Balenin ortaya çıkışı. Klasik balenin tarihi

Dansın müzikal bir sahne performansına dönüştüğü haklı olarak koreografi sanatının en yüksek seviyesi olarak kabul edilir. Bu sanat türü 15.-16. yüzyıllarda danstan çok daha sonra ortaya çıktı. Başlangıçta, saray aristokratik bir sanattı. Dans, balede ana ifade aracıdır, ancak dramatik temel, sahne tasarımı ve kostüm ve ışık tasarımcılarının çalışmaları hiç de azımsanacak bir öneme sahip değildir.

Klasik bale, dansçıların her zaman dans yoluyla bir hikaye anlattığı anlatısal bir danstır. Klasik çok perdeli bale geleneksel olarak mitlere, masallara, tarihi konular. Tür yapımları kahramanca, komik, folklorik olabilir.

İsmin kökeni ya Latince ballo - “dans etme” ya da aynı anlama gelen Fransızca balleto'dur.

Bale, hem dans performansını hem de esneklik ve koreografi yardımıyla etkileyici sanatsal görüntülerin yaratıldığı bir tür tiyatro ve müzik sanatını ifade eder.

Dansın teatralleşmesi, 15. yüzyılda İtalya'da, dans ustalarının halk danslarına dayalı olarak mahkeme ve balo salonu dansları yaratmaya başlamasıyla başladı.

İlk bale

Dans, müzik, pantomim ve konuşmayı birleştiren ilk bale prodüksiyonu, 16. yüzyılın sonlarında Fransa'da Catherine de Medici'nin sarayında sahnelendi. Adı "Kirke ve Periler" olan bu eser, kemancılardan oluşan orkestrasıyla İtalya'dan gelen harika koreograf ve kemancı Baltazarini di Belgioioso tarafından sahnelendi.

Fransız saray balesinin gelişiminin başlangıcını belirleyen, eski bir olay örgüsüne sahip bir yapımdı. Interlüdler, pastoraller, maskeli balolar ve dans eğlenceleri hızla saray şenliklerinin en önemli anları haline geldi.

Pierre Beauchamp tarafından derlenen balenin ana kanonları

Her dansın özünde belirli kurallar vardır ve koreograf Pierre Beauchamp'ın asil bir dans tarzının kurallarını tanımlamasıyla dans baleye dönüştü.

Beauchamp, dansçının hareketlerini gruplara ayırdı: sıçramalar, çömelmeler, çeşitli vücut pozisyonları ve rotasyonlar. Bu tür dans sanatı, vücudun farklı yönlerde hareket edebilmesi sayesinde bacakların ters çevrilmesi ilkesine dayanıyordu. Yukarıdaki hareketler üç kol pozisyonu ve beş bacak pozisyonuna göre gerçekleştirildi.

Balenin gelişimi

Bu andan itibaren 18. yüzyılda bağımsız bir sanat haline gelen balenin gelişimi başladı.

Bale okullarının gelişimi tüm Avrupa'da başlıyor ve Rusya İmparatorluk Balesi'nin 1738'de St. Petersburg'da kurulduğu Rusya'ya kadar ulaşıyor.

İlk dansçılar zor zamanlar geçirdiler; çok karmaşık kostümler giyiyorlardı ve ağır etekler hareketlerini zorlaştırıyordu. Ancak yavaş yavaş kostüm değişti - bale ayakkabıları topuklarını kaybetti, balerinlerin kıyafetleri hafif ve havadar hale geldi.

Koreograflar dansçılara duyguları jestler ve yüz ifadeleriyle ifade etmeyi öğretti; mitolojik konuların yerini uzak ülkelerle ilgili hikayeler, aşk hikayeleri ve peri masalları aldı. Bu haliyle klasik bale, dans sanatının güzel biçimlerinden biri olarak günümüze kadar gelmiştir.

copypaster tarafından Çarş, 15/08/2007 - 01:11 tarihinde eklendi

Bale oldukça genç bir sanattır. Dans, eski çağlardan beri insan hayatını süslese de, dört yüz yıldan biraz daha eskidir.

Bale, Rönesans döneminde Kuzey İtalya'da doğdu. İtalyan prensleri, dansın önemli bir yer tuttuğu gösterişli saray şenliklerini severdi. Kırsal danslar saray hanımları ve beyleri için uygun değildi. Kıyafetleri, dans ettikleri salonlar gibi düzensiz harekete izin vermiyordu. Özel öğretmenler - dans ustaları - saray danslarında düzeni sağlamaya çalıştı. Soylularla önceden bireysel figürlerin ve dans hareketlerinin provasını yaptılar ve dansçı gruplarına liderlik ettiler. Yavaş yavaş dans giderek daha teatral hale geldi.

“Bale” terimi 16. yüzyılın sonunda ortaya çıktı (İtalyan balesinden dansa). Ama o zaman bu bir performans anlamına gelmiyordu, yalnızca belirli bir ruh halini yansıtan bir dans bölümü anlamına geliyordu. Bu tür "baleler" genellikle karakterlerin - çoğunlukla Yunan mitlerinin kahramanları - hafifçe birbirine bağlı "çıktılarından" oluşuyordu. Bu tür "çıkışlardan" sonra genel dans başladı - "büyük bale".

