Ev » Kumaş » Müzik eşliğinde vokal parçası. Performans yöntemine göre türler: vokal ve enstrümantal

Müzik eşliğinde vokal parçası. Performans yöntemine göre türler: vokal ve enstrümantal

Ders

Şarkı söyleme– sesli müzik icra etmek; bir müzik eserinin figüratif içeriğini sesi kullanarak aktarma sanatı; müzik sanatının en eski biçimi, insan konuşmasıyla aynı yaşta. İnsan toplumunun varoluşunun şafağında, insanın diğer insanlarla iletişim kurmanın bir yolu olarak sesli konuşmayı kullanmayı öğrendiği aynı zamanda, ilkel kabilelerin varoluş biçimleriyle yakından ilişkili olan ilk ilkel vokal müziği biçimleri ortaya çıktı. . Bunlar çoban çağrıları, avlanma veya askeri çığlıklar, insanların çabalarını ortak çalışma içinde birleştiren ünlemlerdi. Bu ünlemlerden sonradan emek şarkıları ortaya çıktı.

O zaman bile müzik ve özellikle vokal müziği bir insana hayatı boyunca eşlik etti. Anneler bebeklerini ninnilerle uyutuyor, şarkılara çocuk oyunları ve yetişkinlerin eğlenceleri eşlik ediyor, son olarak da insanlar sevdiklerini kaybetmenin acısını ağıt şarkılarıyla yaslıyordu.

O eski zamanlardan bu yana, insanlık uzun, yüzyıllar süren bir yolculuktan geçti. Müzik sanatı da değişti, gelişti, daha karmaşık hale geldi, yeni ifade araçlarıyla zenginleşti. Ancak vokal müziğin en eski biçimlerinin çoğu, uygar halkların günlük yaşamında ve sanatında korunarak ve bir kalıntı olarak değil, insan duygularının doğal bir ifadesi olarak yaşamaya devam ediyor. Vokal müziğin bu tür ölümsüz biçimleri arasında, örneğin bir ninni ve kökleri uzak geçmişe dayanan diğer birçok halk şarkısı sanatı türü bulunur.

Antik sanatın en basit, ilkel biçimlerinden başlayarak zamanımızın büyük karmaşık yapıtlarına kadar, vokal müzik, konuşma ve şarkı söyleme birbirine çok yakın olduğu için ayrılmaz bir şekilde konuşmayla, sözle bağlantılıdır. Bir kişinin konuşması ne kadar canlı ve etkileyici olursa, o kadar melodik olur, içindeki sesin yükselişini ve düşüşünü o kadar net duyarız (sözde konuşma tonlamaları), bazen o kadar parlaktır ki kulak tuhaf "melodiyi" açıkça yakalar " konuşmasında, bu melodinin seslerinin sabit bir perdesi olmamasına ve bu nedenle müzik kadrosuna doğru bir şekilde yazılamamasına rağmen. Konuşma ne kadar az ifade edici olursa (örneğin, konuşmacının "bir kağıt parçasından" sıkıcı bir konuşması), o kadar monoton olur, tonlaması ne kadar monoton olursa, o kadar az müzik içerir. Fakat aralarında önemli bir fark da var. Kelimeleri telaffuz etmek ve anlamak için seslerin perde farkı değil, renkleri önemlidir; bu, dudakların, dişlerin ve dilin pozisyonundaki değişiklikten kaynaklanan bir farktır ve bunun sonucunda da işitebiliriz. Sesli ve sessiz harfler.

Vokal müzik- müzikal yaratıcılığın zengin ve çeşitli bir alanı. Seslerin sınıflandırılması:

Çocuk sesleri (indirim). Özel eğitim alan erkek çocukların seslerinin hafifliği, hareketliliği, güzelliği ve “gümüş” sesiyle öne çıktığı biliniyor. Din adamlarının her zaman dikkat ettiği ve kilise korolarında erkek çocukların şarkılarını kullandığı, çocuk seslerinin bu nitelikleriydi.

Bu seslerin her birinin kendine özgü tını rengi vardır. Örneğin, bir koloratur soprano, çapkın kız gibi cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl cıvıl bir bas, görkemli, cesur, tehditkar seslerin görüntülerini somutlaştırma yeteneğine sahiptir.

Farklı var vokal müziği biçimleri, dinleyicilerden yaratıcı gerilim gerektiriyor. Bunlar solistler, koro ve orkestra için anıtsal klasik bestelerdir: Handel ve Bach'ın oratoryoları, Mozart, Berlioz, Verdi'nin talepleri, Taneyev, Rachmaninov, Prokofiev'in kantatları. Müzikal içerikleri hiçbir şekilde alışılagelmiş şarkı motifleriyle sınırlı değil. Karmaşık koro polifonisi, solo aryalar ve genişletilmiş senfonik parçalar içerirler. Bu klasik eserlerin müziğini kavrayabilmek, heybetli skalasını bütünüyle kucaklayabilmek için gerekli estetik tecrübeye sahip olmak gerekir.

En sevdiğimiz her şarkının melodisi zihnimizde ayrılmaz bir şekilde sözlerle birleşse de, müziğinin özel, tamamen bağımsız bir sanatsal değer oluşturduğunu yine de açıkça hayal etmeliyiz. Avusturyalı büyük besteci Gustav Mahler bir zamanlar esprili bir şekilde şöyle demişti: "Bir şarkıdaki müzik, kelimelerin söylediklerinden çok daha fazlasını ifade edebilir."

Yani, vokal müziği dinlerken, sadece şiirsel olay örgüsünün gelişimini takip etmiyoruz, aynı zamanda şarkının ruhunu, romantizmini, bu sözlü imgeden doğan müzikal özünü de algılıyoruz.

Farklı var vokal müziği türleri ve buna göre üç şarkı söyleme tarzı:

- melodik tarz. Bu eserlere, şarkıya yakın, tamamlanmış, pürüzsüz bir melodi hakimdir. Bu tür müzikler özellikle kitleler tarafından anlaşılır ve sevilir. Geniş, pürüzsüz, tutarlı şarkı söyleme - cantilena;

- haykırış tarzı - plastik bir şarkı motifinden çok teatral bir anlatıma benzeyen bir tarz. Bu gibi durumlarda melodik desen, insan konuşmasının çeşitli tonlarını yeniden üretir - öfke ve şaşkınlık tonlamaları, neşe ve hassasiyet, öfke ve kızgınlık. Örneğin, Dargomyzhsky'nin Puşkin'in sözlerine göre "Değirmenci gece döndü" vokal taslağı. Bunda açıkça yüksek performans ilkesi hakimdir: Şarkıcı ya bir değirmencinin çılgınca mırıldanmasını ya da huysuz karısının kızgın çığlıklarını taklit eder.

Bildiri teknikleri özellikle operada yaygın olarak kullanılmaktadır. Vokal müzikte, özellikle operada, yalnızca şarkı türünün tamamlanmış melodileri aranmamalıdır. Yüksek sesle söylenen şarkıları dinleyebilmelisiniz. Doğru, güzel, akıcı bir cantilena gibi her zaman kulağı memnun etmez, ancak çoğu zaman insan deneyimlerinin, gerçek yaşayan tutkuların en ince ayrıntılarını yakalar.

Müzikteki bu performans tekniğine resitatif (sabit bir müzik yapısını ve ritmi korurken doğal konuşmaya yaklaşan bir tür vokal müziği) denir. Opera, oratoryo, kantata kullanılır. 17. - 18. yüzyıllarda. “kuru anlatım”, “eşlik edilen anlatım” ortaya çıktı, yani. klavsen akorları eşliğinde (daha sonra orkestra).

- Koloratura stili- burada kelimeden bir sapma, çok sayıda süsleme (bazen kelimeyi ezmek), pasajlar ve melodinin hızlı hareketi var.

Elbette vasat müziğin mükemmel şiire yazıldığı da olur. Bu durumda başarılı bir arya veya şarkı, metin ne kadar iyi olursa olsun yine de işe yaramayacaktır. Ve tam tersi, mükemmel müziğin vasat şiirle birleştirildiği örnekler de vardı. Böylece Çaykovski, aşklarından bazılarını küçük şairler D. Ratgaus veya K. Romanov'un sözlerine dayanarak yarattı. Dolayısıyla bir vokal eserinin sanatsal değerini, gerçek içeriğini belirleyen müziktir. Ve bir şarkıyı, romantizmi, aryayı dinlerken, her şeyden önce şiirsel sözden ilham alan melodinin güzelliğinin tadını çıkarırız. Bu tür müziğin sanatsal niteliğinin kriteri bir diğer önemli koşuldur: Şiirlerin fikir ve imgelerini ne kadar sadık bir şekilde somutlaştırdığı.

Vokal müzik çoğunlukla şarkı söylemeyi enstrümantal eşlikle veya dedikleri gibi eşlikle birleştirir. Pek çok romantik romanda, şarkıda ve opera aryasında eşlik, vokal kısmıyla eşit düzeyde hareket eder.

Bir piyano veya orkestra eşliğinde metnin ana görüntüleri sıklıkla resmedilir ve aksiyonun oynandığı ses arka planı vurgulanır.

Böylece, vokal müziği dinlerken ayrılmaz bir bağlantı içinde üç sanatsal unsuru algılarız: şiirsel söz, vokal melodisi ve enstrümantal eşlik. Uyumlu, birleşik bir imaj yaratan bu üç unsurun birleşimidir.

Vokal müzik, solo (tek ses), topluluk (1,2,3,4,5 ses) ve koro performansı için sözlü, sözsüz çalışmalarla temsil edilebilir.

Sözsüz şarkı söylemek - seslendirmek (Fransızca Seslendirmeden - sesli harf sesi). Seslendirme daha çok ses tekniğini geliştirmeye yönelik bir egzersiz olarak görülüyor. Konser performansına yönelik vokaller de bilinmektedir (S. V. Rachmaninov “Vocalise”).

Genellikle şarkı söylemeye enstrümantal eşlik eşlik eder, ancak bazen bu bir cappelladır (eşliksiz).

Bu tarzların vokal örnekleri: 19. yüzyılın çoğu operası şarkı tarzındaydı: Puccini'nin "Tosca"sı, Verdi'nin "Aida"sı.

19. ve özellikle 20. yüzyıla ait sahneler ve monologlar yüksek sesli bir üslupla yazılmıştır: Berg'in "Wotseck"i, Prokofiev'in "Oyuncu"su, Şostakoviç'in "Burun"u. Eserler çoğunlukla yüksek, hafif ve hareketli sesler için koloratur tarzında yazılır, ancak 18. ve 19. yüzyılların başında İtalya'da koloratur tarzına yönelik bir çılgınlık vardı. Bu teknik, ses türüne bakılmaksızın tüm şarkıcılar tarafından uygulanmıştır. Bir örnek, G. Rossini'nin müziği, ana bölümün mezzosoprano için yazıldığı ve hatta bas bölümünün de koloratur olduğu “Külkedisi” operasıdır.

Çoğu zaman farklı tarzlardaki vokal melodileri, farklı karakterler ve görüntüler yaratmak için tek parça halinde kullanılır.

