa verde, 1932. În anii 1920 – 1930, ideile școlii Bauhaus, care promovau constructivismul, erau populare și în Germania și a văzut dansul ca pe o construcție calculată cu precizie și un exercițiu acrobatic lipsit de culoare emoțională. Această direcție și-a găsit expresia în opera lui V. Skoronel.

În a doua jumătate a secolului XX. interesul pentru modernitate a crescut în Germania în experimente postmoderne. O trăsătură distinctivă a baletului german modern este utilizarea ideilor coregrafice de la coregrafi americani, olandezi și cehi. În 1961, Baletul de la Stuttgart a fost condus de G. Cranko. Stilul baleturilor sale amintea de drama coregrafică sovietică din anii 1930-1940, acestea sunt opere narative în mai multe acte: Romeo si Julieta (1962) pe muzica lui Prokofiev, Onegin(1965) pe muzică de Ceaikovski, aranjată de K.H. Stolze, Îmblânzirea scorpiei(1969) pe muzica lui A. Scarlatti în același aranjament cu participarea remarcabilului duet Marcia Heide (n. 1939) - Richard Cragan (n. 1944). Cranko a creat un atelier de creație experimentală, din care au crescut William Forsyth (n. 1949), John Neumeier (n. 1942) și Jiri Kilian. După moartea lui Cranko, trupa a fost condusă de coregraful modern Glen Tetley (n. 1926), elev al lui Holm, renumit pentru spectacolele baletului dedicat lui Cranko. Voluntar(1973) F. Poulenc şi ediţia proprie Primavara sacra Stravinski. Neumeier, un coregraf american, a lucrat la Baletul din Stuttgart în anii 1960-1970 și a regizat teatrele din Hamburg și Frankfurt. Este dedicat temelor religioase și filozofice, pe care le implementează în multe ore de balet (patru ore de balet Pasiune pentru Matei, 1981). Alte producții includ: Călătorie separată Barbera (1968), Rondo (1970), Romeo si Julieta (1971), Spărgător de nuci (1972), praf A. Scriabin (1972), frumoasa adormită, Elegie Ceaikovski (1978), Ariel Mozart, Simfonia a patra Mahler (1977). Forsyth este ideologul postmodernismului de balet, șeful baletului de la Frankfurt, este adesea numit Balanchine al secolului XXI. Coregrafia sa se bazează pe asociații și include adesea versuri, filme și proiecții foto. Acestea sunt baletele Cantece de dragoste(1979) muzică populară şi La mijloc, la o anumită cotă pe muzica lui L. Stuk și T. Willems, pe care le-a pus în scenă la invitația lui Nureyev la Opera din Paris în 1988. Forsyth a fost unul dintre primii care a folosit muzica electronică a lui Willems. Coregrafia modernă nu poate fi imaginată fără opera Pinei Bausch (n. 1940), cu Teatrul ei Dance (Wuppertal, din 1971), elevă a lui K. Joss, P. Taylor, E. Tudor, care dezvoltă simultan tradiția expresionistă a Baletul german și școala psihologică a americanilor ( Fragmente, 1967; Arii, 1979; Palermo, Palermo, 1989; spalator de geamuri, 1997; În ţara pajiştilor, 2000; Pentru copiii de ieri, de azi și de mâine, 2002). Baletul Operei din Berlin a fost condus de K. McMillan în anii 1966-1969, în prezent (din 2002) directorul său artistic și solist principal este V.A. Malakhov, care dezvoltă direcția clasică de balet.

Olanda.

Înainte de al Doilea Război Mondial, cea mai puternică influență a fost dansul liber german și în a doua jumătate a secolului XX. Țările de Jos au devenit locul de naștere al dansului postmodern. După război, trupa de balet național olandez a fost creată la Amsterdam, în 1967, sub conducerea lui Rudi van Danzig (n. 1933). În baletele sale remarcabile Monumentul tineretului decedat(1965) și Firele timpului(1970) Nureyev a dansat pe muzica lui J. Burman, care și-a amintit că în aceste spectacole a interpretat mai întâi un dans întins pe podeaua scenei. Van Danzig, ca și Forsyth, folosește sunetul aspru al muzicii electronice și peisajul futurist al Tour van Schaik. Din alte lucrări: Insulă de noapte J.C. Debussy (1965), Cercul de familie B. Bartok (1958). În 1959, trupa Teatrului Olandez de Dans a fost fondată la Haga sub conducerea lui Hans van Manen (n. 1932). Teatrul s-a dedicat exclusiv coregrafiei contemporane. Din 1973, Manen este coregraf al Baletului Național al Țărilor de Jos. Spectacole: Simfonie în 3 mișcări Messiana (1965), Metafore Lesyura (1965), Cinci piese pe muzica lui Hindemith (1966), Mutații K. Stockhausen (1970) , Izvorul sfânt(1974). În 1978, Jiri Kilian a devenit directorul Teatrului Olandez de Dans, care, la fel ca Tudor, dezvoltă stilul baletului psihologic. Kilian folosește mișcările efectuate în timp ce stă întins pe podea, realizează ipostaze sculpturale, compune suporturi înalte și rotații ( Întoarce-te într-o țară străină, 1974–1975, Simfonietta L. Janacek, 1987; Un loc frecvent vizitat K.Chavez; Timpul de culcare Takemitsu. Alte trupe din țară: olandezul „Teatrul 3”, baletul olandez „Scapino” sub conducerea lui N. Kriste (Rotterdam).

Suedia.

Forme alternative de balet s-au dezvoltat și în Suedia, coregrafii suedezi fiind în fruntea gândirii dansului. Prima companie suedeză de balet a lucrat la Paris între 1920-1925 sub îndrumarea îndrăznețului experimentator Jean Berlin (1893-1930). În 1949-1950 și 1963-1964 a regizat și Baletul Regal Suedez; în 1951-1952 și 1960-1963 acest post a fost ocupat de E. Tudor ( Ecoul conductelor la muzica. B. Martin, 1963). În 1946-1947 trupa a fost condusă de Birgit Kulberg (născută în 1908, elevă a lui K. Joss și M. Graham). În 1967 a creat trupa Kulberg Balle, unde a pus în scenă faimosul balet Freken Julia continuă muzica de T. Rangström, precum şi balete Medeea Bartok (1950), Romeo si Julieta Prokofiev (1969). Scrisul ei este o combinație de dans clasic și modern, grotesc și pantomimă. Mats Ek (născut în 1945), fiul lui Kulberg, a preluat conducerea în 1990 cu producții de balet postmoderne neconvenționale Giselleși Lacul lebedelor. Ek este unul dintre creatorii esteticii postmoderne (teoria aluziilor, codificarea, polistilistica). Stilul său este o piesă ironică cu intrigi clasice, citate, canoane de dans, în urma căreia se creează efectul de curățare a clișeului și o privire proaspătă asupra clasicilor.

Danemarca.

Baletul Regal Danez este unul dintre cele mai vechi din Europa. Sarcina principală a coregrafilor danezi a fost păstrarea școlii din Bournonville, iar datorită lui Hans Beck (1861-1952) ( Coppelia, 1896), a fost finalizată, dar, pe de altă parte, dezvoltarea ulterioară s-a oprit. În 1932-1951, în timpul conducerii lui Harald Lander (1905-1971), Vera Volkova (1904-1975), cea mai mare expertă în sistemul Vaganova din Occident, a lucrat în teatru. În această perioadă, școala daneză a ieșit din izolare, i-a eliberat pe celebrii dansatori P. Martins și E. Brun. Eric Brun (1928-1986), s-a remarcat printr-un mod de dans reținut, rafinat și în același timp curajos. A dansat roluri principale în balete clasice în teatre din SUA, Canada și Europa. În 1967-1971 a regizat Baletul Regal Suedez, în anii 1980 - Baletul Național al Canadei. A pus în scenă balete romantice clasice Micul concert G.G.Gulda (1953), ediții proprii Giselle(1959), Silfe(1964), Coppelia (1975).