İlk bale gösterisi, İtalyan koreograf Baltazarini di Belgioioso tarafından 1581 yılında Fransa'da sahnelenen Kraliçe Komedi Balesi'dir. Balenin daha da gelişmesi Fransa'da gerçekleşti. İlk başta bunlar maskeli balelerdi ve ardından şövalye ve fantastik olay örgüsüne sahip, dans bölümlerinin yerini vokal aryalar ve şiir okumalarının aldığı görkemli melodramatik balelerdi. Şaşırmayın, o dönemde bale sadece bir dans gösterisi değildi.

Louis XIV döneminde, saray bale gösterileri özel bir ihtişam kazandı. Louis balelere katılmayı çok severdi ve "Gecenin Balesi"nde Güneş rolünü oynadıktan sonra ünlü "Güneş Kralı" lakabını aldı.

1661'de önde gelen 13 dans ustasının yer aldığı Kraliyet Müzik ve Dans Akademisi'ni kurdu. Sorumlulukları dans geleneklerini korumaktı. Akademinin yöneticisi kraliyet dans öğretmeni Pierre Beauchamp, klasik dansın beş ana pozisyonunu belirledi.

Kısa süre sonra Paris Operası açıldı ve aynı Beauchamp koreograf olarak atandı. Onun liderliğinde bir bale topluluğu kuruldu. Başlangıçta sadece erkeklerden oluşuyordu. Kadınlar ancak 1681'de Paris Operası sahnesine çıktı.

Tiyatroda besteci Lully'nin opera ve baleleri, oyun yazarı Moliere'nin komedi ve baleleri sahnelendi. İlk başta saray mensupları da bunlara katıldı ve gösteriler saray gösterilerinden neredeyse hiç farklı değildi. Daha önce bahsedilen yavaş minuetler, gavotlar ve pavanlar dans edildi. Maskeler, ağır elbiseler ve yüksek topuklu ayakkabılar kadınların karmaşık hareketler yapmasını engelledi. Bu nedenle erkek dansları o zamanlar daha büyük bir zarafet ve zarafetle ayırt ediliyordu.

18. yüzyılın ortalarında bale Avrupa'da büyük bir popülerlik kazandı. Avrupa'nın tüm aristokrat sarayları, Fransız kraliyet sarayının lüksünü taklit etmeye çalıştı. Şehirlerde opera binaları açıldı. Çok sayıda dansçı ve dans öğretmeni kolayca iş buldu.

Kısa süre sonra modanın da etkisiyle kadınların bale kostümleri çok daha hafif ve özgür hale geldi ve alttan vücut hatları görülebiliyordu. Dansçılar yüksek topuklu ayakkabılardan vazgeçip bunların yerine hafif, topuklu ayakkabılar giydiler. Daha az hantal hale geldi Erkek takım elbisesi: Dizlere kadar uzanan dar pantolonlar ve çoraplar dansçının figürünü görmeyi mümkün kılıyordu.

Her yenilik dansı daha anlamlı hale getirdi ve dans tekniğini daha yüksek hale getirdi. Bale yavaş yavaş operadan ayrılarak bağımsız bir sanat haline geldi.

Fransız bale okulu zarafeti ve esnekliğiyle ünlü olmasına rağmen, performansın belli bir soğukluğu ve resmiyeti ile karakterize ediliyordu. Bu nedenle koreograflar ve sanatçılar başka ifade araçları aradılar.

18. yüzyılın sonunda sanatta yeni bir yön doğdu - bale üzerinde güçlü bir etkisi olan romantizm. Romantik bir balede dansçı sivri ayakkabılar üzerinde duruyordu. Bunu ilk yapan Maria Taglioni oldu ve baleyle ilgili önceki fikirleri tamamen değiştirdi. La Sylphide balesinde diğer dünyadan gelen kırılgan bir yaratık olarak ortaya çıktı. Başarı baş döndürücüydü.

Bu dönemde pek çok harika bale ortaya çıktı, ancak ne yazık ki romantik bale, Batı'da dans sanatının en parlak döneminin son dönemi oldu. 19. yüzyılın ikinci yarısından itibaren eski önemini yitiren bale, operanın bir uzantısı haline geldi. Ancak 20. yüzyılın 30'lu yıllarında Rus balesinin etkisi altında bu sanat formunun Avrupa'da yeniden canlanması başladı.

Rusya'da ilk bale performansı - “Orpheus ve Eurydice Balesi” - 8 Şubat 1673'te Çar Alexei Mihayloviç'in mahkemesinde sahnelendi. Törensel ve yavaş danslar, şarkı söyleme ve konuşmayla dönüşümlü olarak zarif pozlar, selamlar ve hareketlerden oluşuyordu. Sahne dansının gelişiminde önemli bir rol oynamadı. Bu, alışılmadıklığı ve yeniliğiyle insanları cezbeden bir başka kraliyet "eğlencesi" idi.

Sadece çeyrek yüzyıl sonra, Peter I'in reformları sayesinde müzik ve dans, Rus toplumunun günlük yaşamına girdi. Soylulara Eğitim kurumları zorunlu dans eğitimi getirildi. Yurt dışından ithal edilen müzisyenler, opera sanatçıları ve bale toplulukları sarayda sahne almaya başladı.