Harika İtalyan şarkıcı L. Volpi şarkı söylemek hakkında son derece ilginç bir şekilde şunları yazdı: “Şarkı söylemek insan doğasının en önemli tezahürüdür, çünkü duyguların, tutkuların, hayal gücünün, düşüncelerin bir ifadesidir ve vücudun anatomik ve ruhsal yapısıyla yakından ilişkilidir. Ama sanatsal şarkı söylemek, tıpkı oda müziği ve tiyatro gibi, yalnızca eğitimin verebileceği teknik bilgi, alıştırmalar, yöntem ve üslup gerektirir. Sadece şarkı söylemek yeterli değildir, şarkı söyleyebilmek için şarkı söyleyebilmek gerekir. sanat ve sesi koruyun.Okul ne veriyor?Bir müzik aleti yaratır, gırtlak, solunum sistemi ve rezonatörleri estetik ve akustik yasalara uygun bir müzik sesi üretebilen uyumlu bir bütün haline dönüştürür.Akustik yasalar geçerli değildir. çeşitli okullarla ilgileniyorlar çünkü sesin yalnızca fiziksel doğasını biliyorlar. Okul yalnızca eksiklikleri ve kusurları düzeltir, boşlukları doldurur. Ancak yöntemler değişir ve ne yazık ki her okulun, her öğretmenin kendi yöntemi vardır."

Hipokrat (MÖ 4.-5. yüzyıl antik tıbbının kurucusu Yunan hekim) ve Platon'un (M.Ö. 4. yüzyıl Sokrates'in öğrencisi Yunan filozof) eserlerinde ses tekniğinin konu ve sorunlarına değinilmiştir. 2500 yıl önce Hipokrat, rezonans ve rezonatörlerin önemine vurgu yaparak, "Sesin kafada, yani kafatası boşluklarında doğduğunu" yazmıştı.

Şarkı söyleme sanatı, ses üretimine ilişkin talimatlar ve şarkı söyleme tekniği konusunda bize ulaşan ilk eserlerden biri, Arap Abual-Hasan'ın (takma adı - Zirab - pamukçuk) risalesi olarak kabul edilir. İnceleme 8.-9. yüzyılların başında İspanya'da yayınlandı. Orta Çağ'da (13. yüzyıl), Gerolamo di Moravia'nın şarkı söyleme üzerine bir incelemesi biliniyordu.

16., 17. ve 18. yüzyılların vokal pedagojik eserlerinin en ünlü yazarları L. Zacconi, G. Caccini, P. F. Tosi, G. Mancini'dir. Yüzyıllar boyunca, insan ses aygıtı ve yetenekleri üzerine yapılan çalışmalar, okulların, yöntemlerin ve performans ilkelerinin geliştirilmesi devam etti, ancak tüm çalışmalar doğası gereği tanımlayıcıydı, yazarları ses tekniğinin ve ilkelerinin geliştirilmesi üzerinde ayrıntılı olarak durdu. performans.

1855 yılında İspanyol öğretmeni M. Garcia tarafından laringoskopun (saplı bir ayna) icat edilmesinden ve şarkı söylerken solunum hareketlerinin incelenmesinden (19. yüzyılın 40'ları Didey ve Petrequin tarafından) sonra, metodolojik yönergeler ve öğretim teknikleri gelişmeye başladı. bilimsel gerekçe elde edin. Profesyonel vokal sanatı antik dünyada biliniyordu; bu, 8.-4. Yüzyılların Yunanistan'ından gelen edebi kanıtlarla kanıtlanmaktadır: Homer, Sappho, Aeschylus, Sophocles.

Aed'ler eserlerini yaylı bir çalgı eşliğinde besteledi ve seslendirdi. Antik Yunan'ın şarkıcı-bestecilerinin birçok ismi bize ulaştı, özellikle Terpandra'nın adı, şarkıcılar Stekhizor, Xenocritus, Cleomenes, şarkıcı Locris'li Nissa ve diğerleri. Aed'lerin yerini tecavüzcüler aldı, bunlar, müzik eşliğinde olmadan, tatillerde ve bayramlarda kayıtlardan öğrenilen metinlerden alıntılar yapan, yani bestelemeyen, esas olarak ünlü şiirlerin parçalarını birleştiren ve icra eden Yunan okuyuculardı. Homer tarafından. Eski Doğu ülkelerinde müzik çok önemli bir yer tutuyordu. En eski profesyonel şarkı söyleme sanatının Çin'den (Doğu ülkelerinden) kaynaklandığına inanılıyor.

MÖ 6. yüzyılda. derlemesi Konfüçyüs'e atfedilen “Şarkılar Kitabı” - “Shijing” anlamına gelir. Konfüçyüsçülüğe göre müzik, büyük Kozmos'u bünyesinde barındıran bir mikrokozmosturdu ve şarkı, Çin müziğinde çok önemli bir rol oynadı. Konfüçyüs, güzel müziğin gerçek hükümete katkıda bulunduğunu ve bu nedenle kesin olarak tanımlanmış bir yapıya sahip olduğunu savundu. Han döneminde (M.Ö. 2. yüzyıl), imparatorun sarayında, Çin'in çeşitli bölgelerinden gelen şarkıcı ve dansçılardan oluşan bir grup (800 kişiye kadar) ile özel bir Yuefu müzik odası oluşturuldu. Yuefu figürleri halk şarkılarının toplanması ve işlenmesiyle meşguldü. 714 yılında Çin'de müzik, şarkı söyleme ve dans öğreten 5 özel eğitim kurumu açıldı.

Şairler Du Fu, Li Bo, Bo Ju, şiirlerinden yola çıkarak şarkılar yazdılar.

10. yüzyılda en büyük müzikal ve teorik inceleme olan “Müzik Üzerine Kayıtlar” ortaya çıktı. 13. ve 14. yüzyıllarda tiyatro ortaya çıkıp gelişti; müzik ve şarkı söyleme baskın bir yer tutuyordu.

Hindistan'ın müziği en eski eşsiz kültürdür. Eski Hint edebi anıtları, müzisyenlerin büyük saygı gördüğü topluluk yaşamında müziğin ayrılmaz bir parçası olduğuna dair çok sayıda kanıtı korumuştur. Her kabilenin, görevleri dini ve büyüsel ayinler sırasında ilahiler söylemek olan kendi şarkıcıları vardı. Ritüel ilahiler, Hindistan'ın en eski yazılı anıtlarından biri olan (MÖ 2. binyıl) Rigveda'da yansıtılmaktadır.

Tiyatro, müzik ve dans üzerine yapılan inceleme "Natyashastra" (MS 1. yüzyıl), Kızılderililerin yaratılışından çok önce oldukça gelişmiş, son derece benzersiz ve orijinal bir müzik sistemine sahip olduklarına inanmak için neden veriyor.

Hintli şarkıcıların ve enstrümantalistlerin sanatı, halk ve klasik Hint tiyatrosunda organik olarak birleşti. 4. yüzyıldan 7. yüzyıla kadar Sanskrit tiyatrosunun en parlak döneminde, Hint klasik müziği büyük bir gelişme kaydetti. Hint müzik sisteminin uzun tarihsel gelişim sürecinde yaşadığı değişimler onun temel teorik ilkelerini etkilememiştir. Eski müzik kuralları birçok nesil Hintli müzisyen için sarsılmaz kaldı ve modern Hint teorisyenleri ve müzisyenleri tarafından miras alındı. 20. yüzyılın başında, Orta Çağ'da kaybolan söz birliği ve müzikal ifade geleneğini Hint profesyonel müziğine geri döndüren R. Tagore, ilk olarak müzikalin sentezlenmesi fikrini ortaya attı. Hindistan müzik sanatının gelişiminde yeni bir aşamanın başlangıcı olan Doğu ve Batı kültürü.

Avrupa vokal sanatı esas olarak halk ve dini şarkılar şeklinde gelişti. Vokal sanatının ilk tarihsel temsilcileri halk şarkıcılarıdır. Orta Çağ'da Batı Avrupa'da bunlar şunlardı: ozanlar - İngiltere 10. yüzyıl, ozanlar - Fransa 11. yüzyıl, madenciler - Almanya 12. yüzyıl, soytarılar - Rusya 11. yüzyıl, bandura çalgıcılar, kobzarlar - Ukrayna, Polonya 15. yüzyıl, guslarlar - Rusya 16. yüzyıl lir çalanlar - Belarus, Moldova, Litvanya, Ukrayna 17. yüzyıl; Kafkasya, Ermenistan, Azerbaycan'da - kazlar 5. yüzyıl ve sugs 10. yüzyıl; Orta Asya'da, Kırgızistan, Kazakistan - 19. yüzyılın akynleri.

Halk şarkıcıları çoğu zaman şarkıların da yaratıcısıydı. Sanat kuşaktan kuşağa sözlü gelenekle aktarıldı. Hıristiyanlığın ortaya çıkışıyla birlikte şarkı söylemek kilise ibadetine girmiş ve bu haliyle tüm dünyaya yayılmıştır. 10-12. yüzyıllara kadar tek sesli, sonra çok sesliydi.

Eski şarkıcılar, orta ses düzeninin sesini kullanan ve basit müzik enstrümanlarının akorlarının eşlik ettiği basit tek sesli şarkılarını icra etmek için özel teknik yöntemlere ihtiyaç duymuyorlardı. Akustik etkilerden çok duyguların ifadesini aradılar.

Dolayısıyla insan sesinin yüksek ve ultra yüksek tonu, sesin, kelimenin, fikrin yavaş yavaş bir araya getirildiği ve doğrudan bir izlenim yaratacak şekilde uyarlandığı modern zamanların bir keşfidir.

Şarkı söyleme okulları, insan sesinin, genellikle doğal olmayan ve şaşırtıcı olan çok çeşitli tessituralarla müzik eserlerinin icrası için gerekli olan iki oktava hakim olabilmesi için ortaya çıkar.

Şarkı söyleme sanatı Antik Roma'da da geliştirildi. MS 5. yüzyılda orada olduğu biliniyor. Papa Illaria döneminde Avrupa'nın ilk şarkı söyleme okulu açıldı.

Ayrıca 8. yüzyılda Metz ve Soissons'da özel kilise şarkı okullarının olduğu ve burada ilk öğretmenlerin Papa Birinci Adrian tarafından Şarlman'a gönderilen Romalı şarkıcılar Peter ve Roman olduğu ve ayrıca Saint-Gal ve Manastırları (İsviçre'de) ve 9. ve 10. yüzyıllarda Dijon, Toul, Cambrai, Chartres ve Nevers'i (Fransa'da) turlar.

“Okul” şarkılarını “halk” ile karıştırmamak gerekir; bunlar daha sonra birbirleri üzerinde önemli bir etkiye sahip olan iki farklı hareketi temsil ediyorlardı. Halk şarkıları, uçuşun sürprizini, sesin parlaklığını ve varyasyonların cesurluğunu okula getirdi.

Rönesans döneminde laik müzik kültürü gelişti, yeni, daha karmaşık vokal ve vokal-enstrümantal müzik türleri ortaya çıktı, bu da şarkı söyleme sanatının hızlı büyümesine ve daha da gelişmesine yol açtı.

Gerçek ve gerçek bir şarkı söyleme okulu olan vokal sanatının son oluşumu ancak operanın ortaya çıkışıyla başladı. 1599'da Floransa'daki Palazzo Kore'de, Jacopo Peri'nin Rinuccini'nin bir librettosuna dayanan Daphne performansı, oratoryo ve maskeli balo karışımı olan operanın ve onunla birlikte iyi seslerin yetiştirilmesinin başlangıcına işaret ediyordu.