Canada.

Trupa principală, Baletul Național al Canadei, a fost fondată la Toronto în 1951 de Celia Franca (n. 1921), o balerină a trupelor engleze Balle Rambert și Sadler's Wells Balle. Ea a creat o școală de dans clasic bazată pe principiile limbii engleze. A condus trupa până în 1974, cu ea în teatru, Brun și Baryshnikov au dansat. În 1996, James Koudelka (n. 1955), unul dintre cei mai interesanți coregrafi, a devenit directorul teatrului. Există o tradiție în teatru de a invita dansatori ruși. Din 1994 V. Malakhov lucrează în Baletul Național, A. Ratmansky a dansat în trupa Baletului Regal Winnipeg, fondată în 1938. În 1957, a fost creat la Montreal Marele Balet Canadian.

Alte țări.

Baletul țărilor cu un bogat trecut coregrafic (Austria, Italia) se află în prezent la periferia ideilor de balet. Teatrele muzicale din Viena și Milano acordă prioritate operei. Deși în Italia există o școală de dans virtuoz veche de secole, balerinii talentați, de regulă, se realizează în străinătate (Carla Fracci, n. 1936), Alessandra Ferucci, n. 1963), iar baletul italian este în pragul supraviețuirii.

În a doua jumătate a secolului XX. baletul a pătruns în țările în care tradițiile dansului popular sunt puternice. În Spania, „Ballet Lyrico National” a apărut sub conducerea fostului artist al „Teatrului de dans din Țările de Jos” Nacho Duato (n. 1957), în America Latină « National Ballet of Cuba ”(1948), creat de balerina“ American Balle ”Alicia Alonso,“ Argentine Ballet ”, fondat de dansatorul aceluiași teatru Julio Bocca (n. 1967). Trupele de balet au apărut în Japonia, unde sunt populare atât baletul clasic, cât și dansul modern: Tokyo Ballet (1964), grupul KARAS al lui Saburo Teshidava (1985), deschis în toate direcțiile, de la clasic la performance.

baletul rusesc.

Baletul în Rusia, precum și în Europa, a apărut ca artă de curte sub țarul Alexei Mihailovici. Este considerat primul balet rusesc Balet despre Orfeu și Euridice(1673, muzică de G. Schütz, coregraful N. Lim, Komedialnaya Horomina în satul Preobrazhenskoye, Moscova). În 1738 a fost deschisă Școala de balet din Sankt Petersburg (acum Academia de Coregrafie Vaganova). Coregrafii școlii J.B. Lande și A. Rinaldi au pus în scenă un divertisment de balet în opera de la curtea Annei Ioannovna la Teatrul Hermitage Puterea iubirii și a urii(1736). Mai târziu, ambii au servit ca coregrafi de curte. Începând cu anii 1760, baletul rus s-a dezvoltat de-a lungul curentului european al teatrului clasicism. Coregrafii, compozitorii și scenografii au fost austrieci și italieni.

În 1759–1764, celebrii maeștri de balet F. Hilferding (1710–1768) și G. Anjolini (1731–1803) au lucrat în Rusia, punând în scenă balete pe subiecte mitologice ( Semira bazat pe tragedia lui A.P. Sumarokov, 1772). În 1773, la Moscova a fost deschisă o școală de balet - un departament de balet la Casa de Educație din Moscova, baza viitoarei Academie de Coregrafie din Moscova. Trupa din Moscova, creată ca una publică, s-a bucurat de o independență mai mare decât trupa de stat din Petersburg. Arta trupei din Petersburg era mai curtenitoare, strictă și academică, în timp ce baletul de la Moscova era mai democratic și poetic, dedicat comediei și baletelor de gen ( Distracție de Crăciun, G. Anjolini, 1767). Diferențele au persistat mai târziu: baletul de la Leningrad se distinge încă prin severitate clasică, academism, cântărire a dansului, baletul de la Moscova - bravura, salt puternic, atletism. Dramaturgul Sumarokov a căutat dreptul de a-și crea propriul teatru de stat la Moscova, dar Ecaterina a II-a a dat monopolul organizării teatrului prințului P.V. Urusov și însoțitorului său, englezul M.G. Meddoks. Teatrul Bolshoi din Moscova își are genealogia din întreprinderea Meddoks și Urusov (Teatrul Petrovsky), care a fost organizată în 1776. Trupa Maddox a fost creată pe baza trupei existente anterior a lui N.S. Titov (1766-1769), teatrul Universității din Moscova. În ziua deschiderii Teatrului Petrovsky din 30 decembrie 1780, coregraful austriac L. Paradis, venit în Rusia cu trupa Hilferding, a pus în scenă un balet de pantomimă. Magazin de magie... În anii 1780, coregrafii F. Morelli, P. Pinyuchi, J. Solomoni au sosit din Italia în Rusia. puse în scenă la Teatrul Petrovsky, precum și în trupele de iobagi ale lui N.P. Sheremetyev și N.B. Yusupov, divertismente magnifice jucate ca adaos la o operă sau dramă. Baletele pe teme naționale au fost populare: Simplitate rustică, Poza rustica,balet țigan,capturarea lui Ochakov(toate - 1 treime a secolului al XIX-lea). Dintre producțiile lui Solomonini, cel mai cunoscut coregraf care a lucrat la Viena cu Noverre, baletul acestuia din urmă Medeea și Jason, 1800, Teatrul Petrovsky, Baletul american sau canibalii învinși, 1790, Kuskovo, apoi Teatrul Petrovsky. Din 1800, Solomonini a fost coregraful șef al Teatrului Petrovsky. În 1800 a livrat O precauție zadarnică coregrafie de J. Doberval sub titlul Bătrână înșelată.

La Sankt Petersburg, primul teatru public Bolșoi (Piatră), în viitor Teatrul Imperial Mariinsky, s-a deschis în 1783. În 1803 trupa sa de balet s-a separat de operă, ocupând o poziție privilegiată printre alte genuri de teatru. Baletul beneficia de subvenții guvernamentale și era subordonat conducerii teatrelor imperiale.

La cumpăna secolelor XVIII-XIX. a sosit momentul aprobării baletului rusesc. Au apărut compozitorii autohtoni A.N. Titov, S.I.Davydov, K.A.Kavos, F.E.Sholz, precum și primul coregraf rus I.I.Valberkh (1766–1819). El a combinat tradițiile dansului popular rusesc cu pantomima dramatică și tehnica virtuoasă a baletului italian. Lucrând în curentul principal al sentimentalismului, Walberch a pus în scenă primul balet pe o temă națională - melodrama Noul Werther Titov, 1799. În timpul războiului din 1812, s-au răspândit divertismente patriotice populare, iar Walberch a organizat un balet la Sankt Petersburg. Dragoste pentru patria Kavos, care s-a bazat pe dansul popular rusesc. În 1812, genul de divertisment a luat amploare, datorită lui dansatorii AI Kolosova (1780-1869), TI Glushkovskaya (1800-1857), AI Voronina (1806-1850) au câștigat faimă.