1738 yılında Rusya'da ilk bale okulu açıldı ve üç yıl sonra saray hizmetlilerinden 12 erkek ve 12 kız, Rusya'nın ilk profesyonel dansçıları oldu. İlk başta yabancı ustaların balelerinde figür olarak (bale dansçılarının adı olarak) ve daha sonra ana rollerde sahne aldılar. O zamanın harika dansçısı Timofey Bublikov sadece St. Petersburg'da değil Viyana'da da parlıyordu.

19. yüzyılın başında Rus bale sanatı yaratıcı olgunluğa ulaştı. Rus dansçılar dansa ifade ve maneviyat kattı. Bunu çok doğru hisseden A.S. Puşkin, çağdaşı Avdotya Istomina'nın dansını "ruh dolu uçuş" olarak adlandırdı.

Bale bu dönemde diğer türler arasında ayrıcalıklı bir konuma sahipti. tiyatro sanatları. Yetkililer buna büyük önem verdi ve devlet sübvansiyonu sağladı. Moskova ve St. Petersburg bale toplulukları iyi donanımlı tiyatrolarda sahne aldı ve her yıl tiyatro okullarından mezun olanlar dansçılar, müzisyenler ve dekoratörler kadrosuna katıldı.

Arthur Saint Leon

Bale tiyatromuzun tarihinde, Rus balesinin gelişiminde önemli rol oynayan yabancı ustaların isimlerine sıklıkla rastlanmaktadır. Öncelikle bunlar Charles Didelot, Arthur Saint-Leon ve Marius Petipa'dır. Rus bale okulunun kurulmasına yardımcı oldular. Ancak yetenekli Rus sanatçılar aynı zamanda öğretmenlerinin yeteneklerini ortaya çıkarma fırsatı da verdi. Bu her zaman Avrupa'nın en büyük koreograflarını Moskova ve St. Petersburg'a çekti. Dünyanın hiçbir yerinde Rusya'daki kadar büyük, yetenekli ve iyi eğitimli bir toplulukla tanışamazlardı.

19. yüzyılın ortalarında Rus edebiyatına ve sanatına gerçekçilik geldi. Koreograflar hararetle ama boşuna gerçekçi performanslar yaratmaya çalıştılar. Balenin geleneksel bir sanat olduğunu ve balede gerçekçiliğin resim ve edebiyattaki gerçekçilikten önemli ölçüde farklı olduğunu hesaba katmadılar. Bale sanatının krizi başladı.

Büyük Rus besteci P. Çaykovski'nin bale için ilk müzik bestelemesiyle Rus bale tarihinde yeni bir aşama başladı. Kuğu Gölü'ydü. Bundan önce bale müziği ciddiye alınmıyordu. Sadece dansa eşlik eden daha düşük bir müzikal yaratıcılık türü olarak kabul edildi.

Çaykovski sayesinde bale müziği, opera ve senfonik müzikle birlikte ciddi bir sanat haline geldi. Eskiden müzik tamamen dansa bağlıydı, artık dans müziğe boyun eğmek zorundaydı. Yeni ifade araçlarına ve performans yaratmaya yönelik yeni bir yaklaşıma ihtiyaç vardı.

Rus balesinin daha da gelişmesi, eski pantomim tekniklerini terk eden, bale performansında modern yönetmenlik tekniklerini kullanan Moskova koreografı A. Gorsky'nin adıyla ilişkilidir. Performansın pitoresk tasarımına büyük önem vererek en iyi sanatçıları çalışmaya çekti.

Ancak bale sanatının gerçek reformcusu, bale performansının geleneksel yapısına isyan eden Mikhail Fokin'dir. Oyunun temasının, müziğinin ve aksiyonun gerçekleştiği dönemin her seferinde farklı dans hareketleri ve farklı bir dans modeli gerektirdiğini savundu. “Mısır Geceleri” balesini sahnelerken Fokine, V. Bryusov'un şiirinden ve eski Mısır çizimlerinden, “Petrushka” balesinin görüntüleri ise A. Blok'un şiirinden ilham aldı. Daphnis ve Chloe balesinde sivri ayakkabılarla dans etmeyi bıraktı ve antik freskleri özgür, esnek hareketlerle yeniden canlandırdı. Chopiniana'sı romantik bale atmosferini yeniden canlandırdı. Fokin, "bale eğlencesinden ve danstan anlaşılır, konuşan bir dille bir bale draması yaratmayı hayal ediyor" diye yazdı. Ve başardı.

Anna Pavlova

1908'de Paris'te tiyatro figürü S. P. Diaghilev tarafından düzenlenen Rus bale dansçılarının yıllık gösterileri başladı. Rusya'dan dansçıların isimleri - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - dünya çapında tanındı. Ancak bu sıranın ilk sırasında eşsiz Anna Pavlova'nın adı var.

Pavlova - lirik, kırılgan, uzun vücut çizgileri, kocaman gözleri - romantik balerinleri tasvir eden gravürleri çağrıştırıyor. Kahramanları, uyumlu, ruhsallaştırılmış bir yaşam ya da melankoli ve yerine getirilmemiş bir şeyin üzüntüsüne dair tamamen Rus bir rüyayı aktardılar. Büyük balerin Pavlova'nın yarattığı "Ölen Kuğu", 20. yüzyılın başlarında Rus balesinin şiirsel bir sembolüdür.