Öğretim, bizzat besteciler ve aynı zamanda ünlü şarkıcılar tarafından, öğrencilerine nefes alma teknikleri, ses dağıtımı, sesin gücünü geliştirme ve sıkı düşünülmüş bir felsefeye uygun olarak öğreterek, etten kemikten gerçek müzik enstrümanları yapmaya çalışarak gerçekleştirildi. sistem. Daha sonra 1600 yılında Floransa hükümdarları, Marie de' Medici'nin evliliği vesilesiyle Palazzo Pitti'de Eurydice operasını seslendirdikleri bestecinin kızları Francesca ve Settimia Caccini'nin iyi eğitimli seslerine hayran kaldılar. Henry IV, Fransa Kralı. 17. yüzyılda Batı Avrupa ülkelerinde, her biri kendi performans tarzı, ses yönetimi tarzı ve şarkı sesinin doğası ile karakterize edilen ulusal vokal okulları oluşturuldu.

Şarkıcılar-besteciler-öğretmenler ortaya çıkıyor ve aynı zamanda şarkıcılar için belirli sanatsal ve performans gereksinimleri öne süren ulusal kompozisyon okulları da ortaya çıkıyor. Şarkı söylemenin ulusal vokal tarzı, belirli bir ülke ve bölgenin icra geleneklerini, dil özelliklerini, mizacını, karakterini, tonlamasını, modal ve ritmik bileşenlerini ve halk müziğini yansıtır. Daha 17. yüzyılın başında, mükemmel bel canto (güzel şarkı söyleme) tekniği ve muhteşem sesleriyle öne çıkan İtalyan solo şarkı söyleme okulu ortaya çıktı. İtalya'nın iklimi, İtalyan dilinin vokalliği ve İtalyan melodilerinin sese olan kolaylığı, vokal aparatının şarkı söyleme yeteneklerinden maksimum düzeyde faydalanılmasını mümkün kıldı.

İtalyan ekolü, klasik ses tonu için bir standart geliştirdi; bu, diğer ulusal vokal okullarının oluşumunu ve gelişimini etkiledi.

O dönemin en önemli müzisyenleri: J. Peri, G. Caccini, C. Monteverdi, A. Scarlatti. Opera ilk başta saray çevrelerinin bir ayrıcalığıydı, ancak 1637'de ilk ücretli tiyatro Venedik'te açıldı ve operayı halkın erişimine sundu.

18. ve 19. yüzyılların başında İtalyan şarkı söylemesi, koloratürlerin bolluğuyla karakterize ediliyordu. Koloratura performans tarzı, esas olarak castrati şarkıcılarının performans sanatı, "erkek sopranolar" ve falsettoların hakimiyeti ile ilişkilidir. Kiliselerde, şapellerde, tiyatrolarda şarkı söylediler, kadın kıyafetleri giydiler, kadın rolleri yaptılar. Kadınlar halka açık tiyatro gösterilerine katılmadılar. Castrati'nin (Casanova, Rossini) parlak başarılarına dair güvenilir ifadeler var. En iyi kastratların sesleri saf, hafif, güzel ve sınırsız geliyordu; parlak şarkıcılar Patti ve Cotonya'nın sesinden bile daha düşüktü. Şarkı söylemek adına dünyevi her şeyi terk etmişler, başka alanlardan gelen sesler gibi geliyorlardı, ancak bir kadın sopranonun yaşamına ve sıcaklığına sahip değillerdi ve hadım edilmenin bir sonucu olarak ortaya çıkan fizyolojik bozukluklar, estetik açıdan olmayan korkunç bir obeziteye yol açıyordu. hoş.

Şarkıcılar, teknik vokal yeteneklerine göre aryalarda çeşitli vokal ve teknik süslemeler oluşturmaya başladılar. Şarkı söylemek “vokal tekniği turnuvalarına” dönüşmeye başladı, düşünce ve sözler müzikten kaybolmaya başladı ve yerini dinleyici üzerinde büyük bir etki bırakan saf ses güzelliklerine bıraktı. "Şiir dekoratif şarkılarda boğuldu." Rossini "vokal holiganlığına" son verdi. Parti için zorunlu ritimler yazmaya başladı ve bunların tam olarak uygulanmasını talep etti. 19. yüzyılın sonuna gelindiğinde doğal denge kurulmuş ve opera yaratıcılığı ortaya çıkmıştır.

G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti ve daha sonra G. Verdi, İtalyan vokal okuluna sesin cantilena sesinin geliştirilmesine, aralığın genişletilmesine ve dinamik avantajlarının arttırılmasına öncülük etti. Görüntülerin özelliklerine göre vokal kısımları daha bireysel hale getirildi.

Daha sonra G. Puccini, R. Leoncovallo, P. Mascagni, U. Giordano'nun çalışmaları, İtalyan şarkıcıların modern sanatını karakterize eden, şarkı söylemenin duygusal olarak ağırlaşmasına, arioso-ünlem ilkesinin yoğunlaşmasına yol açtı. En ünlü
İtalyan şarkıcılar:

G. Makarna, A. Catalani, A. Bosio, G. Rubini, L. Lablache, A. Patti, A. Masini, M. Battistini, E. Caruso, T. Ruffo, A. Galli-Curci, G. Lauri- Volpi, G. Simionato, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano, R. Scotto, M. Freni, F. Cossotto, P. Cappuccili. J. B. Luly liderliğindeki Fransız okulu, İtalyan bel canto okuluna isyan etti. Bu okulun özelliği, 16. yüzyıl Fransız klasik trajedisinin şairlerinin ve aktörlerinin ilahilerle okunmasından kaynaklanan yüksek sesli üslupla belirlendi. Şarkının milli karakteri de bu okula yansıyor. Bu tarz, J.B. Luly, Rameau, K.V. Gluck, A. Grétry ve ardından J. Meyerbeer'in eserlerinin etkisi altında oluşmuştur. C. Gounod, C. Saint-Saens, J. Masne, J. Bizet. Okulun en önemli temsilcileri şarkıcılardı: A. Nourri, J. Dupre, D. Artaud, M. Malibran, P. Viardot, J. Devoyo.

İlginç bir gerçek, Fransız toplumunun İtalyan ve Fransız şarkı söyleme okullarını destekleyen 2 kampa bölünmesidir. Kralın, kraliçenin, tüm sarayın, Rousseau ve Voltaire'in görüşleri bölünmüştü. Toplumun bu “bölünmesi” tarihte “şakacıların savaşları” adı altında kaldı. Romain Rolland, 18. ve 19. yüzyıl Fransız vokal okulunu mükemmel oyunculuk ve okuma okulu olarak nitelendiriyor. Paris Konservatuarı'nın “müzik ve bildiri” konservatuarı adını alması tesadüf değildir.

Alman-Avusturya okulu, duygu ve düşüncenin hak ettiği yeri alması için İtalyan bel canto'sunu Fransız okulunun aşırı "dışavurumculuğu" ile birleştirmeye çalıştı. J. S. Bach ve G. F. Handel'in çalışmaları böyle ortaya çıktı. W.A. Mozart tüm ana çağdaş okulların başarılarını sentezledi.

Alman besteciler L. Beethoven, K. M. Weber, F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, J. Brahms, H. Wolf'un müziği Alman ulusal şarkı yazımıyla çok bağlantılıdır, gerçekten ulusaldır; o zaman: oda şarkısı, oda şarkıcısı. R. Wagner'in çalışmaları Alman müziğinde öne çıkıyor. Yüce bir sesle özel bir şarkı söyleme tarzını, tınının gücünü, sesin zenginliğini (çoğunlukla aşırı, hatta insan sesi için yıkıcı) ve uzun cümlelerin giderek artan bir sesle icra edilmesini hayata geçirdi. Wagner'in vokalistlerinin sesleri, enstrümanlardan biri gibi orkestranın sesine dokunmuştu. Operalar devasa tuvallerdir. Bazıları arka arkaya 5 akşam sahnelendi ("Ring of the Nibelungs", "Das Rheingold"). Sonraki nesil Alman şarkıcıların performans tarzı, R. Strauss, A. Schoenberg, A. Berg, P. Hindemith, K. Orff ve diğerlerinin opera eserlerinden etkilendi.

En ünlü şarkıcılar: G. Sontag, W. Schröder-Devrient, L. Lehmann, J. Stockhausen, E. Schwarzkopf, L. Fischer-Dieskau, T. Adam. Diğer ülkelerin kendi ulusal vokal okulları, kendi harika şarkıcıları ve öğretmenleri vardır, ancak lider yer her zaman İtalyan okulu ve şarkıcıları tarafından işgal edilmiştir.

19. ve 20. yüzyıllarda dünya vokallerinin tarihi şunları içeriyordu: E. Lind - İsveç; K. Novello - Büyük Britanya; E. Reschke, A. Didur, E. Bandrowska-Turska - Polonya; H. Darkle - Romanya; E. Destinova -Çekoslovakya. 20. yüzyılın ortalarına gelindiğinde, vokal sanatı tüm Avrupa ülkeleri, ABD, Kanada, Güney Amerika'nın yanı sıra Japonya, Kore ve diğer ülkelerde de yaygın olarak gelişiyordu.

Rusya'da 18. yüzyılın başlarına kadar vokal sanatı yalnızca halk ve kilise şarkıları şeklinde mevcuttu. Hıristiyanlığın kuruluşundan bu yana şarkıcıların eğitimi manastırlarda ve ardından cemaat kilisesi okullarında gerçekleştirildi. 10.-11. yüzyıllarda yerli şarkı söyleme kültürünün varlığını doğrulayan tarihi veriler var. Örneğin Kiev prensi Vladimir Svyatoslavovich'in (978-1015) yönetiminde profesyonel şarkıcıların olduğu biliniyor.

Rusya'da müzikal tiyatro düzenleme girişimleri 17. yüzyılın ortalarına kadar uzanıyor; daha sonra Büyük Petro'nun yönetiminde, Kunst liderliğindeki yedi oyuncudan oluşan bir topluluk müzik performansları vermeye davet edildi. 1735 yılında, Rusya topraklarında sağlam kökler salan bir İtalyan opera topluluğu kalıcı çalışma için Rusya'ya davet edildi.

Rus opera sanatçısı benzersiz bir fenomen olarak ortaya çıktı. Bazı tarihçilerin Rus şarkıcıların şarkı söylemesini yalnızca İtalyan ses kültürünün etkisinin bir sonucu olarak değerlendirmeye çalıştıklarında tutarsızlık açıktır. Aslında Rus şarkıcıların icra tarzının özgünlüğü, Rus insanına özgü duygu derinliği ve son olarak Rus dilinin fonetik özellikleri, ulusal Rus vokal okulunun kendi yolunu izlemesini mümkün kıldı. Elbette İtalyan şarkı söyleme okulunun Rus şarkıcılar üzerindeki etkisi şüphesiz vardı ve uzun süredir hissedildi. İlk Rus şarkı söyleme öğretmenlerinden biri, İtalya'da şarkı söyleme eğitimi alan Kostroma eyaletinden bir serf olan I. A. Rupin'di. Besteci Mahkeme Korosunda ders verdi

D. Bortnyansky.

Rus şarkı söyleme okulunun temellerini atan Rus şarkıcıların ve şarkıcıların sanatsal faaliyetleri bu döneme (18. yüzyıla) kadar uzanmaktadır: A. Mikhailova, E. Uranova-Sandunova, N. Semenova, A. Krutitsky, N. Vorobyov, P. Zlov, V. Samoilov, N. Lavrov ve diğerleri. Rus vokal sanatı tarihinde Rus "kentsel" romantizminin muazzam rolünün yanı sıra bestecilerin, şarkıcıların ve öğretmenlerin A. Varlamov ve P. Bulakhov'un faaliyetlerini de not etmemek imkansızdır.