Cel mai important eveniment pentru baletul rus a fost sosirea în Rusia a unui coregraf proeminent din epoca pre-romantismului Sh.L. Didlo (a lucrat la Sankt Petersburg în 1800–1809, 1816–1829). A pus în scenă balete anacreontice Marshmallow și Flora (1808), Cupidon și Psyche (1809), Acis si Galatea(1816), precum și balete pe teme istorice, comedie, cotidiene: Aftă tânără (1817),Întoarcere din India sau picior de lemn(1821). Didlot a devenit fondatorul genului de balet anacreontic, numit după poetul antic Anacreon, creatorul genului de versuri de dragoste. M. Danilova (1793-1810), E.A. Teleshova (1804-1857), A.S. Novitskaya (1790-1822) au devenit celebre în baletele lui Didlot. Sub conducerea sa a început să se formeze școala de balet rusă, a pus în scenă peste 40 de balete, făcând treptat trecerea de la temele mitologice la subiectele literare moderne. În 1823 a predat Prizonier al Caucazului pe baza poeziei lui A.S.Pușkin, a colaborat cu compozitorul Kavos. AI Istomina (1799–1848) a strălucit în spectacolele sale, al cărui dans a fost glorificat de Pușkin, descriindu-l drept „un zbor efectuat de suflet”. Arta Istominei a prefigurat începutul baletului romantic rusesc și a întruchipat originalitatea școlii ruse, concentrată pe expresivitatea emoțională.

După expulzarea francezilor în 1812, școala de balet rusă a fost condusă de A.P. Glushkovsky (1793–1870), un adept al lui Walberch și Didlot. Activitatea sa a marcat o epocă în istoria baletului rusesc. În timpul războiului din 1812, a pus în scenă 18 balete și un număr mare de divertismente (melodrame, balete anacreontice, balete Scholz). Ruslan şi Ludmila bazată pe o poezie de Pușkin, 1812 și Trei curele, sau Sandrillon rusesc, 1826 bazată pe balada lui V.A. Jukovski). A îmbinat cu succes posibilitățile pantomimei și dansului, a devenit primul teoretician și istoric al baletului rusesc, a ridicat o galaxie de studenți: D.S. Lopukhina (1806-1855), I.K. Lobanov (1797-1840) și alții. activități ale coregrafului și profesor F. Gullen-Sor (Richard) (1805-1860), o balerină franceză venită la Moscova în 1823 ( Marshmallow și Flora, 1815,Sanddrillon F. Sora, 1825, Triumful muzelor, 1825). Ea a avut o mare influență asupra formării individualităților lui EA Sankovskaya (1816–1878), TS Karpakova (1812–1842).

Prima treime a secolului al XIX-lea - momentul în care s-a constituit școala națională de balet. La Teatrul Bolshoi din Moscova, pe o scenă bine echipată s-au impus extravaganțele magnifice ale lui A. Blanc și A. Titus. Reprezentarea scenelor de balet din operele lui Mihail Glinka a pregătit baletul rus pentru dezvoltarea simfonică a imaginilor. Tururile lui M. Taglioni în 1834–1842 și F. Elsler în 1848–1851 au fost de mare importanță. 1830-1840 - vremea romantismului în baletul rus. La Sankt Petersburg, cea mai bună dansatoare romantică a fost E.A.Andreenova (1819-1857), la Moscova - E. Sankovskaya, care este considerată prima dintre marile balerine ruse. A luat lecții de artă dramatică de la M.S. Shchepkin, cele mai bune roluri ale ei: Sylphide, Esmeralda, Ondine (Fecioară a Dunării), Elena Vardek (Katarina, fiica tâlharului). Contemporanii au numit-o sufletul baletului de la Moscova. Baletul din Sankt Petersburg din 1848-1859 a fost condus de liderul romantismului J. Perrot. Romantismul în Rusia a durat mai mult decât în ​​Occident, pentru că Baletul rus s-a bucurat de patronajul curții timp de mulți ani și a rămas o artă de curte. Când realismul a ajuns la alte forme de artă în anii 1860, baletul rus și-a păstrat orientarea romantică deja conservatoare. În stilul romantismului, a început Petipa (actul umbrelor în La Bayadere A. Minkus, 1877, balete Regele Candavl C. Puni, 1868, Don Quijote Minkus, 1869, fiica lui Faraon C. Puni, oglinda magica A. Koreshchenko), în care a continuat procesul de simfonizare a dansului. Cel mai mare coregraf al acelei perioade a fost A. Saint-Leon (1821-1870). În 1859-1869 a slujit la Sankt Petersburg ( Coppelia L. Delibes, Micul cal cocoșat Ts.Puni). Aceștia au fost anii în care au dominat efectele de divertisment și de scenă, dar în același timp K. Blazis a lucrat la Sankt Petersburg, perfecționând tehnica și vocabularul baletului rusesc. Sub el, dansul a fost în cele din urmă împărțit în clasic și caracteristic. Dintre balerinele care au dansat în acei ani, se remarcă MN Muravyova (1838–1879) și dansatorul VF Geltser (1840–1908).

În 1882, monopolul teatrelor imperiale a fost abolit, în urma căruia virtuozele balerine italiene au venit la baletul rus - Virginia Zucchi (1847-1930), Pierina Legnani (1863-1923), Carlotta Brianza (1867-1930), Antonietta Del Era. Ei au jucat un rol important în aprobarea baletului academic și au interpretat rolurile principale în balete regizate de Petipa. Sosit din Franța în 1847 și devenind principalul coregraf al Teatrului Mariinsky în 1862, Petipa a creat ansambluri de dans clasic, și-a aprobat formele canonice (adagio, pas de deux, suite de dans, grand pas, final coda), a dezvoltat principiul simetriei. în construcția corpului de balet, comparații contrastante între dansul de masă și dansul solo. Petipa a continuat procesul de simfonizare a dansului și a ajuns să coopereze cu compozitorii simfoniști Ceaikovski și Glazunov (anterior coregrafii lucrau cu personalul compozitorilor de la curte invitați din străinătate - cehul L. Minkus și italianul C. Puni , care încă gândeau în termeni de balet-divertisment). Cooperarea fructuoasă a dus la capodoperele artei coregrafice, care sunt încă baza repertoriului oricărui teatru de balet: frumoasa adormită (1890),Spărgător de nuci(1892),Lacul lebedelor(1895) Ceaikovski, Raymonda(1898), anotimpuriși Servitoare-stăpână Glazunov, 1900. Toate acestea sunt culmile simfoniei de balet. Prima producție Lacul lebedelor de coregraful ceh W. Reisinger în 1877 nu a avut succes. În procesul de pregătire a acestor balete cu mai multe acte, s-a dezvoltat tipul de balet mare (academic). Chiar mai departe, deja dincolo de limitele academicismului, L. Ivanov, al doilea coregraf al Scenei Mariinsky, a depășit limitele academicismului, compunând scene poetice de lebede (actul doi și al patrulea). Lacul lebedelor, 1895) și dansul fulgilor de nea în Spărgător de nuci, 1892). După ce a dezvoltat corpul de dans de balet, Ivanov a transformat baletul din basm într-o pildă filosofică. Coregrafia sa a continuat tradiția baletului romantic „alb” de la începutul secolului al XIX-lea. și a prefigurat stilul baletului din secolul al XX-lea, imaginile sale impresioniste și metaforice. Sub Petipa și Ivanov, talentul interpretativ al lui E.O. Vazem (1848–1937), frații N.G. și SG Legat (1869-1937), (1875-1905), M. Kshesinskaya, OI Preobrazhenskaya (1870-1962), care a distrus monopolul vizitei balerinelor italiene și a stăpânit tehnica virtuozului italian. La școala din Moscova a lucrat un coregraf spaniol, profesorul J. Mendes (1843-1905), care a ridicat nivelul trupei și a educat individualitățile LA Roslavleva (1874-1904), italianul AA Dzhuri (1872-1963), EV Geltser și partenerul ei permanent VD Tikhomirova (1876-1956).

Până la începutul secolului al XX-lea. s-a înființat școala rusă de dans, care a absorbit elementele școlii franceze a lui Didlot, italienilor Blazis, Cecchetti și școlii daneze a lui H. Ioganson. Drept urmare, școala de balet rusească a devenit cea mai bună din lume, iar succesul Rusiei Anotimpurile și trupei de balet rusesc a lui Diaghilev au dovedit acest lucru.