İşte o zaman Rus sanatçıların becerisinin etkisi altında Batı balesi sarsıldı ve ikinci bir rüzgar buldu.

1917 Ekim Devrimi'nden sonra birçok bale tiyatrosu figürü Rusya'yı terk etti, ancak buna rağmen Rus bale okulu hayatta kaldı. Yeni bir hayata doğru hareketin duygusu, devrimci temalar ve en önemlisi yaratıcı deneylerin kapsamı bale ustalarına ilham verdi. Bir görevle karşı karşıyaydılar: Koreografi sanatını insanlara yaklaştırmak, onu daha hayati ve erişilebilir kılmak.

Dramatik bale türü böyle ortaya çıktı. Bunlar, genellikle ünlü edebi eserlerin dramatik performans yasalarına göre inşa edilmiş olay örgülerine dayanan performanslardı. İçerik pantomim ve figüratif dans yoluyla sunuldu. 20. yüzyılın ortalarında dramatik bale krizdeydi. Koreograflar, bu bale türünü korumak, sahne efektlerinin yardımıyla performansların eğlence değerini artırmak için girişimlerde bulundular, ancak ne yazık ki boşuna.

1950'lerin sonunda bir dönüm noktası geldi. Yeni neslin koreografları ve dansçıları unutulmuş türleri yeniden canlandırdı - tek perdelik bale, bale senfonisi, koreografik minyatür. Ve 1970'lerden bu yana opera ve bale tiyatrolarından bağımsız, bağımsız bale toplulukları ortaya çıktı. Sayıları sürekli artıyor ve aralarında serbest dans ve modern dans stüdyoları ortaya çıkıyor.

Tiyatrolar bölümündeki yayınlar

Ünlü Rus baleleri. En iyi 5

Klasik bale, olgun Rönesans döneminde İtalya'da doğan ve Dans Akademisi'nin kurulması ve birçok hareketin kodlanması da dahil olmak üzere gelişiminin kredisinin Kral XIV.Louis'e ait olduğu Fransa'ya "taşınan" muhteşem bir sanat formudur. . Fransa, tiyatro dansı sanatını Rusya dahil tüm Avrupa ülkelerine ihraç etti. 19. yüzyılın ortalarında Avrupa balesinin başkenti artık dünyaya romantizmin başyapıtları La Sylphide ve Giselle'i veren Paris değil, St. Petersburg'du. tam olarak Kuzey başkenti Klasik dans sisteminin yaratıcısı ve sahneden hâlâ çıkmayan başyapıtların yazarı büyük koreograf Marius Petipa neredeyse 60 yıl boyunca çalıştı. Ekim Devrimi'nden sonra "baleyi modernite gemisinden atmak" istediler ama onu savunmayı başardılar. Sovyet zamanıönemli sayıda başyapıtın yaratılmasıyla dikkat çekti. Rusya'nın en iyi beş balesini kronolojik sırayla sunuyoruz.

"Don Kişot"

Don Kişot balesinden bir sahne. Marius Petipa'nın ilk yapımlarından biri

Balenin galası L.F. Bolşoy Tiyatrosu'nda Minkus "Don Kişot". 1869 Mimar Albert Kavos'un albümünden

Don Kişot balesinden sahneler. Kitri - Lyubov Roslavleva (ortada). A.A. Gorsky. Moskova, Bolşoy Tiyatrosu. 1900

Müzik L. Minkus'a, libretto ise M. Petipa'ya ait. İlk yapım: Moskova, Bolşoy Tiyatrosu, 1869, M. Petipa'nın koreografisi. Sonraki yapımlar: St. Petersburg, Mariinsky Tiyatrosu, 1871, M. Petipa'nın koreografisi; Moskova, Bolşoy Tiyatrosu, 1900, St. Petersburg, Mariinsky Tiyatrosu, 1902, Moskova, Bolşoy Tiyatrosu, 1906, tümü - A. Gorsky'nin koreografisi.

Don Kişot balesi, yetişkinleri asla yormayan, ebeveynlerin çocuklarını memnuniyetle götürdüğü, hayat ve neşe dolu bir tiyatro gösterisi, sonsuz bir dans kutlamasıdır. Adını Cervantes'in ünlü romanının kahramanından alsa da onun bir bölümünden "Quitria ile Basilio'nun Düğünü"ne dayanıyor ve karşıt görüşlere rağmen sonunda aşkı kazanan genç kahramanların maceralarını anlatıyor. Kahramanın onu zengin Gamache ile evlendirmek isteyen inatçı babası.

Yani Don Kişot'un bununla neredeyse hiçbir ilgisi yok. Tüm performans boyunca uzun boylu, zayıf bir sanatçı, Sancho Panza'yı canlandıran kısa boylu, göbekli bir meslektaşıyla birlikte sahnede dolaşıyor, bazen Petipa ve Gorsky'nin bestelediği güzel dansları izlemeyi zorlaştırıyor. Bale, özünde, herhangi bir bale topluluğunun tüm dansçılarının bir işinin olduğu, kostümlü bir konser, klasik ve karakter dansının kutlanmasıdır.