Rus operasının bağımsız bir müzik türü olarak ortaya çıkışı, M. Glinka'nın adıyla ilişkilidir ve benzersiz bir "eşmerkezli ses gelişimi" okulunun yaratıcısı olan Glinka'nın bir icracı ve vokal öğretmeni olarak rolü daha az önemli değildi.

Glinka'nın öğrencileri: O. A. Petrov, A. Ya. Vorobyova-Petrova, D. M. Leonova, A. P. Lodiy, S. S. Gulak-Artemovsky.

Daha sonra, Rus vokal okulunun gelişimi ve performans ilkeleri, A. S. Dargomyzhsky, A. M. Serov, M. A. Balakirev, P. A. Cui, N. A. Rimsky -Korsakov, M.P. Mussorgsky, P.I. Tchaikovsky'nin yaratıcılığının yanı sıra eleştirel ve pedagojik faaliyetlerinden de etkilendi. . Rus vokal okulunun karakteristik özellikleri, dramatik oyunculukta ustalık, performansın basitliği ve samimiyeti, mükemmel vokal tekniği ile ses becerisini duygusal olarak yüklü canlı sözlerle birleştirme yeteneğidir.

Rusya'nın seçkin şarkıcıları: F. I. Shalyapin, I. V. Ershov, A. V. Nezhdanova, L. V. Sobinov, G. S. Pirogov, K. G. Derzhinskaya, V. V. Barsova, N. A. Obukhova, E. K. Katulskaya, S. P. Preobrazhenskaya, E. A. Stepanova, S. Ya. Lemeshev, I. S. Kozlovsky, G. M. Nele sayfa, A. S. Pirogov, M.P. Maksakova. Farklı vokal okullarının ayrıntılı sunumuyla ilgilenen okuyucular için I. K. Nazarenko'nun "Şarkı Söyleme Sanatı" adlı eserini önerebilirim.

19. yüzyılın harika bir şarkıcısı ve öğretmeni. S.P. Yudin şunları söyledi: “Öğrenci, kişisel ısrarlı ve sürekli gösterdiği çabaları olmadan, şarkıcı olma arzusunu asla yerine getiremeyeceğini açıkça anlamalıdır. Bu görev birçok insanın düşündüğü kadar kolay değildir. Şarkıcı olmak için tüm verilere sahip olmak her şey değildir! Öncelikle şarkı söyleme sanatını sevmek, gerçekten, coşkuyla sevmek ve ikincisi, çalışmanın bir yük değil, onsuz hayatın olamayacağı bir zevk olduğuna inanarak sürekli çalışabilmek gerekir. ilginç.

Kendini kontrol etmeye yönelik sorular:

Edebiyat:

VOKAL MÜZİK. VOKAL MÜZİK TÜRLERİ.

Vokal müzik- müzik ve edebiyatın bir sentezidir (ilişkisidir). Vokal müzik ses ile icra edilir. Bu sanatın en eski biçimidir.

Vokal müzik türleri:(temel)

ü Şarkı

ü Romantik

ü Kantat

ü Oratoryo

ü Opera.

ŞARKI müziğin kaynağıdır, zirvesidir. Şarkı - kelimelerin, sesin, ritmin, tonlamanın ayrılmaz bir bağlantısı. Sözsüz şarkının adı - seslendirme Seslendir – Latince'den (vocalis) - ses çıkarmak, şarkı söylemek.

ROMANCE, eşlikli ses için müzikal ve şiirsel bir çalışmadır ( piyano veya gitar, arp), hangisinde Hem metin hem de eşlik büyük önem taşıyor. Eşlik, içeriğin daha iyi ortaya çıkmasına yardımcı olur. İÇİNDE Romantizm çok incelikli ve derinden kişisel deneyimleri açığa çıkarıyor. Romantik– İspanyolca (romantizm) kelimesinden – Romanesk. Ortaçağ İspanya'sında bu kelime, Latince söylenen kilise şarkılarının aksine, Roma dilinde, yani İspanyolca'da seküler bir şarkı anlamına geliyordu.

KANTATA –İtalyanca kelimeden (cantare) - şarkı söylemek. Bir kantata, bir koro, solo şarkıcılar ve bir senfoni orkestrası için tasarlanmış oldukça büyük, çoğunlukla çok parçalı bir eserdir. Kantat, 16. yüzyılın sonunda İtalya'da doğdu. Tüm insanlar için çok önemli olan düşünce ve duyguları aktarır.

ORATORY – itibaren Latince kelime (oratoria) - belagat. Oratoryo, solo şarkıcılar, koro ve senfoni orkestrası için çok hareketli büyük bir müzik eseridir. Oratoryo türü 16. yüzyılın sonunda Roma'da ortaya çıktı. Oratoryo, dini bir tema üzerine bir hikayenin ortaya çıktığı müzikal bir performanstır.

18. yüzyılda din dışı ama laik içerikli bir oratoryo ortaya çıktı.

OPERA-İtalyanca kelimeden (opera) - kompozisyon, çalışma. Opera, tüm karakterlerin şarkı söylediği dramatik bir müzik parçasıdır. Opera solo numaraları vardır: aria, arietta, arioso.

Arya –(İtalyanca'dan - şarkı, nefes alma, nefes almayı kontrol etme.) - solo müzikal numarası.

Arietta –küçük arya.

Arioso – arya gibi – operadaki solo müzikal numarası.

Opera topluluğu (birlikte anlamına gelir), opera resitatifi operada büyük rol oynar.

(karakterler operatik bir ilahiyle konuşurlar), koro.

Librett yazarı- Bir operanın metnini manzum veya düzyazı olarak yazan kimse. Libretto –İtalyanca kelimeden (libretto) - küçük kitap. Libretto- sahnelenmesi amaçlanan bir oyun. Libretto – Bu, ana kaynağı edebi veya dramatik bir eser, tarihi bir olay veya bir halk efsanesi olan bir müzik ve sahne kompozisyonunun tam metnidir.

SENFONİK MÜZİK. SENFONİ MÜZİĞİ TÜRLERİ.

Senfonik müzik – neredeyse üç yüzyıldır varlığını sürdürüyor. Bestecilerin şu ya da bu şekilde içeriğini dinleyicilere açıkladığı müzik eserleri.

Senfonik müzik türleri:

ü Senfoni

ü Süit

ü Uvertür

ü Senfonik fanteziler

ü Senfonik şiirler

ü Senfonik resimler

ü Konser.

SENFONİ – Yunanca kelimeden (senfoni) - uyum, seslerin, tınıların, seslerin güzel bir kombinasyonu. – klasik.

İlk kısım- hızlı, aktif, bazen yavaş bir girişle. Sonat şeklinde yazılmıştır.

İkinci kısım– yavaş – genellikle düşünceli, hüzünlü (huzurlu doğa resimlerine adanmış).

Üçüncü bölüm- bir menüet ve daha sonra Beethoven'da - bir scherzo.

Dördüncü bölüm– final, tüm döngünün sonucu.

Hem az hem de çok parçalı senfoniler var. Bağımsız bir müzik türü olarak senfoni, 18. yüzyılın sonlarında - 19. yüzyılın başlarında ortaya çıktı. Bazen senfonide bir koro ve solo şarkıcılar kullanılır. Yaylı çalgılar orkestrası, bando ve halk çalgıları orkestrası için senfoniler bulunmaktadır.

SÜİT – itibaren Fransızca kelime (süit) - dizi. Süit - bir müzik parçası ( orkestral, enstrümantal veya vokal-koro) doğası ve içeriği bakımından birbirine zıt birkaç bölümden oluşur.

Başlangıçta süitte dört farklı dans vardı. Bazen süitte dans dışı parçalar (prelüdler, arya, kapris ve rondo) ortaya çıkıyordu. Daha sonra tiyatro gösterileri ve filmler için müzik süitleri ortaya çıktı.

UVERTÜR – Fransızca kelimeden (uvertür) - açılış, başlangıç. Uvertür – operada perde kapalı olarak oynanır ve seyirciye önümüzde nasıl bir performansın ortaya çıkacağını genel hatlarıyla anlatır: hafif duygularla veya ciddi duygularla, fırtınalı veya oldukça sakin. Uvertür sadece operada bulunmaz. Uvertürden bir operet, genellikle dramatik bir oyun veya bir film başlar.

SYMPHONY FANTASY - bir tür senfonik müzik. Senfonik fantezi, genellikle programdaki fantastik unsurların varlığıyla daha fazla inşaat özgürlüğü ile ayırt edilir.

SENFONİ ŞİİRİ içeriği şiirle yakından ilgili olan programlı bir müzik eseridir.

SENFONİ RESİM Rus müziğinde yaygın bir türdür. Programlaması olay örgüsüyle ilgili değildir, ancak bir manzara, portre, tür veya savaş sahnesi çizer.

KONSER – itibaren Yarışmak anlamına gelen Latince kelime (concerta). Konser, bir senfoni orkestrası ve solo bir enstrüman için yapılan bir müzik parçasıdır. Enstrümantal konserler genellikle üç bölümden oluşur .

İlk kısım - hızlı, fırtınalı olaylarla.

İkinci kısım - yavaş, derin duygularla .

Üçüncü bölüm - yine hızlı, şenlikli.

Ayrıca orada konserler daha fazla sayıda parçadan tek parça da olabilirler . Ses ve orkestra konserleri de var.

ODA MÜZİĞİ.

ODA MÜZİĞİ - Latince kelimeden (kamera) - oda. Oda müziği - Az sayıda dinleyici ve icracıya yönelik müzik eserleri. Oda müziği şunları içerir:

ü solo enstrümantal parçalar,

ü düetler,

ü üçlü,

ü dörtlüler,

ü şarkılar,

ü romantikler.

Solo enstrümantal parçalar - bir enstrüman için müzik eserleri

Düet, iki sanatçının seslendirdiği bir müzik parçasıdır. Hem vokal hem de enstrümantal olabilir. Oda müziği enstrümantal düetler içerir.

Trio - üç icracı için müzik eserleri. Besteciler çoğu zaman keman, çello ve piyano için triolar yazarlar. Diğer enstrümanlar için de triolar var: klarnet, fagot ve piyano.

Dörtlü, dört müzisyenin seslendirdiği bir müzik eseridir. En yaygın olanları yaylı çalgılar dörtlüleridir (iki keman, viyola ve çello). Diğer enstrümanlar için dörtlüler çok daha az yaygındır

(keman, viyola, çello, piyano).

Dörtlü No. 2, A. Borodin –İş bir yazılımdır, yani bir programa dayanmaktadır:

1. bölüm - başlık yok, ancak tempo tanımı var.

2. hareket – scherzo (şaka).

3. bölüm bir noktürndür (müziği gecenin görüntülerini yaratan bir eser).

Bölüm 4 – final.

MÜZİK TERİMLERİ

ü POLİFONİ

ü homofoni

ü RONDO

ü BALAT

ü SERENAT

ü SENFONİ

ü CANLI ÇALINAN BÖLÜM

ü SONAT

ü SÜİT

ü GECE

ü RAPSODİ

ü REQUIEM

ü CAPRCCIO

ü BAŞLANGIÇ

ü AĞIT

ü ETÜT

ü FUGA

ü KORO

AŞAĞIDAKİ TERİMLERİN TANIMLARI:

HOMOFONİ, bir sesin ana ses (melodi) olduğu ve diğer tüm seslerin ona bağlı olduğu (eşlik) bir polifoni türüdür. Homofoni (Yunanca kelimesindenhomolar - pürüzsüz,telefon – ses).