La cumpăna dintre secolele al XIX-lea și al XX-lea. în arta rusă a domnit epoca modernității, a apărut un teatru de regizor. Tipul de spectacol spectaculos cu mai multe acte cu scene de pantomimă și forme canonice de dans clasic este depășit. Pentru a se conforma conceptului estetic al Epocii de Argint, baletul a avut nevoie de reforme, al căror început a fost pus de coregraful Teatrului Bolșoi A.A. Gorsky, care a lucrat în teatru în 1902-1924. Spre deosebire de academicismul învechit, el a propus o dramă coregrafică în care acțiunea scenică era exprimată prin dans ( fiica Gudulei A.Yu. Simona, 1902, Salammbô A.F. Arends, 1910). În spiritul coreodramei, Gorsky a reelaborat în mod repetat Lacul lebedelor, Giselle... Sub Gorsky, individualitățile lui V.A. Karalli (în același timp - vedete de film mut, 1886-1972), S.V. Fedorova (1879-1963), A.M. Balashova (1887-1979), O.V. Fedorova (1882-1942), MM Mordkin ( 1880–1944).

Experimentele lui M.M. Fokin au avut o importanță și mai mare. A luptat împotriva academicismului învechit introducând elemente de vocabular liber și folclor în dansul clasic. A compus un nou tip de spectacol - un balet într-un act cu o acțiune transversală, unitate stilistică a muzicii, coregrafiei și scenografiei și s-a concentrat pe surprinderea momentului cu metode coregrafice. Spectacolul monumental a fost înlocuit cu un balet în miniatură într-un act. Fokin a creat balete pentru scena Mariinsky Eunice, nopți egiptene scenă dansuri polovtsieneîn opera de A. Borodin Prințul Igor, balet Pavilionul Armida N.N.Cherepnina (1907); Chopininana (Silfe) F. Chopin (1908), mai târziu pentru „Anotimpurile rusești” - Carnaval(1910) și Fluturi, (1912) pe muzică de R. Schumann, poem simfonic de M.N. Rimski-Korsakov Scheherazade(1910), Viziunea unui trandafir K.M. Weber (1911), Daphnis și Chloe M. Ravel (1912). Fokine a acordat o mare importanță scenografiei. Artiștii asociației World of Art (L.S. Bakst, A.N.Benois, N.K. Roerich, K.A.Korovin, A.Ya. Golovin), care au conceput producțiile lui Fokine, au devenit coautorii lor cu drepturi depline. Succesul baletelor sale a fost facilitat de munca dansatorilor: A. Pavlova, T. Karsavina, Nijinsky, Mordkin, A.R. Bolm (1884-1951). Numărul concertului a devenit simbolul coregrafiei impresionismului Lebădă Saint-Saensa (1907), compusă de Fokine pentru Pavlova. În ciuda succesului său enorm, impresionismul baletului s-a dovedit a fi un stil istoric limitat: încercând să transmită cele mai subtile nuanțe de dispoziție în mișcare, și-a pierdut sensul. Colaborarea lui Fokin cu Pavlova și Karsavina s-a dovedit a fi de scurtă durată. În 1909, Pavlova și-a creat propria trupă, „Regina Colombin” Karsavina a revenit la baletul clasic.

Sezoanele de balet ale lui Diaghilev.

Din 1909, talentatul antreprenor SP Diaghilev organizează anual un turneu al baletului rusesc din Paris, numit Anotimpurile Rusiei. Pentru anotimpurile rusești, Fokine și-a mutat producțiile de la Teatrul Mariinsky la Paris ( Chopininanaîn versiunea pariziană este numită Silfe,Nopți egiptene - Cleopatra) și a pus în scenă baletele lui Stravinski Pasăre de foc(1910) și Pătrunjel(1911), care a avut un succes răsunător. După ce Fokine a părăsit Diaghilev, încă două balete Stravinsky au fost puse în scenă de Nijinsky, ( Odihna de după-amiază a lui Faun, 1912; Izvorul sfânt). Ca coregraf, Nijinsky a fost primul care a apelat la formele expresioniste ( Izvorul sfânt) și fără complot ( Jocuri K. Debussy; 1913) balet. Dispunând de un salt fenomenal, a revenit prioritate dansului masculin ( Viziunea unui trandafir Weber). În 1911-1929, Diaghilev și-a fondat propria trupă, Baletul Rusesc al lui Diaghilev, care a făcut turnee în Europa și Statele Unite. Coregrafii lui Diaghilev au fost L. Massine (a pus în scenă un balet cubist Paradă(1917) cu decor de P. Picasso și muzică de E. Satie pe libret de J. Cocteau, Tricorn(1919) M. de Falla, balet fără complot Oh da pe muzica de N. Nabokov (1928), Femei bine dispuse D. Scarlatti, Povești rusești A. Lyadova); Bronislava Nijinska (a pus în scenă baletele lui Stravinski Bicicletă despre Fox (1922); Nuntă(1923); Pulcinella(1920); Mercur NS . Sati (1924), Căprioară F . Poulenca, (1924), Galop de oțel S. Prokofiev, (1927). În 1924, Balanchine s-a alăturat trupei, care a apelat din nou la muzica lui Stravinski, compunând balete. Focuri de artificii, Cântec privighetoareași Apollo Musaget, 1928, și Minge V . Rieti, 1925, Pisică A. Soge, 1927, baletul expresionist al lui Prokofiev Fiu risipitor, 1929. Muzica pentru balet a lui Stravinski a avut un succes răsunător Izvorul sfânt, pictând un tablou al Rusiei păgâne cu acordurile și ritmurile ei îndrăznețe. Nijinsky a ghicit tema muzicală Arc, transformându-l în plastic en dedans (poziția „închisă” a picioarelor: degetele de la picioare și genunchii sunt adunate). Dodecafonie Stravinsky a deschis o nouă etapă în muzica mondială. În 1916 a continuat tema Pătrunjel în Bicicletă despre Vulpea, Cocoșul, Pisica și Berbecul. La începutul anilor 1920, Stravinski a revenit la neoclasicism ( Pulcinella, 1919 pe muzica lui G. Pergolesi), din 1950, dodecafonia a prevalat din nou în muzica sa ( Agon, 1957). Diaghilev a extins gama de lucrări muzicale interpretate ca muzică de balet, incluzând Stravinski, Prokofiev, muzica avangardei franceze (compozitori ai așa-numitelor șase: Sati, Fauré, Soge, Oric, Orff, Poulenc).

În ciuda emigrării multor artiști remarcabili, a dificultăților revoluției și a războiului civil, trupele de balet din Moscova și Sankt Petersburg și-au păstrat repertoriul și au continuat să lucreze (EV Geltser, VV Krieger (1893-1978), EP Gerdt (1891). -1975) Au funcționat și școlile de balet. În anii 1920, a început să prindă contur faimosul sistem de predare a dansului clasic al lui Vaganova (1879-1951), care a reelaborat diverse tehnici care au influențat școala rusă în carte. Cele elementare dans clasic venerat ca o Biblie de balet. Metoda lui Vaganova, bazată pe studiul reacțiilor naturale ale corpului, necesită armonie și coordonare a mișcărilor, elevii ei s-au distins prin amplitudinea mișcărilor, un salt vertiginos și un spate puternic, care le-a oferit capacitatea de a controla corpul chiar și în zbor, înălțime prelungită, brațe flexibile expresive. Deși însăși Vaganova a studiat cu Johanson, un reprezentant al școlii daneze de coregrafie, ea nu a inclus școala Bournonville în sistemul ei. Cu toate acestea, școala sovietică, împreună cu cea daneză, este considerată cea mai bună în pregătirea dansatorilor de sex masculin, care se caracterizează printr-un salt puternic, rotații dinamice, atletism și capacitatea de a sprijini superior. În 1920, teatrele Mariinsky și Bolșoi au primit statutul de teatre academice și au fost redenumite Teatrul Academic de Stat de Operă și Balet și Teatrul Academic de Stat Bolșoi.