Balenin ilk prodüksiyonu, Mariinsky Tiyatrosu'nun muhteşem topluluğuyla kıyaslanamayan yerel topluluğun seviyesini yükseltmek için Petipa'nın zaman zaman ziyaret ettiği Moskova'da gerçekleşti. Ancak Moskova'da nefes alma özgürlüğü daha fazlaydı, bu nedenle koreograf, güneşli bir ülkede geçirdiği harika gençlik yıllarının bale anısını özünde sahneledi.

Bale başarılı oldu ve iki yıl sonra Petipa onu St. Petersburg'a taşıdı, bu da değişiklik gerektirdi. Orada karakteristik danslarla saf klasiklerden çok daha az ilgileniyorlardı. Petipa, "Don Kişot"u beş perdeye genişletti, "Don Kişot'un Rüyası" olarak adlandırılan "beyaz perdeyi" besteledi, tutuşlu balerin sevenler ve güzel bacak sahipleri için gerçek bir cennet. “Rüya”daki aşk tanrısı sayısı elli ikiye ulaştı...

"Don Kişot", Konstantin Stanislavsky'nin fikirlerine meraklı olan ve eski baleyi daha mantıklı ve dramatik bir şekilde inandırıcı hale getirmek isteyen Moskova koreografı Alexander Gorsky'nin yeniden çalışmasıyla karşımıza çıktı. Gorsky, Petipa'nın simetrik kompozisyonlarını yok etti, "Dream" sahnesindeki tutuşları kaldırdı ve İspanyol kadınlarını canlandıran dansçılar için koyu makyaj kullanılmasında ısrar etti. Petipa ona "domuz" adını verdi, ancak Gorsky'nin ilk uyarlamasında bale Bolşoy Tiyatrosu sahnesinde 225 kez sahnelendi.

"Kuğu Gölü"

İlk performans için sahne. Büyük tiyatro. Moskova. 1877

P.I.'nin "Kuğu Gölü" balesinden bir sahne. Çaykovski (koreograflar Marius Petipa ve Lev Ivanov). 1895

Müzik P. Tchaikovsky'ye, librettosu V. Begichev ve V. Geltser'e ait. İlk yapım: Moskova, Bolşoy Tiyatrosu, 1877, V. Reisinger'in koreografisi. Sonraki prodüksiyon: St. Petersburg, Mariinsky Tiyatrosu, 1895, M. Petipa, L. Ivanov'un koreografisi.

Klasik versiyonu 1895'te sahnelenen sevilen bale, aslında on sekiz yıl önce Moskova'nın Bolşoy Tiyatrosu'nda doğdu. Dünya çapında şöhreti henüz gelmemiş olan Çaykovski'nin besteleri bir tür "sözsüz şarkılar" koleksiyonuydu ve o dönem için fazla karmaşık görünüyordu. Bale yaklaşık 40 kez sahnelendi ve unutulmaya yüz tuttu.

Çaykovski'nin ölümünden sonra Kuğu Gölü Mariinsky Tiyatrosu'nda sahnelendi ve balenin sonraki tüm prodüksiyonları klasik hale gelen bu versiyona dayanıyordu. Aksiyona daha fazla netlik ve mantık kazandırıldı: Bale, kötü dahi Rothbart'ın iradesiyle kuğuya dönüşen güzel prenses Odette'in kaderini, Rothbart'ın ona aşık olan Prens Siegfried'i nasıl aldattığını anlattı. kızı Odile'nin büyüsüne başvurarak kahramanların ölümünü anlatır. Çaykovski'nin müziği şef Riccardo Drigo tarafından yaklaşık üçte bir oranında azaltıldı ve yeniden düzenlendi. Petipa birinci ve üçüncü perdelerin koreografisini, ikinci ve dördüncü perdeler için Lev Ivanov'u yarattı. Bu bölüm, ikincisi birincinin gölgesinde yaşamak ve ölmek zorunda olan her iki parlak koreografın çağrısına ideal bir şekilde yanıt verdi. Petipa, klasik balenin babası, kusursuz uyumlu kompozisyonların yaratıcısı ve peri kadını, oyuncak kadının şarkıcısıdır. Ivanov, müzik konusunda alışılmadık derecede hassas bir anlayışa sahip, yenilikçi bir koreograf. Odette-Odile rolünü "Milano balerinlerinin kraliçesi" Pierina Legnani canlandırdı; kendisi aynı zamanda ilk Raymonda ve pointe ayakkabılardaki en zor spin türü olan 32. fouette'in mucididir.

Bale hakkında hiçbir şey bilmiyor olabilirsiniz ama Kuğu Gölü'nü herkes bilir. İÇİNDE son yıllar Sovyetler Birliği'nin varlığı, yaşlı liderlerin sık sık birbirlerinin yerini aldığı, balenin ana karakterlerinin "beyaz" düetinin duygulu melodisi ve TV ekranından el kanatlarının sıçraması üzücü bir olayı duyurdu. Japonlar "Kuğu Gölü"nü o kadar çok seviyorlar ki, herhangi bir topluluk tarafından gerçekleştirilen sabah ve akşam izlemeye hazırlar. Rusya'da ve özellikle Moskova'da çok sayıda bulunan tek bir turne grubu "Kuğu" olmadan yapamaz.