RONDO - Ana temanın bölümlerle değiştiği müzik biçimi. Bölümler birbiriyle tezat oluşturuyor (içerik olarak farklı). Ana tema en az üç kez tekrarlanır. Rondo - (Fransızca kelimeden Roundeau – daire). Birçok enstrümantal eser rondo biçiminde yazılmıştır.

BALLAD bir hikayedir. Ancak hikaye basit değil. İçinde mutlaka fantastik unsurlar olmalı. Dışa doğru sakin bir formun arkasında her zaman büyük bir iç dram gizlidir. Modern müzikte ballad, anlatı-dramatik ve kahramanlık türü olarak yorumlanır. Ballad – (İtalyanca kelimeden)ballare - dans etmek).

SERENADE - akşam veya gece bir kişinin evinin önünde saygı veya sevgi işareti olarak çalınan bir müzik parçası (sevgili onuruna bir şarkı) Serenat - (İtalyanca ifadeden) alaçık hava anlamına gelen sereno).

SENFONİ - Yunanca kelimeden (senfoni) – ünsüzlük, seslerin güzel bir kombinasyonu, tınılar, sesler. Senfoni, bir senfoni orkestrası için hazırlanmış bir müzik parçasıdır. Dört bölümden oluşan senfoni – klasik.

İlk kısım - hızlı, aktif, bazen yavaş bir girişle. O'nda yazılı sonat formu.

İkinci kısım – yavaş - genellikle düşünceli, hüzünlü (huzurlu doğa resimlerine adanmış).

Üçüncü bölüm - bir menüet ve daha sonra Beethoven'da - bir scherzo.

Dördüncü bölüm – final, tüm döngünün sonucu.

Hem az hem de çok parçalı senfoniler var. Bağımsız bir müzik türü olarak senfoni sonunda ortaya çıktı XVIII - başlangıç XIX yüzyıl. Bazen senfonide bir koro ve solo şarkıcılar kullanılır. Yaylı çalgılar orkestrası, bando ve halk çalgıları orkestrası için senfoniler bulunmaktadır.

SCHERZO - hızlı bir tempoya ve eğlenceli bir melodiye sahip müzik eserleri. Sondan XVIII yüzyıl Scherzo, bir senfoni veya sonatın bileşen unsurudur. Bu türde yazılan eserlerin hacmi oldukça büyüktür. Bazıları neşeli ve neşeli, bazıları ise dram dolu. Scherzo - (İtalyanca kelimeden scherzo - şaka)

SONATA, senfoniye benzer, çeşitli bölümlerden oluşan bir müzik eseridir. Aradaki fark, senfoninin bir senfoni orkestrası için olması ve sonatın bir veya iki enstrüman için bir eser olmasıdır. Sonata - (İtalyanca'dan çevrilmiştir - ses).

SUITE, karakter ve içerik bakımından zıt birkaç bölümden oluşan bir müzik eseridir (orkestral, enstrümantal veya vokal-koro). Süit (Fransızca kelimeden takım elbise – sıra).

NOKTURNE – ortaya çıktıXVIII yüzyıl Geceleri açık havada oynanması amaçlanan oyunlara verilen addır. İÇİNDEXIX yüzyıl Tamamen farklı bir gece ortaya çıktı: görüntülerden ilham alan rüya gibi, melodik bir piyano parçası

gece, gece sessizliği. Nocturne, sakin gece doğasının bir resmini ortaya koyuyor.

Nocturne – (Fransızca kelimeden)gece - gece).

RHAPSODY, sanki bir rhapsodun performansını yeniden yaratıyormuş gibi serbest biçimli bir müzik çalışmasıdır. Bu tür, halk şarkısı temalarının ve destansı bir karakterin kullanılmasıyla karakterize edilir. Rapsodiyi bağımsız bir türe dönüştüren ilk kişilerden biri Macar piyanist ve besteci Franz Liszt'ti. Türün adı “rhapsode” kelimesinden gelmektedir. Antik Yunan'da halk şarkıcılarına böyle deniyordu.

CAPRICCIO - bu isim kapris, kapris anlamına gelen “caprice” kelimesinden gelir. Bu tür müzikte de bulundu XVII- XVIII yüzyıllar O zamanlar beklenmedik müzikal sürprizler içeren enstrümantal bir eserdi. Rimsky-Korsakov'un "İspanyol Capriccio'su" ve Çaykovski'nin "İtalyan Capriccio'su" dünya çapında ün kazandı. Her iki eser de otantik İspanyol ve İtalyan melodilerinin temalarına dayanmaktadır.

REQUIEM, ölülerin anısına yazılmış büyük bir vokal veya vokal-enstrümantal eserdir. Başlangıçta bir Katolik cenaze töreni. Sonra - kahramanların anısına adanmış kantatlar veya oratoryolar gibi bir çalışma. Requiem – (Latince kelimeden Reguiem - barış)

PRELUDE, tek bir ruh hali olan küçük bir çalışmadır. Hafif düşünceli şarkı sözlerinden yüksek trajik pathoslara kadar tek bir duygusal ve etkileyici imajı ortaya koyuyor.

ELEGY – Yunancada “ağıt şarkısı” anlamına gelir. Enstrümantal ağıt, ölçülü bir tempoda yazılmış, düşünceli ve hüzünlü, bazen de kederli bir melodiyle yazılmış kısa bir eserdir.

ETUDE müzisyenin tekniğini geliştiren bir müzik eseridir. Çalışmaların her biri oyunun bazı teknik tekniklerine hakim olmak için tasarlanmıştır. Tüm müzik enstrümanları için etütler mevcuttur. Etude – (Fransızca kelimeden) etüt - çalışma).

FUGA, özel ve katı yasalara göre oluşturulmuş çok sesli bir eserdir. Tek bir müzikal temaya dayanmaktadır - parlak ve akılda kalıcı. Tema sürekli olarak farklı seslerde geliyor. Füg - (Latince kelimeden fuga – koşuyor)

KORO - koro kilise ilahisi. Katolik Kilisesi'nde koraller çok sesliydi ve genellikle dört parçalıydı. Koronun melodileri yüce karakterleriyle öne çıkıyor. Chorale - (Yunanca kelimeden koro - koro)

DANS. DANSLARIN İSİMLERİ VE ÖZELLİKLERİ.

ü BOLERO

ü VALS

ü GAVOT DANSI

ü dörtnala

ü GOPAK

ü DÖRTLÜ

ü KOLO

ü KRAKOVIAK

ü LEZGİNKA

ü MAZURKA

ü MENÜET

ü MOLDAVENEASKA

ü POLONAZ

ü POLKA

ü TARANTELLA

ü TREPAK

ü HOTA

ü YUVARLAK DANS

DANSLARIN KISA ÖZELLİKLERİ:

BOLERO - İspanyol dansı (İspanyolca'dan voler - uçmak için). Dans, polonezi anımsatan bir ritimle ılımlıdır. Bir gitar ve kastanyet eşlik ediyor ama çoğu zaman şarkı da söyleniyor.

VALS – BaşlangıçtaXIX yüzyılda dans Avusturya, Çek Cumhuriyeti ve Almanya'da yapıldı. Tatil partilerinde köylüler tarafından çiftler halinde neşeyle dönen bir dans (dansın adının kökeni de buradan gelmektedir - Almanca) Walzen - yuvarlanmak). Yavaş yavaş, dansın hareketi giderek daha pürüzsüz, dairesel hale geldi ve halk danslarının tipik atlama ve ayak basma hareketleri ortadan kalktı. VALS doğdu. Sınırda XVIII ve19. yüzyılda vals hızla birçok ülkeye yayıldı.

GAVOTTE - içindeXVII – 18. yüzyıldan kalma görkemli saray dansı. Dansın adı, Fransa'nın bazı güney eyaletlerinin sakinlerinin eski takma adından gelmektedir (gavottes).

GALLOP neşeli bir atlama dansıdır. Paris balolarında boy gösterdiXIX yüzyıl.

GOPAK, partnerin kız arkadaşının hareketini tekrarladığı, doğaçlama nitelikte iki parçalı bir Ukrayna dansıdır.

KADRİLE - Fransızca tercüme eden kelimeden - dört. Bunun nedeni dansçıların bir kareye yerleştirilmiş olmasıdır. Hareketli dans. Başından beri balolarda moda olduXIX yüzyıl. Farklı uluslar arasında yaygınlaştı. Örneğin Rus kare dansı iyi bilinmektedir.

KOLO – Moldova yuvarlak dansı. Kolo ayrıca Bulgaristan, Romanya, Yugoslavya ve Polonya'da da dans ediliyor.

KRAKOWIAK - bir Polonya dansı (Krakow Voyvodalığı kökenli) - net bir iki parçalı ölçü ile ayırt edilir. İlk başta sadece erkekler dans ediyordu: çiftler halinde, biri bir şövalyeyi, diğeri onun yaverini tasvir ediyordu. Sonra Krakowlu kadınla birlikte dans etmeye başladı: o yumuşak, zarif bir şekilde, o ise keskin adımlarla.

LEZGINKA - Gürcü dansı. Hızlı ve değişken dans müziği, oğlandan güç ve el becerisi, kızdan yumuşaklık ve zarafet gerektirir. Sanki onların rekabetiymiş gibi. Lezginka - net bir ritim, iki parçalı ölçü ve enerjik hareketlerle.

MAZURKA, Polonya'nın en sevilen dansıdır (daha doğrusu Mazur, Polonya'nın bölgelerinden biri olan Mazovia'nın adından gelir). Üç vuruşluk zaman diliminde neşeli, eğlenceli, keskin vurgulu bir melodiye sahip halk mazurkası, önceden tasarlanmış figürlerin olmadığı bir çift dansıdır. İÇİNDE 19. yüzyılda mazurka en popüler balo salonu danslarından biri haline geldi.

MENUET eski bir Fransız dansıdır. Vals ortaya çıkmadan önce balo salonu dansının kralıydı. Cesur, karmaşık selamlamaların incelikli, becerikli bir tekniği: Beyler selam verir, hanımlar reverans yapar. Herkes yavaş ve küçük adımlarla sakin bir şekilde hareket ederek güzel bir figür çiziyor S. Küçük adımı nedeniyle kendisine MENUET lakabı takıldı.

MOLDAVENYASKA - eğlenceli bir Moldova dansı.

Polonez en eski danstır. Eski günlerde buna “büyük” veya “ayak” dansı deniyordu. Şu anki adı Fransızca olup, “Lehçe” olarak çevrilmektedir. 16. yüzyılda saray alayı dansı olarak biliniyordu. İlk başta sadece erkekler dans ediyordu. Polonez kort toplarını açtı. Saray mensubunun yanı sıra, daha sakin ve pürüzsüz bir köylü polonezi de vardı.

POLKA - Çek dansı. Adı kelimeden geliyor pulka - yarısı, çünkü küçük adımlarla dans ettiler. Bu, iki parça halinde, çiftler halinde bir daire şeklinde dans edilen, canlı, rahat bir danstır. Polka en sevilen Çek halk danslarından biridir.