Anii 1920 - vremea avangardei ruse, experimente și căutări în toate domeniile artei. S-a anunțat o nouă generație de coregrafi. Gorski a continuat să lucreze la Teatrul Bolșoi ( Lacul lebedelor, 1920;Stenka Razin, 1918;Giselle, 1922;Flori proaspete pentru totdeauna B. Asafiev, 1922). K.Ya. Goleizovsky și-a început experimentele, care a creat „Baletul de cameră din Moscova” ( Faun C. Debussy, 1922). În 1925 a montat un balet la Teatrul Bolșoi Iosif cel Frumos S.N. Vasilenko în costumele de avangardă ale lui B.R. Erdman.

La Petrograd, trupa Teatrului Mariinsky era condusă de F.V. Lopukhov. A pus o simfonie de dans Măreția universului pe muzică de Beethoven (1922), balet alegoric revoluționar Vortex roșu V.M.Deshevoy (1924), balete de Stravinski Pulcinella (1926), O poveste despre o vulpe, un cocos, o pisica si un berbec (1927), Spărgător de nuci Ceaikovski în decorul constructivist al lui V.V. Dmitriev (1929). Lopukhov a fost un experimentator remarcabil și a introdus cu îndrăzneală un nou vocabular: elemente de acrobație și sport, ritualuri și jocuri populare. A introdus în dansul masculin suportul superior al balerinei pe un braț. Acest element a devenit unul dintre semnele distinctive ale stilului sovietic în balet.

În Moscova democratică, sub influența dansului modern Duncan, numeroase studiouri de dans plastic liber și ritmoplastic de L.I. Lukin, V.V. Maya, I.S. Chernetskaya, N.S. Gremina și N.N. Rakhmanov, L.N. V « Mastfore "N. Foregger a experimentat cu" mașini de dans ", în Petrograd a lucrat studiourile" Heptakhor "," Young Ballet "G.M. Balanchivadze (Balanchina). Un laborator coreologic a fost înființat la Academia de Stat de Științe Artistice (GAKhN) pentru a se ocupa de problemele teoretice ale dansului liber.

A.N. Ermolaev, V.M. Chabukiani, A.F. Messerer au devenit celebri în dansul masculin . În dansul feminin, în frunte au fost M.T.Semenova, O.V. Lepeshinskaya, T.M. Vecheslova (1910–1991), N.M. Dudinskaya. G.S. Ulanova, K.M. Sergeev, M.M. Gabovich (1905-1965).

Din 1932, stilul realismului socialist a devenit singurul posibil în toate tipurile de artă. O reprezentație cu mai multe acte a revenit la balet ( Mac roșu R.M. Glier, pusă în scenă de V.D. Tikhomirov și L.A. Lashchilin, 1927). Teatrul Bolșoi a devenit primul teatru de balet din țară, întruchiparea stilului de balet sovietic (eroismul, cantilența, emoționalitatea dansului). Teatrul de Operă și Balet din Leningrad (din 1935 - numit după S.M. Kirov) a păstrat tradițiile academice ale baletului clasic. Cererea de realism în balet, tendința spre centrismul literar, a dus în anii 1930 la renașterea coreodramei sau a baletului dramatic, unde pantomima psihologizată sau dansată domina dansul. Coreodrama sovietică din anii 1930 – 1940 este un spectacol intriga cu o predominanță a dansului caracteristic, remarcat prin splendoarea sa în scenă. Tot ceea ce depășește realismul este declarat de formalism ( Flux de lumină Lopuhov - Șostakovici, 1935). Coregrafii V.I. Vainonen, R.V. Zakharov, L.M. Lavrovsky au lucrat în genul baletului dramatic. Cele mai cunoscute balete Fântâna Bakhchisarai, 1934; Iluzii pierdute, 1935; Călăreț de bronz, 1949 pusă în scenă de Zaharov (scena inundației a devenit apoteoza stilului, când scena Bolșoi s-a transformat în lac); Prizonier al Caucazului, 1938; Romeo si Julieta, 1940; Cenusareasa, 1949 S. Prokofiev pus în scenă de Lavrovsky; Flacăra Parisului, 1932 Vainonen; Laurencia, 1939 Chabukiani. Coregrafii de balet de tobe au abandonat marile ansambluri clasice. În domeniul coreodramei au lucrat compozitori simfonici: B. Asafiev, R. Glier, A. Kerin, A. Khachaturyan. În legătură cu creșterea rolului pantomimei, în anii 1930 s-a format o nouă școală de performanță, care se caracterizează prin talent actoricesc, profunzime psihologică, care a atins apogeul în opera lui Ulanova.

În anii 1930 – 1940, au apărut noi teatre de balet: trupa Teatrului muzical KS Stanislavsky și VI Nemirovici-Danchenko pe baza trupei de balet artistic din Moscova a lui V. Krieger; Opera Maly (MALEGOT) din Leningrad. Au apărut noi coregrafi N.S. Kholfin (1903-1979), V.P. Burmeister (1904-1971), Moscova, B.A. Fenster (1916-1960), Leningrad. Un coregraf remarcabil a fost Burmeister, care a lucrat în 1941-1960, 1963-1970 la Teatrul Muzical Stanislavsky și Nemirovici-Danchenko din Moscova ( Tatiana A . Macara, 1947; Coasta fericirii A. Spadavecchia, 1948; editie originala Lacul lebedelor, 1953; Esmeralda Puni, 1950; strausian, 1941; Fecioara Zăpezii Ceaikovski, 1963). Baletul de comedie și baletul pentru copii au devenit elementul lui Fenster ( Mire și tinerețe imaginare M.I. Chulaki; 1949, Dr. Aibolit, I. Morozova, 1948, MALEGOT). A apărut o nouă galaxie de dansatori V.T.Bovt (1927-1995), M.M. Plisetskaya, R.S.Struchkova (1925-2005), N.B. Fadeechev (n. 1933), A.Ya.Shelest (1919 –1998) etc.

Din anii 1920, teatrele muzicale au lucrat și în Sverdlovsk, Perm, Saratov, Gorki, Kuibyshev, precum și în capitalele republicilor Uniunii. De la mijlocul anilor 1950, la teatrele Perm și Sverdlovsk au apărut școli de balet.

La începutul anilor 1950, necesitatea reformelor baletului era copleșită. În 1956, la Londra a avut loc primul turneu străin al trupei de balet a Teatrului Bolșoi, care a fost un succes uriaș, dar în același timp a scos la iveală un decalaj între coregrafia sovietică și cea occidentală.

Coregrafii de la Leningrad au fost primii care au pornit pe calea reformelor: Yuri N. Grigorovici ( Floare de piatră S.S. Prokofiev, 1957; Legenda iubirii A.A. Melikov, 1961 la Teatrul Academic de Stat de Operă și Balet, numit după I. Kirov), I.D.Belsky (n. 1925) a pus în scenă balete Coasta speranței A.P. Petrov, 1959; Simfonia din Leningrad D.D. Şostakovici, 1961; Micul cal cocoșat R.K.Schedrina, 1963), L.V. Yakobson a creat în 1969 ansamblul „Miniaturi coregrafice”. Au redat dansabilitatea baletului, au îmbogățit vocabularul dansului cu elemente acrobatice, au reînviat dansul de masă, genuri uitate anterior de balet simfonic într-un act, au extins tema baletului.