"Fındıkkıran"

"Fındıkkıran" balesinden bir sahne. İlk üretim. Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Mariinskii Opera Binası. 1892

"Fındıkkıran" balesinden bir sahne. İlk üretim. Mariinskii Opera Binası. 1892

Müzik P. Tchaikovsky'ye, libretto ise M. Petipa'ya ait. İlk yapım: St. Petersburg, Mariinsky Tiyatrosu, 1892, L. Ivanov'un koreografisi.

Kitaplarda ve internet sitelerinde hâlâ “Fındıkkıran”ın klasik balenin babası Marius Petipa tarafından sahnelendiğine dair hatalı bilgiler dolaşıyor. Aslında Petipa yalnızca senaryoyu yazdı ve balenin ilk prodüksiyonu astı Lev Ivanov tarafından gerçekleştirildi. Ivanov imkansız bir görevle karşı karşıyaydı: İtalyan bir konuk sanatçının vazgeçilmez katılımıyla o zamanlar moda olan fantezi bale tarzında yaratılan senaryo, Petipa'nın müziğine tam olarak uygun olarak yazılmış olmasına rağmen Çaykovski'nin müziğiyle açıkça çelişiyordu. talimatlar, büyük bir duygu, dramatik zenginlik ve karmaşık senfonik gelişim ile ayırt edildi. Buna ek olarak, balenin kahramanı genç bir kızdı ve yıldız balerin yalnızca son pas de deux (bir adagio - yavaş bir bölüm, varyasyonlar - solo danslar ve bir coda'dan oluşan bir partnerle düet) için belirlenmişti ( ustaca final)). İlk perdenin ağırlıklı olarak bir pantomim gösterisi olduğu Fındıkkıran'ın ilk prodüksiyonu, bir oyalama eylemi olan ikinci perdeden keskin bir şekilde farklıydı; büyük bir başarı değildi; eleştirmenler yalnızca Kar Tanelerinin Valsini kaydetti (buna 64 dansçı katıldı) ve Aurora'nın dört beyefendiyle dans ettiği, Ivanov'un Uyuyan Güzel'deki Güllü Adagio'sunun ilham kaynağı olan Şeker Perisi ve Boğmaca Prensi'nin Pas de deux'su.

Ancak Çaykovski'nin müziğinin derinliklerine nüfuz edebilen yirminci yüzyılda, "Fındıkkıran" gerçekten fantastik bir geleceğe sahip olacaktı. Sovyetler Birliği'nde, Avrupa ülkelerinde ve ABD'de sayısız bale prodüksiyonu var. Rusya'da, Leningrad Devlet Akademik Opera ve Bale Tiyatrosu'nda (şu anda St. Petersburg'daki Mariinsky Tiyatrosu) Vasily Vainonen'in ve Moskova Bolşoy Tiyatrosu'nda Yuri Grigorovich'in yapımları özellikle popülerdir.

"Romeo ve Juliet"

Bale "Romeo ve Juliet". Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939

Bayan Patrick Campbell, Shakespeare'in Romeo ve Juliet'indeki Juliet rolünde. 1895

"Romeo ve Juliet" balesinin finali. 1940

Müzik S. Prokofiev'e ait, libretto S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky'ye ait. İlk yapım: Brno, Opera ve Bale Tiyatrosu, 1938, koreografisi V. Psota'ya ait. Sonraki yapım: Leningrad, Devlet Akademik Opera ve Bale Tiyatrosu. S. Kirov, 1940, L. Lavrovsky'nin koreografisi.

Ünlü bir Rusça çeviride Shakespeare'e özgü bir ifade şöyle okuyorsa: "Dünyada Romeo ve Juliet'in hikayesinden daha acıklı bir hikaye yoktur", sonra büyük Sergei Prokofiev'in bu olay örgüsü üzerine yazdığı bale hakkında şunları söylediler: “Dünyada Prokofiev'in bale müziğinden daha üzücü bir hikaye yok”. Güzelliği, renk zenginliği ve ifade gücü açısından gerçekten şaşırtıcı olan "Romeo ve Juliet" müziği, ortaya çıktığı dönemde çok karmaşık ve bale için uygun değildi. Bale dansçıları onunla dans etmeyi reddettiler.

Prokofiev müziği 1934'te yazdı ve başlangıçta tiyatro için değil, ünlü Leningrad Akademik Koreografi Okulu'nun 200. yıl dönümünü kutlaması için tasarlanmıştı. 1934'te Leningrad'da Sergei Kirov'un öldürülmesi nedeniyle proje hayata geçirilmedi, ikinci başkentin önde gelen müzikal tiyatrosunda değişiklikler meydana geldi. Romeo ve Juliet'in Moskova Bolşoy'da sahnelenmesi planı da gerçekleşmedi. 1938'de prömiyer Brno'daki tiyatroda gösterildi ve yalnızca iki yıl sonra Prokofiev'in balesi nihayet yazarın memleketinde, o zamanki Kirov Tiyatrosu'nda sahnelendi.

Koreograf Leonid Lavrovsky, Sovyet yetkilileri tarafından büyük memnuniyetle karşılanan "drama bale" türü (1930'lar-50'lerin balesine özgü bir koreografik drama biçimi) çerçevesinde, özenle şekillendirilmiş kalabalıkla etkileyici, heyecan verici bir gösteri yarattı. sahneler ve ince bir şekilde özetlenmiş psikolojik özellikler karakterler. Emrinde, Juliet rolünde eşsiz kalan en sofistike balerin-aktris Galina Ulanova vardı.