TARANTELLA bir İtalyan ulusal dansıdır (İtalya'nın güney şehri Taranto'nun onuruna). Gitar ve kastanyet eşliğinde gerçekleştirilen hızlı tempolu, neşeli dans, huysuz güneylilerin karakterini açıkça ifade ediyor. Tarantella'nın neşeli ritmi, farklı ülkelerden birçok bestecinin ilgisini çekti.

TREPAK - Rus halk dansı. Neşeli karakterli, hızlı tempolu, iki vuruşlu ölçülü. Dansa geniş bir kapsam, cüretkar ve gösterişli bir coşku hakimdir. Bu dansı yapan erkekler hız ve el becerisi açısından birbirleriyle yarışıyor gibi görünüyor.

JOTA, İspanya'nın çok renkli bir dansıdır. Jota, kastanyetlerin tıklamasıyla vurgulanan hızlı tempo, üç vuruşlu ölçüm ve keskin ritim ile karakterize edilir. Bu, gitar veya mandolin eşliğinde yapılan bir çift dansıdır.

Yuvarlak dans, genellikle şarkı eşliğinde gerçekleştirilen, akıcı bir Rus dansıdır.

CZARDAS bir Macar dansıdır (adı kelimesinden gelir)csarda - meyhane, meyhane). Çardaş başlangıçta köylü ya da saray ortamında değil, şehirde ortaya çıktı.XIX yüzyıl Bu dans iki taraflıdır ve iki bölümden oluşur - oldukça yavaş ve hızlı.

YENİ VE SON DANSLAR.

ü MAVİLER

ü FREN DANSI

ü CAZ MÜZİĞİ

ü WALS-BOSTON

ü PASO ÇİFT

ü ROCK'N'ROLL

ü RUMBA

ü SAMBA

ü TANGO

ü BÜKÜM

ü FOXTROT

ü Charleston

ü SALLAMAK

BLUES - dansın adı Amerikalı siyahların yavaş ve melankolik şarkılarından geliyor. Bu dans da öyle.

breakdance, İngilizce ismine de yansıyan (break - to break) seğirme hareketleriyle 80'lerin moda bir dansıdır.

Boogie-Woogie - caz dansı, serbest stil sporları. İlk başta balo salonu dansı için fazla cesur görünüyordu. Ancak bir zamanlar vals böyle görünüyordu.

WALTZ-BOSTON - yavaş vals. Yüzyılımızın başında balolarda ortaya çıktı. Başlıkta Amerika'nın Boston şehrinden bahsediliyor. Ancak bu dansın modası İngiltere'de kendini kanıtladı. Bu yüzden buna İngiliz valsi de denir.

PASO DOBLE - dans Latin Amerika'dan geldi. Hareketleri gururlu bir boğa güreşçisinin davranışını taklit ediyor.

ROCK-N-ROLL - İngilizce'den çevrildi sallan ve yuvarlan. Dansçıların bazen kendilerini gerçek akrobat olarak gösterdikleri bir dans. 50'li yıllardan beri popüler.

RUMBA, Küba kökenli keskin ritmik bir danstır. 30'lu yıllarda dans salonlarına girdim.

SAMBA, aslen Brezilya kökenli enerjik bir danstır.

TANGO en popüler danslardan biridirXX yüzyıl. Tarihi yüzyıllar öncesine İspanya'ya kadar uzanıyor. Ama yüzyılımızda Arjantin'den dünyaya yayıldı.

TWIST - İngilizce'den çevrilen bu kelime şu anlama gelir: büküm 60'ların dansı. Dansçılar sanki yere bir leke sürüyormuş gibi ayaklarıyla özenle çalışıyorlar.

FOXTROT ilk caz danslarından biridir. Adı tilki adımı anlamına geliyor.

CHARLESTON - 20'li yılların dansı. Adını bir Amerikan şehrinden alıyor.

SHAKE – 60'ların moda dansı.

MÜZİĞİN İFADE EDİCİ ARAÇLARI:

ü MELODİ

ü DİNAMİKLER

ü RİTİM

ü KAYIT OLMAK

ü ADIMLAMAK

ü TIMBRA

ü DELİKANLI

MELODY müzik sanatının temelidir. Melodi – “Bir müzik parçasının ruhu.” Yunanca kelime "melodi dia" şarkı söylemek anlamına gelir. Bir melodi (ilahi), perdesi ve süresi farklı olan, tek bir sesteki bir dizi sesten oluşur. Bir melodi belirli bir müzikal düşünceyi ifade eder. Tamamlanan melodinin kendisi bir halk şarkısı gibi bir sanat eseri olabilir.

DİNAMİK – Yunanca kelimeden gelir dinamicos – güç, yani sesin gücü. Müzik performansının ses seviyesini tanımlayan müzik terimlerine dinamik tonlar denir.

DİNAMİK TONLAR:

sayfa -pianissimo (pianissimo) - çok sessiz; P -piyano (piyano) – sessiz;

MP -orta katpiyano (mezzo piyano) – orta derecede sessiz, piyanodan biraz daha yüksek;

mf –orta katforte (mezzo forte) - orta derecede yüksek, mezzo piyanodan daha yüksek;

F -forte (forte) – yüksek sesle;

ff –fortissimo (fortissimo) - çok gürültülü.

Diminuendo (diminuendo) - veya simge, sesin kademeli olarak zayıfladığını gösterir.

Cresc. (kreşendo) – veya simge sesin kademeli olarak arttığını gösterir.

RİTİM – Yunanca kelimeden gelir ritmos – ölçülen akış anlamına gelir. RİTİM, çeşitli müzik sürelerinin ve vurgularının değişimi ve korelasyonudur. Ritim parlak bir ifade aracıdır. Ritim sayesinde örneğin marşı valstan, mazurkayı polkadan ayırt edebiliriz. Bu türlerin her biri, tüm eser boyunca tekrarlanan belirli ritmik figürlerle karakterize edilir.

KAYIT – ses kalitesi açısından birbirinden farklı olan aralığın farklı bölümleri. Genellikle üç kayıt vardır - alt, orta, üst. Çoğu enstrüman ve şarkı söyleyen ses için en yaygın kullanılan kayıt orta kayıttır.

TEMP – müziğin hareket etme hızı. Bu terim hız kelimesinden değil, zaman kelimesinden gelmektedir (LatinceTempus). Müzikte parçanın karakteri ve ruh hali hareketin hızına bağlıdır.

Temel müzikal tempolar:

largo (largo) – çok yavaş ve geniş çapta;

Adagio (Adagio) – yavaşça, sakince;

andante (Andante) - sakin bir adımın hızında;

alegro (allegro) - hızlı bir şekilde;

presto (presto) - çok hızlı.

Bu temel oranlara ek olarak aşağıdakiler sıklıkla bulunur:

ılımlı (moderato) – orta derecede, ölçülü;

alegreto (allegretto) – oldukça canlı;

canlı (vivace) – canlı.

TIMBRE, bir müzik enstrümanının ve bir kişinin sesinin özel bir renklendirilmesidir. Timbre - Fransızca zil anlamına gelen timbre kelimesinden gelir. Tınının müzikteki rolü çok büyüktür. Besteciler, bestelerini çalarken bunu dikkate alırlar.

LAD – Yüksekliği farklı olan ve birbirine doğru çekim yapan seslerin birleşimi. Modun ana sesine - diğerlerinin de çekildiği en kararlı sese - tonik denir. En yaygın modlar Majör ve Minördür.

Major hafif, parlak, neşeli, neşeli bir moddur.

Küçük – üzgün, kederli, karanlık mod.

SÖZLÜK

Müziğin duygusal ve figüratif içeriği.

EĞLENCE: İHANET: Hüzünlü:

Neşeli İhale Hüzünlü

ŞİKAYETÇİ DÜŞÜNCE ŞİKAYETÇİ

MÜKEMMEL RÜYA RÜYA

YUVARLAK IŞIK YAS

YARAMAZ IŞIK MUHTEŞEM

ŞAFAK ŞEFFAF SALDIRI

ağlayan kız

komik soru

EĞLENCE

EĞLENCEKORKUNÇ: CİDDİ:

ATLAMA

GAPING KÖTÜ KISITLANMIŞ

GÜNEŞLİ KABA

PARLAK AĞIR

DANS KIZGIN

DANS Memnun Değilim

GÜLÜMSEYEN KARANLIK

SAKİN: Ciddi: GİZEMLİ:

İYİ TATİLLER MUHTEŞEM

DOSYALAMA, NEŞELİ, BÜYÜLÜ

ACİL ÖNEMLİ SPURY

LULLYING MART KORKUNÇ

NİNNİ AÇIK UYARISI

YUMUŞAK TEMİZ DİKKATLİ

DÜZGÜN GURUR UYARISI

PÜRÜZSÜZ GÜÇLÜ GİZEMLİ

AVLANABİLİR ZAFER KURULUŞU

UZUN AKUT

YUVARLAK DANS Gizlice

CESUR: HEYECANLI:

KORKUSUZ KAYGI

HIZLI SAVAŞ

CESUR BLİZZNAYA

Cesur kar fırtınası

KARARLI DOUMSUZ

CİDDİ ENDİŞE

BOGATYRSKAYA HUZURSUZ

FORMAT ACELE

ASKERİ

ASKERİN

SERT

SIKI

KENDİNDEN EMİN

CESUR

ZOR

DUYGUSAL ŞARTLAR

(sözlükten)

ZVONKO

KIVILCIM

BODRO

OYUNCU BİR ŞEKİLDE

BOYKO

KOLAYCA

UÇUŞ

EĞLENCE

PARLAK

IŞILTILI

AĞIRLIKSIZ

FAZLA

HAYATI ETKİLEYEN

KANATLI

SÖZLEŞME

TEMMUZ

HEYECANLA

GÜÇLÜ

ASKERİ

HAŞİN

SIKICA

Nane

ZORUNLU

VOLEVO

ENERJİK HAKKINDA

CESUR

KESİNLİKLE

CESURCA

SIKICA

ELASTİK

GURURLA

KENDİNDEN EMİN

ONURLA

ısrarla

CESUR

ŞİMDİ

İTAATSİZ

ACIMASIZ

KÖTÜ

YAKALANMIŞ

BELİRSİZLİK

meydan okurcasına

ŞASİ

HEMEN

SİNİR BOZUCU

takıntılı bir şekilde

SİNİR BOZUCU

TUTKUYLA

GUSTY

SICAK

HİKAYE

HIZLICA

Sabırsızca

çılgınca

İSYANCI

GÜÇLÜ

KRALİYETLE

ODAKLANMIŞ

SAYGILI

SABİT

BOYUT OLARAK

CİDDEN

KESİNLİKLE

ŞİİRSEL

Rüya gibi

içtenlikle

SAMİMİ OLARAK

ŞARKI SÖYLEME

HASSAS

İNANILMAZ

GROZNO

TRAJİK

FENALIK

YAS

NAZİKÇE

LASKOVA

SEVİMLİ

HOŞ GELDİN

YUMUŞAK

SOYLU

HOŞ GELDİN

KENDİNE GÜVENEREK

SAKİNCE

HUZURLA

NAZİKÇE

SADECE

IŞIK

ŞEFFAF

Kaygısız

EŞİT OLARAK

alçak gönüllülükle

BRAVADA İLE

kibirli bir şekilde

KESİNLİKLE

kibirli

Uykulu

halsiz

DÜZİNE

YORGUN

TEMBEL

KESİNLİKLE

GİZEMLİ BİR ŞEKİLDE

EMEKLİ BİR ŞEKİLDE

GİZEMLİ

GİZLENMİŞ

BÜYÜCÜ BİR ŞEKİLDE

CHARMED

HEYECANLI

ENDİŞELİ

ALARMLI

ÇARESİZLİKLE

ZOR

GROZNO

GÜÇLÜ

Sakar

GERİLİM

DAHA YÜKSEK

GARİP

DİKKATLİ OLMAK

KAYITSIZ

DİKKATİ DAĞILMIŞ

KAYITSIZ

KESİNLİKLE

DİNLİCE

Merhametle

DUA

PİŞMANLIK

alçak gönüllülükle

KARANLIK

Kasvetli

ROBCO

utangaç

UTANMIŞ

Utanç verici

DİKKATLİCE

ÜÇÜNCÜ

KAFASI KARIŞMIŞ

SİNİRLİ

REZGO

KABA

öfkeyle

ÇOK ÖFKELİ

ACIMASIZ

öfkeyle

ŞİDDETLİ

Agresif bir şekilde

ACIMASIZ

KÖTÜ

tövbe eden

Ateşli bir şekilde

şaka amaçlı

Alaycı bir şekilde

ŞUTOVSKI

kibirli bir şekilde

EĞLENCELİ

EDEPSİZ

OYUNCU BİR ŞEKİLDE

Alaycı bir şekilde

Sinsi

ZARİF

İNCE

HARİKA

İNCELİKLE

ustaca

KAPSAMLI

KIRILGAN

KESİNLİKLE

ÖNE ÇIKAN RUS BESTECİLERİN İSİMLERİ:

ü M. GLİNKA

ü P. ÇAYKOVSKİ

ü A. BORODİN

ü M. MUSORGSKY

Daha yüksek sesle ve daha renkli müzik dinleme arzusundan ortaya çıkan yeni marka Music Monster'ı dikkatlerinize sunuyoruz. Bu marka, vinil oyuncak ve grafiti fikirlerine dayalı bir marka oluşturmak için dünyanın en iyi grafiti sanatçılarını bir araya getirdi. Bu yaratıcı simbiyozun sonucu, kalbimizi kazanan ve aynı zamanda görünümüyle biraz korkutucu olan Music Monsters markası oldu.

Music Monsters, minik boyutuna rağmen oldukça ciddi bir sesin yanı sıra, Music Monsters mesajını yayacak ürün yelpazesini de sizlere sunuyor.

Nerede olursanız olun farklı tarzlarda müzik dinleyebilir ve özgürlüğün tadını çıkarabilirsiniz. Yeni oynatma prensibi size yeni bir yaşam tarzı ve sokak ritimleri getirecek.

Yerimizde durmuyoruz ve gerçekliğinizi dönüştürmek için giderek daha fazla yeni ürün geliştiriyoruz.

Hoparlör, standart 3,5 mm mini Jak aracılığıyla herhangi bir müzik çalma cihazına bağlanır

Tüm Music Monsters hoparlörleri güvenli ABS plastikten yapılmıştır

Akrilonitril bütadien stiren (ABS) Sert plastikler arasında en çok tercih edilen özelliklere sahiptir.

ABS plastik, en yaygın kullanılan mühendislik termoplastiklerinden biridir. Malzeme otomotiv, elektrik ve elektronik, ses/görüntü ekipmanları, küçük ve büyük ev aletleri, tıp gibi endüstrilerde kullanılmaktadır...

Mükemmel mekanik özellikler dengesi: yüksek sertlik (elastik modül = 2000 MPa - 2700 MPa) ve darbe yüklerine karşı direnç (düşük sıcaklıklar dahil olmak üzere 20-25 kg-cm/cm seviyesinde standart kalitelerde Izod darbe dayanımı). İyi elektrik yalıtım özellikleri: kırılma mukavemeti 31 - 47 kV/mm.

Taşınabilir hoparlörle birlikte verilenler:

Kullanım kılavuzu

Bir müzik cihazını şarj etmek ve bağlamak için kablo

Hoparlörü anahtarlık olarak takmak için zincir.

Hoparlör aynı anda müzik çalabilir ve USB üzerinden şarj edebilir. Pil tamamen şarj edildikten sonra hoparlör dört saate kadar çalışabilir.

Özellikler:

Hoparlör çıkışı 3 Watt

Hassasiyet 85±3 dB

Direnç %40±15

Bozulma %0,5

Pil çıkışı 3,6 Volt

Pil girişi 4,2±0,05 Volt

Boyut 7*5*4 cm

Ambalaj dahil ağırlık 140 gram

VOKAL MÜZİK. VOKAL MÜZİK TÜRLERİ.

Vokal müzik- müzik ve edebiyatın bir sentezidir (ilişkisidir). Vokal müzik ses ile icra edilir. Bu sanatın en eski biçimidir.

Vokal müzik türleri:(temel)

ü Şarkı

ü Romantik

ü Kantat

ü Oratoryo

ü Opera.

ROMANCE, eşlikli ses için müzikal ve şiirsel bir çalışmadır ( piyano veya gitar, arp), hem metnin hem de eşliğin büyük önem taşıdığı. Eşlik, içeriğin daha iyi ortaya çıkmasına yardımcı olur. Romantizm çok incelikli ve derinden kişisel deneyimleri açığa çıkarıyor. Romantizm - İspanyolca kelimeden (romantizm) - Romantizm. Ortaçağ İspanya'sında bu kelime, Latince söylenen kilise şarkılarının aksine, Roma dilinde, yani İspanyolca'da seküler bir şarkı anlamına geliyordu.

18. yüzyılda din dışı ama laik içerikli bir oratoryo ortaya çıktı.

Arya –(İtalyanca'dan - şarkı, nefes alma, nefes almayı kontrol etme.) - solo müzikal numarası.

Arietta –küçük arya.

Arioso – arya gibi – operadaki solo müzikal numarası.

Opera topluluğu (birlikte anlamına gelir), opera resitatifi operada büyük rol oynar.

(karakterler operatik bir ilahiyle konuşurlar), koro.

Müzik teorisi yazılarımıza devam ederek sizlere müzikte türlerin nasıl oluştuğunu ve geliştiğini anlatmak istiyoruz. Bu yazıdan sonra bir daha asla müzik türünü müzik tarzıyla karıştırmayacaksınız.

Öyleyse öncelikle "tür" ve "stil" kavramlarının nasıl farklılaştığına bakalım. Tür- Bu tarihsel olarak gelişen bir çalışma türüdür. Müziğin biçimini, içeriğini ve amacını ima eder. Müzik türleri, müziğin gelişiminin erken bir aşamasında, ilkel toplulukların yapısında oluşmaya başlamıştır. Daha sonra müzik, insan faaliyetinin her adımına eşlik etti: günlük yaşam, iş, konuşma vb. Böylece daha detaylı inceleyeceğimiz ana tür ilkeleri oluşturuldu.

Stil aynı zamanda malzemelerin (armoni, melodi, ritim, çokseslilik) toplamını ve bunların bir müzik eserinde kullanılma şeklini de ifade eder. Tipik olarak bir stil belirli bir döneme dayanır veya besteci tarafından sınıflandırılır. Başka bir deyişle stil, müziğin imajını ve fikrini belirleyen bir dizi müzikal ifade aracıdır. Bestecinin kişiliğine, dünya görüşüne, zevklerine, müziğe yaklaşımına bağlı olabilir. Stil ayrıca müzikteki caz, pop, rock, folk tarzları vb. trendleri de belirler.

Şimdi müzik türlerine dönelim. Söylediğimiz gibi ilkel topluluklardan kaynaklanan beş ana tür ilkesi vardır:

Motorluluk
Hitabet
İlahi söylemek
Sinyalizasyon
Ses görüntüleri

Müziğin gelişmesiyle ortaya çıkan sonraki tüm türlerin temeli oldular.

Temel tür ilkelerinin oluşmasından hemen sonra tür ve üslup tek bir sistemde iç içe geçmeye başladı. Bu tür tarzdaki sistemler, müziğin yaratıldığı duruma bağlı olarak oluşturuldu. Bazı eski kültlerde, eski ritüellerde ve günlük yaşamda kullanılan tür tarzı sistemler bu şekilde ortaya çıktı. Tür, antik müziğin belirli bir imajını, tarzını ve kompozisyon özelliklerini şekillendiren daha uygulamalı bir yapıya sahipti.

Mısır piramitlerinin duvarlarında ve hayatta kalan antik papirüslerde, çoğunlukla eski Mısır tanrılarından bahseden ritüel ve dini ilahiler bulundu.

Antik müziğin en yüksek gelişim noktasına Antik Yunan'da ulaştığına inanılıyor. Antik Yunan müziğinde, yapısının dayandığı belirli kalıplar keşfedildi.

Toplum geliştikçe müzik de gelişti. Ortaçağ kültüründe yeni vokal ve vokal-enstrümantal türler çoktan oluşmuştu. Bu dönemde aşağıdaki türler ortaya çıktı:

Organum, Avrupa'daki çok sesli müziğin en eski biçimidir. Bu tür kiliselerde kullanıldı ve Paris'teki Notre Dame okulunda gelişti.
Opera müzikal ve dramatik bir eserdir.
Chorale, ayinle ilgili Katolik veya Protestan şarkılarıdır.
Motet, hem kilisede hem de laik etkinliklerde kullanılan bir vokal türüdür. Onun tarzı metne bağlıydı.
Davranış, metni çoğunlukla manevi ve ahlaki olan bir ortaçağ şarkısıdır. Belirli bir ritimleri olmadığı için şeflerin ortaçağ notalarını hala doğru bir şekilde çözemiyorlar.
Kitle, Katolik kiliselerinde ayinle yapılan bir hizmettir. Requiem de bu türe aittir.
Madrigal lirik ve aşk temaları üzerine kısa bir çalışmadır. Bu tür İtalya'da ortaya çıktı
Chanson - bu tür Fransa'da ortaya çıktı ve başlangıçta koro köylü şarkıları ona aitti.
Pavana - İtalya'da tatillerin açılışını yapan yumuşak bir dans
Galliarda, yine İtalya kökenli, neşeli ve ritmik bir danstır.
Allemande, Almanya kökenli bir alay dansıdır.

İÇİNDE XVII-XVIII Yüzyıllar boyunca kırsal müzik - country - Kuzey Amerika'da oldukça aktif bir şekilde gelişti. Tür, İrlanda ve İskoç halk müziğinden büyük ölçüde etkilenmiştir. Bu tür şarkıların sözleri sıklıkla aşktan, kırsal yaşamdan ve kovboy yaşamından bahsediyordu.

19. yüzyılın sonu ve 20. yüzyılın başında Latin Amerika ve Afrika'da folklor oldukça aktif bir şekilde gelişti. Afro-Amerikan toplumunda, başlangıçta tarlalarda çalışmaya eşlik eden bir "iş şarkısı" olan blues ortaya çıktı. Blues aynı zamanda baladlara ve dini ilahilere de dayanmaktadır. Blues, Afrika ve Avrupa kültürlerinin bir karışımının sonucu olan yeni bir tür olan cazın temelini oluşturdu. Caz oldukça yaygınlaştı ve evrensel olarak tanındı.

Caz ve blues'a dayalı bir şarkı ve dans türü olan ritim ve blues (R'n'B) 40'lı yılların sonlarında ortaya çıktı. Gençler arasında oldukça popülerdi. Daha sonra bu tür içerisinde funk ve soul ortaya çıktı.