F. Lopukhov și K. Goleizovsky s-au întors la munca lor. O.M. Vinogradov (n. 1937) ( Cenusareasa, Romeo si Julieta, 1964–1965; Asel V.A.Vlasov, 1967, Teatrul de Operă și Balet Novosibirsk; Goryanka muzica de M.M. Kazhlaev, 1968; Iaroslavna muzică de B.I.Tishchenko, 1974, MALEGOT), N.D. Kasatkina (n. 1934) și V.Yu. Vasilev (n. 1934), care au creat ansamblul „Baletul clasic din Moscova” în 1977, din 1992 - „Baletul clasic al Teatrului de Stat” ( Gayane Khachaturian, 1977; creația lumii Petrova, 1978; Romeo si Julieta Prokofiev, 1998 etc.); G.D. Aleksidze (n. 1941), dezvoltând genul simfoniilor de dans ( Oresteia, 1968; suită scitică Prokofiev, 1969; Temă cu variații Brahms; Concert în fa major Vivaldi; în 1966-1968 pentru teatrul din Leningrad „Baletul de cameră” în 1966-1967 a creat programe de balet Aforisme la muzica. Şostakovici; Metamorfoză Britten, apoi a reînviat baletul Rameau India galanta; Pulcinella Stravinski și Fiu risipitor Prokofiev, ambii - 1978); B.Ya. Eifman (n. 1946), a experimentat la teatrele de operă Kirov și Maly ( Pasăre de foc Stravinski, 1975, Imbecil la muzica. 6 simfonii de Ceaikovski, 1980; Maestrul si Margareta Petrova, 1987; în 1977 a creat Teatrul de Balet din Sankt Petersburg. Coregraful din Leningrad D.A. Bryantsev (n. 1947), care și-a început cariera la Teatrul Kirov, a devenit în 1985 șeful trupei de balet a Teatrului Muzical. Stanislavski și Nemirovici-Danchenko ( Tragedie optimistă M. Bronner, 1985; Corsar Adana, 1989; Othello A. Machavariani, 1991). În 1966, la Moscova, IA Moiseev a organizat Young Ballet (din 1971 - Balet Clasic), primul ansamblu de concerte coregrafice din URSS.

Liderul noului val a fost Grigorovici, un maestru al metaforei dansului într-un balet de poveste. Odată cu sosirea sa la Teatrul Academic de Stat Bolșoi în 1964, teatrul a cunoscut o creștere, culminând cu producțiile sale: Spărgător de nuci, 1966 și Spartacus Khachaturian, 1968. Pentru Teatrul Bolșoi a compus versiunea originală Lacul lebedelor(1968), ediții multiple Frumoasa adormită, (1963, 1973), în 1975 a pus în scenă un balet Ivan cel Groaznic, v 1979 – Romeo si Julieta ambele pe muz . Prokofiev, Angara A. Eshpaya, în 1982 - epoca de AurŞostakovici. În baletele lui Grigorovici au devenit celebre duetele lui NI Bessmertnov – L.M. Lavrovsky (n. 1941), ESMaksimov –V.V. Vasiliev, talentul lui M.E. Liepa (1936–1989), N.I. Sorokina (n. 1942), NV Timofeeva (b. Cu toate acestea, la începutul anilor 1980, noile spectacole ale lui Grigorovici au apărut din ce în ce mai puțin, în timp ce baletele altor regizori (Plisetskaya, Kasatkina și Vasilev, Vasiliev, Vinogradov, A. Alonso) și-au făcut loc cu greu pe scenă. De fapt, Bolșoiul s-a trezit în criză din cauza monopolului unui singur coregraf, în timp ce toate teatrele de balet din țară erau egale cu Bolșoiul. Tehnicile inovatoare, devenite canoane imuabile, au devenit un clișeu. Dacă coregrafia străină nu a pătruns în Teatrul Bolshoi, atunci Teatrul Kirov odată cu sosirea lui O. Vinogradov (1977) a devenit mai deschis la tendințele mondiale. În repertoriul său, în repertoriu au apărut balete de Balanchine, Robbins și Tudor, Macmillan, Neumeier, Bournonville și a avut loc o seară de coregrafie antică de P. Lacotte din fragmente necunoscute până acum de balete de Perrot, Taglioni, Saint-Leon, Petipa. .

În 1960-1970 a apărut un nou val de dansatori talentați: Yu.V. Vladimirov (n. 1942), MV Kondrat'eva (n. 1934), LI Semenyaka, (n. 1952), AA Asylmuratova (n. 1961), IA Kolpakova (n. 1933), NA Dolgushin, (n. 1938), AE Osipenko, (n. 1932), FS Ruzimatov (n. 1963) , AISizova (n. 1939), Yu.V. Soloviev (1940- 1977). M. Plisetskaya a continuat să lucreze. Pentru ea A. Alonso a creat Suita Carmen, R.Pety - Moartea unui trandafir Mahler, Bejart - Isadorași Bolero... În calitate de coregraf, a pus în scenă baletele lui R. Shchedrin: Anna Karenina, 1972; Pescăruş, 1980;Doamnă cu un câine, 1984. V. Vasiliev a interpretat ca coregraf: Anyuta, V. Gavrilina, 1986; Romeo si Julieta, 1990; Macbeth K. Molchanov, 1980; Giselle, Lacul lebedelor, 1999.

A apărut o nouă generație de compozitori: R.K. Shchedrin, Petrov, M.M. Kazhlaev, N.N.N.Karetnikov, K.S. Khachaturian, A.B. Zhurbin, V.V. Besedina, M.B. .Bronner, Eshpye. În geografia baletului, locul principal este ocupat de Moscova, Sankt Petersburg, regiunea Ural (Perm, Ekaterinburg, Chelyabinsk). O școală de balet puternică s-a dezvoltat în Perm. Absolvent al Școlii Coregrafice Perm NV Pavlova (născut în 1956) în 1973, care a primit Marele Premiu al Competiției de Balet de la Moscova, a devenit una dintre balerinele de frunte ale Teatrului Academic de Stat Bolșoi; în perioada post-sovietică, un modern distinctiv. au apărut trupe de dans în Perm și Chelyabinsk.

Prăbușirea Uniunii Sovietice și criza economică care a urmat au adus greutăți imense companiilor de balet care anterior fuseseră subvenționate cu generozitate de stat. Mulți dansatori și profesori au părăsit țara pentru a se stabili în Statele Unite, Anglia, Germania și alte țări occidentale.

Odată cu sfârșitul erei Grigorovici în 1995, Bolșoiul a trecut printr-o criză asociată cu o politică de personal și economică prost concepută a teatrului. Baletul rus a ratat câteva generații din evoluția coregrafiei europene și în prezent se confruntă cu o lipsă de idei de dans. În același timp, s-a păstrat nivelul școlii de performanță. S-au dezvoltat individualități vii precum N.G. Ananiashvili, M.A.Aleksandrova, A.A. Antonicheva, D.V.Belogolovtsev, A.Yu.Bogatyrev, A.N. Vetrova, N.A. Gracheva, D.K. .Gudanov, S.Yu. Zakharova, IlV. Liv. , NM Tsiskaridze (Teatrul Bolșoi); D.V. Vishnevaya, U. V. Lopatkina, I. A. Nioradze (Teatrul Mariinsky); M.S.Drozdova, N.V. Ledovskaya, T.A. Cernobrovkina, V. Kirillov, A. Domashev, G. Smilevsky, V. Dick (Teatrul muzical Stanislavsky și Nemirovici-Danchenko).