Prokofiev'in müziği Batılı koreograflar tarafından hızla takdir edildi. Balenin ilk versiyonları 20. yüzyılın 40'lı yıllarında ortaya çıktı. Yaratıcıları Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) ve Margarita Froman (Zagreb, 1949) idi. “Romeo ve Juliet”in ünlü yapımları Frederick Ashton (Kopenhag, 1955), John Cranko (Milano, 1958), Kenneth MacMillan (Londra, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973)'a aittir.I. Moiseeva, 1958, Yu Grigorovich'in koreografisi, 1968.

Spartak olmadan “Sovyet balesi” kavramı düşünülemez. Bu gerçek bir hit, dönemin sembolü. Sovyet dönemi Marius Petipa'dan ve Moskova ve St. Petersburg İmparatorluk Tiyatrolarından miras kalan geleneksel klasik baleden son derece farklı başka temalar ve görüntüler geliştirdi. Mutlu sonla biten masallar arşivlendi ve yerini kahramanlık öyküleri aldı.

Daha 1941'de, önde gelen Sovyet bestecilerinden biri olan Aram Khachaturian, Bolşoy Tiyatrosu sahnesinde sahnelenecek anıtsal, kahramanca bir performans için müzik yazma niyetinden bahsetti. Bunun teması, Spartacus'un önderlik ettiği bir köle ayaklanması olan antik Roma tarihinden bir bölümdü. Khachaturian, Ermeni, Gürcü, Rus motiflerini kullanarak güzel melodiler ve ateşli ritimlerle dolu renkli bir partisyon yarattı. Prodüksiyon Igor Moiseev tarafından gerçekleştirilecekti.

Eserlerinin seyirciye ulaşması uzun yıllar aldı ve Bolşoy Tiyatrosu'nda değil Tiyatro'da sahnelendi. Kirov. Koreograf Leonid Yakobson, sivri uçlu ayakkabılarla dans etmek, serbest plastiklik kullanmak ve sandalet giyen balerinler dahil olmak üzere klasik balenin geleneksel özelliklerini terk ederek çarpıcı ve yenilikçi bir performans yarattı.

Ancak “Spartacus” balesi, 1968'de koreograf Yuri Grigorovich'in elinde bir hit ve dönemin sembolü haline geldi. Grigorovich, mükemmel bir şekilde inşa edilmiş dramaturjisi, ana karakterlerin karakterlerinin incelikli tasviri, kalabalık sahnelerin ustaca sahnelenmesi ve lirik adagioların saflığı ve güzelliği ile izleyiciyi hayrete düşürdü. Çalışmasını "corps de ballet ile dört solist için bir performans" olarak adlandırdı (corps de ballet, kitlesel dans bölümlerine katılan sanatçılardır). Spartacus'un rolü Vladimir Vasiliev, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova ve Aegina - Nina Timofeeva tarafından canlandırıldı. Bale ağırlıklı olarak erkeklerden oluşuyordu ve bu da "Spartacus" balesini türünün tek örneği kılıyor.

Jacobson ve Grigorovich'in ünlü Spartacus okumalarına ek olarak, balenin yaklaşık 20 prodüksiyonu daha var. Bunlar arasında Prag Balesi için Jiří Blazek'in versiyonu, Budapeşte Balesi için László Szeregi (1968), Arena di Verona için Jüri Vamos (1999), Viyana Devlet Opera Balesi için Renato Zanella (2002), Natalia Kasatkina ve Vladimir yer alıyor. Vasiliev Devlet Akademik Tiyatrosu için Moskova'da klasik baleyi yönetti (2002).

Balenin tarihi İtalya'da Rönesans döneminde başlar. Aristokratlar için hizmetkarları olan müzisyenler ve saraydaki dansçılar tarafından düzenlenen tören gösterilerinden doğdu. O zamanlar bale, on sekiz yaşındaki deneyimsiz bir genç adam gibiydi: beceriksiz ama gözlerinde ateş vardı. Son derece hızlı gelişti. Atölyeye ilk kez kabul edilen ve çırak olarak adlandırılan aynı genç adam gibi.

O zamanlar bale modası tamamen farklıydı: kostümler zamana karşılık geliyordu, tutuş ve sivri ayakkabılar yoktu ve performansın sonunda seyirci buna katılma fırsatı buldu.

Bu ilginç!İtalya'da balenin doğduğu dönemde neredeyse beşten fazla koreograf yoktu. Bu güne kadar sadece üç uzmanın notları hayatta kaldı, bunlardan biri "balenin vaftiz babası" oldu: Domenico da Piacenza, notlarında danslara ballo adını verdi. Sözcük güçlenerek balli ve balletto'ya dönüşerek diğer dans severler tarafından da kullanılmaya başlandı ve sonunda bir sanat olarak balenin kapsamına alındı.

Catherine de Medici, balenin gelişim tarihinde önemli bir figür haline gelir. Bu sanatı İtalya'dan Fransa'ya getiriyor ve davetliler için bir gösteri düzenliyor. Örneğin Polonya'nın büyükelçileri Le Ballet des Polonais adlı büyük prodüksiyonu izleme fırsatı buldu.