Bu Afro-Amerikan türleriyle birlikte pop müzik türünün de yirminci yüzyılın 20'li yıllarında ortaya çıkması ilginçtir. Bu türün kökleri halk müziğinde, sokak aşklarında ve baladlardadır. Pop müzik her zaman diğer türlerle karışarak oldukça ilginç müzik tarzları oluşturmuştur. 70'li yıllarda pop müzik çerçevesinde o dönemin en popüler dans müziği haline gelen, rock and roll'u arka plana iten "disko" tarzı ortaya çıktı.

50'li yıllarda rock, kökenleri blues, folk ve country kökenli olan mevcut türlerin arasına girdi. Hızla çılgın bir popülerlik kazandı ve diğer türlerle karışarak birçok farklı tarza dönüştü.

On yıl sonra Jamaika'da 70'lerde yaygınlaşan reggae türü oluştu. Reggae, Jamaika halk müziğinin bir türü olan mentoya dayanmaktadır.

1970'lerde Jamaikalı DJ'ler tarafından Bronx'a "ihraç edilen" rap ortaya çıktı. DJ Kool Herc, rap'in kurucusu olarak kabul edilir. Başlangıçta rap eğlence için, insanın duygularını dışarı atmak için okunuyordu. Bu türün temeli, anlatımın ritmini belirleyen vuruştur.

20. yüzyılın ikinci yarısında elektronik müzik bir tür olarak kendini kanıtladı. İlk elektronik aletlerin ortaya çıktığı yirminci yüzyılın başında tanınmaması gariptir. Bu tür, elektronik müzik aletlerini, teknolojiyi ve bilgisayar programlarını kullanarak müzik yaratmayı içerir.

20. yüzyılda ortaya çıkan türlerin birçok tarzı vardır. Örneğin:

Caz:

New Orleans caz
Dixieland
Sallanmak
Batı salınımı
bop
Sert bop
caz müziği
Havalı ya da havalı caz
Modal veya modal caz
Avangard caz
Ruh caz
Bedava caz
Bossa Nova veya Latin Amerika Cazı
Senfonik caz
Aşamalı
Füzyon veya caz rock
Elektrikli Caz
Asit caz
Karşıdan karşıya geçmek
Pürüzsüz caz

Kabare
Âşık gösterisi
Müzikhol
Müzikal
Ragtime
Salon
Klasik geçiş
Psikedelik pop
İtalyan diskosu
Eurodisko
Yüksek enerji
Nu-disko
Uzay diskosu
Evet
Kpop
Avrupa popu
Arapça pop müzik
Rus pop müziği
Rigsar
Laika
Latin pop müziği
J-pop

Rock'n'roll
Büyük Bit
Rockabilly
Psikobilly
Neorocabilly
Skiffle
Doo-wop
Büküm
Alternatif rock (Indie rock/Üniversite rock)
Matematik taşı
Manchester
Grunge
Ayakkabı Bakma
Britpop
Gürültü kayası
Gürültü patlaması
Grunge sonrası
lo-fi
Bağımsız pop
Twi-pop
Art rock (Progresif rock)
Caz rock
Krautrock
Garaj taşı
Freakbeat
Büyüleyici rock
Ülke rock
Merseybeat
Metal (Sert Kaya)
Avangard metal
Alternatif metal
Siyah metal
Melodik siyah metal
Senfonik black metal
Gerçek siyah metal
Viking metali
Gotik metal
Doom metal
Ölüm metali
Melodik death metal
Metal çekirdek
Yeni metal
Güç metali
Progresif metal
Hız metali
Taşlı kaya
Çöp metali
Halk metali
Ağır metal
Yeni dalga
Rus rock
Bar rock'ı
Punk rock
Ska-punk
Pop punk
Kabuk serseri
hardcore
Karşıdan karşıya geçmek
İsyan halkı
Pop rock
Postpunk
Gotik kaya
Dalga yok
Satır sonrası
Psikedelik kaya
Yumuşak kaya
Halk rock
Tekno rock

Gördüğünüz gibi birçok stil var. Tam listeyi listelemek çok zaman alacağından bunu yapmayacağız. Önemli olan, artık modern popüler türlerin nasıl ortaya çıktığını biliyorsunuz ve artık tür ile stili kesinlikle karıştırmayacaksınız.

). İnsan sesinin orkestra rengi olarak kullanıldığı (Pyotr İlyiç Çaykovski'nin Fındıkkıran), sese melodinin eşlik ettiği eserler de vardır.

Vokal müzik türleri:

Operatik,
hitabet,
Bölme,
operet,
Caz.

Kantat- ciddi veya lirik epik nitelikte bir eser. Küçük boyut ve içerik bütünlüğü ile karakterize edilir (bir konu ifade edilir). Opera (Latince'den - iş, ürün) bir tür sentetik sanattır. İçeriği sahne, müzikal ve şiirsel imgelerde somutlaşan bir sanat eseri.

Opera tek bir teatral eylemde birleştirir: vokal (solo) topluluk (koro), enstrümantal müzik (senfoni orkestrası), drama, güzel sanatlar (sahne, kostüm) koreografi (bale). Opera, vokal müziğin tüm biçimlerini bünyesinde barındırır: (arya, arioso, şarkı, monolog, resitatif, düet, üçlü, dörtlü, korolu büyük finaller).

Zamanının operası türlere ayrılmıştır

Tarihsel-kahramanca;
Tarihsel-romantik;
Kahramanca-şiirsel;
Halk masalı;
Lirik;
Dramatik;
Komedi;
Hicivsel.

Oratorio (Latince'den söylüyorum, dua ediyorum) bir koro ve senfoni orkestrasının şarkıcıları (solistler) için büyük bir müzik eseridir. Genellikle dramatik ve İncille ilgili konularda yazıyorlardı. Oda türü - (Latince: Oda, oda.) Rönesans ve Barok döneminde ortaya çıkan çok kapsamlı bir vokal müziği katmanı. Şu anda madrigaller, kantatlar ve ayinler yazılıyor. Şarkı söylemek ustalık ve gösteriş gerektirir. Solistler, küçük bir koro ve küçük bir orkestra için eserler yazılıyor. Barok tarzı (tuhaf) - ihtişam, efektler ve gerçekliği yanılsamayla birleştirme arzusuyla karakterize edilir. Cantilena'nın yanındaki şarkılarda sofistike kadanslar var. Madrigal - (Ana dilde Latince şarkı). (ayetler, korolar) - kısa bir şiir, övgü dolu, gurur verici, sevgi dolu, hassas, incelikli ve dokunaklı. 16. yüzyılda sesli şiir haline gelir (genellikle 4 - 5 kişi). 17. yüzyılda ise bir kadına hitap eden lirik şiirler haline gelir. Kantata, ciddi veya lirik-destansı nitelikte bir eserdir, daha küçük bir orkestraya ve daha az gelişmiş bir olay örgüsüne sahip olması nedeniyle oratoryodan farklıdır. İçerik laik ve manevi-dinidir. Romantizm oda vokali türünde oldukça geniş bir yer tutar. Romantik-İspanyolca (Romanso, Romanesk şarkı söyler.) 18. ve 19. yüzyıllarda yoğun bir şekilde gelişmeye başladı, ağıtlar, baladlar ve dramatik monologlar ortaya çıktı. Biraz sonra aşk şarkıları, mizahi, hiciv ve trajik içerikli ortaya çıkıyor. Klasik romantizmin en iyi örnekleri bestecilerdir: Schumann, Schubert, Çaykovski, Rachmaninov, Rimsky-Korsakov, Dargomyzhsky. Operetta (İtalyanca'dan - küçük opera) Dramaturjisiyle birleştiren, komedi niteliğinde bir müzikal ve sahne çalışması: müzik, dans, konuşma, diyalog. Gösteride solist, koro, orkestra ve az miktarda bale yer alıyor. Bağımsız bir tür olarak operet, 19. yüzyılın ortalarında Fransa'da ortaya çıktı. Yaratıcılar oyun yazarı F. Hervé ve besteci J. Offenbach'tı. Operet'e ün kazandıran besteciler şunlardır: Strauss, Lehár, Kalman, Dunaevsky, Langerbelli.

Ayrıca bakınız

Wikimedia Vakfı. 2010.

Diğer sözlüklerde “Vokal müzik” in ne olduğunu görün:

Ana kısmı şarkı söylemek ve enstrüman çalmak olan müzik, buna sadece bir eklentidir. Rus dilinde yer alan yabancı kelimeler sözlüğü. Pavlenkov F., 1907. K.n.'de eşlik eden VOKAL MÜZİK.... ... Rus dilinin yabancı kelimeler sözlüğü

Kelime, şiirsel metin ile ilgili birkaç istisna dışında, bir, birkaç veya daha fazla ses için çalışır (enstrümantal eşlikli veya eşliksiz). Büyük Ansiklopedik Sözlük

Radyoyu açarsınız ve bir pop şarkısı duyarsınız. Ayar düğmesini çevirin; şimdi bir tür koro eseri çalıyor ve bir sonraki dalgada, öyle görünüyor ki, bir opera yayınlıyorlar... Bütün bunlar vokal müziği (Latin vokallerinden, ses çıkarma, şarkı söyleme), yani... ... Müzik sözlüğü

Şiirsel metin kelimesiyle ilgili birkaç istisna dışında, bir, birkaç veya daha fazla ses için (enstrüman eşliğinde veya eşliksiz) çalışır. * * * VOKAL MÜZİK VOKAL MÜZİK, tek kişilik çalışır,… … ansiklopedik sözlük

Şarkı söylemek için tasarlanmış müzik. V. m., bir, birkaç veya daha fazla sesin eşliksiz eserlerini (solo şarkılar, topluluklar, a cappella koroları) ve enstrümantal eşlikle şarkı söylemeye yönelik her türlü besteyi içerir. Tümünde… … Büyük Sovyet Ansiklopedisi

Şarkı söylemek için tasarlanmış müzik. V. m. bir, birkaç veya daha fazla kişinin eseri olarak kabul edilir. Refakatsiz sesler (solo şarkılar, topluluklar, a cappella koroları) ve her türlü müzik. enstrümanlarla şarkı söylemek için besteler. çeşitli eşlik ediyor... ... Müzik Ansiklopedisi

Vokal müzik- (İtalyanca seslendirmeden) eşlikli veya eşliksiz şarkı söylemeye yönelik müzik (solo, topluluk veya koro). İlham perilerinin en kapsamlı ve popüler alanı. VA talebinde bulunmak, adv dahil. şarkı yaratıcılığı, kült müzik ve sonuçları... Rus insani ansiklopedik sözlük

VOKAL MÜZİK- kesin olarak söylemek gerekirse, enstrüman eşliğinde olmadan, yalnızca insan sesiyle icra edilen müzik; ancak günümüzde aynı isim aynı zamanda çalgılar eşliğinde şarkı söylenerek yapılan müzik anlamına da gelmektedir. İnsan ses… … Riemann'ın Müzik Sözlüğü

Tüm müzik türlerinin en eskisi. Enstrümantal eşlik olmaksızın veya eşlikin ikincil bir rol oynadığı, insan sesiyle icra edilen her türlü müziğe vokal denir. Vokal müzik şunları içerir: seslendirme, solfej,... ... Ansiklopedik Sözlük F.A. Brockhaus ve I.A. Efron

Görüntüleme