După 1991, baletul intern a început să stăpânească experiența baletului occidental în domeniul modernității, jazzului, plasticelor libere. Bolshoi pune în scenă în mod activ balete ale coregrafilor occidentali ( Silf editat de E-M. von Rosen, Danemarca, 1994; Simfonie în do major,Agon,Mozartiana Balanchine, 1998-1999; Regina de pică pe muzica Simfoniei a șasea a lui Ceaikovski, Passacaglia Webern, 1998; Catedrala Notre-Dame Petit, 2003; fiica lui Faraon Lacotte, 2000; O precauție zadarnică F. Ashton, 2002; Un vis într-o noapte de vară Neumeier, 2004). Chiar mai devreme, Teatrul Mariinsky a apelat la baletele lui Balanchine. Pentru producția de balet Fiu risipitor Teatrul lui S. Prokofiev a primit premiul Masca de Aur în 2003. În același an, teatrul a interpretat pentru prima dată trei balete celebre Forsyth: Steptext pe muzica lui Bach, Răpire amețitoare cu precizie pe muzica lui Schubert şi Unde atârnă cireșe aurii pe muzica lui T. Willems și L. Stuk. Reconstrucțiile producțiilor vechi sunt populare: frumoasa adormită Ceaikovski, La Bayadere Minkus, 1991 la Teatrul Academic de Stat Bolșoi, Lacul lebedelor la Mariinsky, Coppelia Delibes în Novosibirsk, experiența lui A.M. Liepa în restaurarea baletelor lui Fokin, 1999 ( Pătrunjel, scenă dansuri polovtsiene,Scheherazade). Pe de altă parte, clasicii ruși și sovietici nu sunt doar restaurați, ci sunt supuși unor interpretări modernizate ( Don Quijote astfel cum a fost modificat de Fadeechev, 1999, Flux de luminăși BoltȘostakovici, astfel cum a fost modificat de A. Ratmansky, 2003 și, respectiv, 2005, Romeo si Julieta R. Poliktaru, 2004, toate - Teatrul Bolshoi, Spărgător de nuci K.A. Simonova, 2002, (regizor și artist de balet M.M. Shemyakin), Cenusareasa Ratmansky, 2003, ambele - Teatrul Mariinsky, Romeo si Julieta, 1997 și Spărgător de nuci, 2000, la Teatrul Perm „Baletul lui E. Panfilov”.

A fost legalizată practica dansatorilor și coregrafilor care lucrează în străinătate. Mulți dansatori au făcut cariere internaționale (I. Mukhamedov, A. Asylmuratova, Ananiashvili, D. Vishneva, Malakhov, V. Derevyanko, A. V. Fedotov, Y. M. Posokhov, I. A. Zelensky, Ratmansky). V. Malakhov, absolvent al Academiei de Coregrafie din Moscova, laureat al concursurilor de balet, desemnat în 1997 cel mai bun dansator din lume, lucrează simultan în mai multe companii străine de balet, din 2002 - director al Teatrului de Stat din Berlin Unter den Linden, realizează el însuși ca coregraf. D. Bryantsev ( Îmblânzirea scorpiei M. Bronner, 1996; balete într-un act Bravo,Figaro 1985; sciţiiși Cowboys D. Gershwin, 1988; Vocea singuratică a unui bărbat Vivaldi, N. Paganini și O. Kitaro, 1990; Minge fantomă F. Chopin, 1995; Legende biblice, Shulamit V. Besedina si Salomee P. Gabriel, 1997-1998, Doamnă cu camelii Verdi, 2001), din 1994 Bryantsev a lucrat simultan ca maestru șef de balet al trupei din Petersburg a Baletului de Cameră; Teatrul de balet din Sankt Petersburg B.Ya. Eifman a dobândit statutul de Academic de Stat ( Hamlet rus Beethoven-Mahler, 1999; Recviem Mozart 1998; Karamazov, 1995 pe muzica lui Rachmaninoff, Wagner, Mussorgsky și cântece țigănești, Ceaikovski, 1995 ("Masca de aur"), Teresa Raken Bach-Schnittke, Don Quijote Minkus,Giselle roșie la muzica. Ceaikovski, Ierusalimul meu, 1998, muzical Cine este cine, 2004.

Unul dintre cei mai importanți coregrafi din Rusia a fost Ratmansky (născut în 1968), care a fost „descoperit” de Ananiashvili când era dansator al Baletului Regal Danez. El a compus balete pentru ea: Deliciile manierismului pe muzica lui R. Strauss şi Visele Japoniei care a primit „Masca de aur”. În prezent, deși continuă să locuiască în Danemarca, lucrează ca director artistic al Baletului Bolșoi ( Flux de luminăŞostakovici, 2002). La Teatrul Mariinsky a montat Cenusareasa, la Teatrul de dans Fadeechev - baletul lui L. Bernstein Lea(„Masca de aur” -2003). Ananiashvili și-a condus propria întreprindere, în 2004 a devenit director artistic al baletului național georgian și director al Școlii Coregrafice din Tbilisi. V. Chabukiani. Coregraful moldovean Radu Poliktaru, care a absolvit Școala Coregrafică din Minsk și a câștigat premiul I la concursul de balerini care poartă numele I. Serge Lifar la Kiev, 2003, a montat o versiune postmodernă în Teatrul Academic de Stat Bolșoi Romeo si Julieta Prokofiev (2004).

Au apărut trupe și școli private independente de diferite direcții: „Teatrul de dans” sub conducerea lui Fadeechev (un alt nume „Teatrul de balet A. Ratmansky”), „Baletul imperial” de G. Taranda, o serie de teatre de dans postmodern (EA Panfilova, GM Abramova, A.Yu. Pepelyaeva). Primul teatru privat de balet a fost Teatrul de Experiment al lui E. Panfilov din Perm (1987), în 2000 a primit statutul de stat și denumirea modernă: Teatrul lui E. Panfilov Perm. Panfilov (1956-2002) a creat un stil original, combinând clasicul, modernul, jazzul, folclorul. A pus în scenă 49 de balete și 70 de miniaturi ( Alerga la muzica. A.G. Schnittke, 1988; Mistral despre muzele de K. Orf, 1993; Bărbat în negru, femeie în verde, la muzica. Ceaikovski, 1994; Insulă moartă la muzica. Rachmaninoff, 1991; Fantezii în negru și culoare de foc la muzica. I.V. Mashukov, grupurile lui Enigma și M. Ravel, 1991; Viziunea unui trandafir Weber, 1994; Cușcă pentru papagali la muzica de balet Carmen Bizet-Șchedrin, Romeo si Julieta, Prokofiev, 1996; Viziunea unui trandafir Weber, Cușcă pentru papagali pe muzica operei de Bizet Carmen, Habacuc... Dansul este un mister muzica de V. Martynov, 1998; Tramvaie diferite, 2001, Blocadă pe muzica Simfoniei de asediu de D. Șostakovici, 2003). Teatrul lui Panfilov a fost un spectacol complet de autor, el a compus nu numai coregrafii, ci și decorațiuni, costume, iluminat. Pe lângă trupa principală de la teatru, au fost create o serie de auxiliare, formate nu numai din dansatori profesioniști („Baletul Tolstoi”, din 1994, „Clubul de luptă”, din 2000, „Belle Corps de ballet”, din 2004). Pentru piesa despre război Baba, anul 1945, interpretat de Baletul Tolstoi, teatrul a fost distins cu Premiul Masca de Aur pentru cea mai bună inovație - nominalizare 2000. Panfilov, un experimentator îndrăzneț, care a murit devreme, a fost numit al doilea Diaghilev și coregraf al secolului XXI. Din 2002, directorul artistic al teatrului este S.A. Rainik, unul dintre dansatorii de frunte ai trupei.

Din alte teatre de dans contemporan (Dans Contemporan) - de două ori laureat al premiului „Mască de Aur” „Teatrul Dansului Contemporan” sub conducerea lui V. și O. Pon, (Celiabinsk, din 1992; Kinomania sau există viață pe Marte, 2001; Cunoaște regina engleză viața, 2004), laureat al concursului internațional de dans de la Paris, grupul „Dansuri Provinciale” sub conducerea lui T. Baganova, (Ekaterinburg, din 1990, Nuntă Stravinsky, 1999), Teatrul din Moscova „Clasa de plastice experimentale” G. Abramov, coregraf al teatrului A.A. Vasiliev, din 1990, „Teatrul de dans A. Kukin” , din 1991, grupul „Nota bené” de V. Arkhipov, coregraf al teatrului „Satyricon”, din 1999. Unul dintre cele mai intelectuale teatre de dans din Rusia este grupul de la Moscova „PO.V.S.Tantsy” (balet pe podea). Frunzele corpului despre muzică electronică, 2003).

TEHNICA DANSULUI CLASIC

În dansul clasic se iau cinci poziții ale picioarelor, executate în așa fel încât picioarele să fie întoarse, parcă, spre exterior (de unde și termenul de „eversiune”). Nu este vorba de a intoarce doar picioarele cu ciorapii in directii diferite, tot piciorul trebuie intoarcat incepand de la articulatia soldului. Deoarece acest lucru este posibil doar cu suficientă flexibilitate, dansatorul trebuie să facă exerciții zilnic și pentru perioade lungi de timp pentru a învăța cum să-și asume fără efort poziția cerută.

Pentru ce este nevoie de eversiune.

În primul rând, eversion vă permite să efectuați cu ușurință și grație toate mișcările laterale. În același timp, dansatorul se poate mișca dintr-o parte în alta, rămânând în același timp cu fața către privitor. În al doilea rând, când se dezvoltă eversia necesară, picioarele se mișcă mai ușor, puteți ridica piciorul în aer mult mai sus, fără a perturba echilibrul corpului. Când piciorul este extins într-o poziție inversată, șoldurile rămân la același nivel, orizontal. Dacă dansatorul nu are eversiune, atunci trebuie să ridice un șold pentru a oferi piciorului posibilitatea de a se mișca în sus, iar echilibrul este perturbat. Astfel, eversiune oferă libertate maximă de mișcare, menținând în același timp echilibrul maxim. În al treilea rând, datorită inversării liniilor corpului, aspectul general al dansatorului devine mai atractiv.

Poziții de dans clasic.

Prima poziție: Picioarele care se ating cu călcâiele și cu degetele de la picioare întoarse spre exterior, formând o linie dreaptă pe podea.

A doua poziție similar cu primul, dar călcâiele picioarelor inversate sunt distanțate unul de celălalt de lungimea piciorului (adică, cu aproximativ 33 cm).

Poziția a treia: picioarele sunt aproape una de alta, astfel încât călcâiul unui picior este în contact cu mijlocul celuilalt picior (adică un picior acoperă jumătate de celălalt). Această poziție este rar folosită astăzi.

Poziția a patra: picioarele inversate sunt paralele între ele la o distanță de aproximativ un picior (33 cm). Călcâiul unui picior trebuie să fie chiar în fața degetului celuilalt; aceasta distribuie greutatea uniform.

Poziția a cincea asemănător cu cel de-al patrulea cu diferența că picioarele se potrivesc perfect unele cu altele.

Toți pașii de dans clasic sunt derivați din aceste poziții. Initial, pozitiile se executa cu ambele picioare pe podea si cu genunchii drepti. În plus, apar diverse opțiuni: puteți îndoi unul sau ambii genunchi (pliés), puteți rupe unul sau ambele călcâie (când stați pe degete), ridicați un picior în aer (genunchiul poate fi drept sau îndoit), ridicați sol, luând una dintre pozițiile în aer.

Concluzie.

Până la sfârșitul secolului al XX-lea. problemele cu care se confruntă arta baletului au devenit din ce în ce mai clare. În anii 1980, când Balanchine, Ashton și Tudor au murit (în anii 1980), iar Robbins s-a retras din munca activă, a apărut un vid creativ. Majoritatea tinerilor coregrafi care lucrează la sfârșitul secolului al XX-lea nu erau prea interesați de dezvoltarea resurselor dansului clasic. Ei au preferat un amestec de sisteme de dans diferite, cu dansul clasic prezentat ca sărac, și dansul modern lipsit de originalitate în dezvăluirea capacităților corporale. În efortul de a transmite ceea ce constituie esența vieții moderne, coregrafii folosesc tehnica degetelor, parcă, pentru a accentua gândurile, dar ignoră mișcările tradiționale ale mâinii (port de bras). Arta susținerii s-a redus la un fel de interacțiune între parteneri, când o femeie este târâtă pe podea, aruncată, încercuită, dar aproape niciodată sprijinită sau dansată cu ea.

Majoritatea trupelor construiesc un repertoriu, inclusiv clasici din secolul al XIX-lea. ( Silf, Giselle, Lacul lebedelor, frumoasa adormită), cele mai cunoscute balete ale maeștrilor secolului XX. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor și Ashton), producții populare de Macmillan, Cranco, Tetley și Kilian și lucrări ale unei noi generații de coregrafi precum Forsyth, Duato, Koudelki. În același timp, dansatorii primesc o pregătire mai bună pentru că sunt profesori mai cunoscători. Un domeniu relativ nou al medicinei dansului a deschis dansatorului accesul la tehnici de prevenire a accidentărilor.

Există o problemă de a introduce dansatorii în muzică. Muzica populară larg răspândită nu cunoaște o varietate de stiluri, în multe țări, predarea alfabetizării muzicale este la un nivel scăzut, atunci când punerea în scenă a dansurilor, fonogramele sunt utilizate în mod constant - toate acestea interferează cu dezvoltarea muzicalității în rândul dansatorilor.

Concursurile de balet au devenit un fenomen nou în ultimele decenii, primul dintre care s-a desfășurat la Varna (Bulgaria) în 1964. Ele atrag nu doar prin premii, ci și cu ocazia de a se prezenta în fața juriilor reprezentând cele mai prestigioase organizații. Treptat, numărul concursurilor a crescut, cel puțin zece în diferite țări; unii oferă burse în loc de bani. În legătură cu nevoia de coregrafi, au apărut și concursurile de coregrafi.

Cele mai cunoscute concursuri de balet: Moscova International, Benois de la Dance, Grand Pas, European Contemporary Dance Festival EDF, (Moscova); Maya, Vaganova prix, Mariinsky, Stars of the White Nights, Exercise-Modern (Petersburg), concurs de balet Serge Lifar la Kiev. Concursuri internaționale de balet au loc și la Varna (Bulgaria), Paris (Franța), Lausanne (Elveția), Osaka (Japonia), Rieti (Italia), Jackson (SUA). Numeroase concursuri de dans contemporan provoacă o mare rezonanță publică (Bienala de Dans Contemporan, Lyon, Festivalul de Dans Contemporan Pina Bausch (Wuppertal).

Elena Iaroşevici

Literatură:

Krasovskaya V. , partea 1. Coregrafi. L., 1970
Krasovskaya V. Teatrul de balet rus de la începutul secolului al XX-lea, partea 2. Dansatori. L., 1972
Karp P. Despre balet... M., 1974
Gaevski V. Divertisment. Soarta baletului clasic. M., 1981
Krasovskaya V. Teatru de balet din Europa de Vest de la începuturile sale până la mijlocul secolului al XVIII-lea... L., 1983
Krasovskaya V. Teatrul de balet din Europa de Vest. Age of Noverra... L., 1983
Krasovskaya V. Teatrul de balet din Europa de Vest. Preromantismul... L., 1983
Krasovskaya V. Teatrul de balet din Europa de Vest. Romantism. L., 1996
Solway D. Rudolf Nureyev pe scenă și în viață... M., 2000