Modern baleye gerçekten en yakın şeyin, seyirciyi beş saatten fazla merakta bırakan başyapıt Ballet Comique de la Reine olduğuna inanılıyor. 1581'de kuruldu.

17. yüzyıl

17. yüzyıl balenin gelişiminde yeni bir aşamadır. Basit danstan ayrılarak bağımsız bir sanat haline geldi ve XIV. Louis tarafından tutkuyla desteklendi. Onun için Mazarin, İtalya'dan kralın katılımıyla bale sahneleyen bir koreograf sipariş etti.

1661'de Louis, bale sanatını öğreten İlk Dans Akademisi'ni kurdu. Louis XIV'in ilk koreografı Mösyö Lully, ilk bale okulunun dizginlerini kendi eline aldı. Onun liderliğinde Dans Akademisi gelişti ve tüm bale dünyasının gidişatını belirledi. Baleyi gözlerinde ateş olan genç ve deneyimsiz bir gençten, her yerde tanınan ve saygı duyulan, görkemli, yakışıklı bir adama dönüştürmek için mümkün olan her şeyi yaptı. 1672 yılında onun desteğiyle, bugüne kadar tüm dünyada Paris Opera Balesi olarak bilinen bir dans akademisi kuruldu. Louis XIV'in bir başka saray koreografı Pierre Beauchamp, dans terminolojisi üzerinde çalıştı.

1681, bale tarihinde bir başka önemli yıldı. Bay Lully'nin prodüksiyonuna ilk kez kızlar katıldı. 4 güzel dans dünyasına daldı ve başkalarının önünü açtı. Bu unutulmaz andan itibaren kızlar baleye dahil olmaya başladı.

XVIII yüzyıl

18. yüzyılda bale, dünya çapında zarif dans severlerin kalbini kazanmaya devam etti. Çok sayıda yapım, sahnede "ben" i ifade etmenin yeni biçimleri, şöhret artık dar mahkeme çevrelerinde değil. Bale sanatı Rusya'ya geldi. 1738'de St. Petersburg'da İmparatorluk Bale Okulu açıldı.

Yüzyılın ortasına yaklaştıkça bale sanatı daha da parlaklaştı. Avrupa ona hayran kaldı, üst düzey kişilerin çoğu baleyle ilgileniyordu. Her yerde bale okulları açıldı. Bale modası da gelişti. Kızlar maskelerini çıkardı, kıyafetlerinin tarzı değişti. Artık dansçılar, o zamana kadar imkansız olan adımları atmalarına olanak tanıyan hafif kıyafetler giyiyordu.

19. yüzyıl

19. yüzyılın başında bale teorisi aktif olarak gelişiyordu. 1820'de Carlo Blasis "Dans Sanatının Teorisi ve Uygulaması Üzerine Temel Bir İnceleme" yazdı. Nicelikten niteliğe geçiş başlıyor, ayrıntılara giderek daha fazla önem veriliyor.

Ve 19. yüzyılın başlangıcının baleye getirdiği en önemli şey parmak uçlarınızda dans etmektir. Yenilik büyük bir ilgiyle karşılandı ve koreografların çoğunluğu tarafından benimsendi.

Genel olarak bu yüz yıl bale sanatına çok şey kattı. Bale, yükselen güneş ışınlarında ortaya çıkan yaz rüzgarı gibi alışılmadık derecede hafif ve havadar bir dansa dönüştü. Teori ve pratik el ele ilerledi: birçoğu yayınlandı bilimsel çalışmalar hala bale eğitiminde kullanılmaktadır.

XX yüzyıl

Yirminci yüzyıl Rus balesinin imzası altında geçti. Avrupa ve Amerika'da yüzyılın başında baleye ilgi azalıyordu, ancak Rusya'dan ustaların gelişinden sonra bale sanatına olan sevgi yeniden alevlendi. Rus oyuncular uzun turlar düzenleyerek herkese yeteneklerinin tadını çıkarma fırsatı verdi.

1917 devrimi balenin gelişimini engelleyemedi. Bu arada, alışık olduğumuz bale tutuları da hemen hemen aynı zamanlarda ortaya çıktı ve performanslar daha derin hale geldi.

20. yüzyılda bale sadece aristokratların ve soylu ailelerin sanatı değildir. Bale halkın kullanımına açılıyor.

XXI. Yüzyıl

Günümüzde bale, dansın yardımıyla tüm insani duyguların anlatılabileceği aynı büyülü sanat olmaya devam ediyor. Dünyayla birlikte değişerek ve güncelliğini kaybetmeden gelişmeye ve büyümeye devam ediyor.

Dans sanatının müzikal sahne performansı düzeyine yükseldiği koreografinin en yüksek düzeyi olan bale (Yunanca koreia - dans ve grapho - yazıdan gelir), danstan çok daha sonra, 15. yüzyılda, saray aristokrat sanatı olarak ortaya çıktı. 16. yüzyıllar. "Bale" terimi 16. yüzyılda Rönesans İtalya'sında ortaya çıktı. ve bir performans değil, bir dans bölümü anlamına geliyordu. Bale, balenin ana ifade aracı olan dansın müzikle, dramatik bir temelde - libretto, senaryo, kostüm tasarımcısı, aydınlatma tasarımcısı vb. çalışmalarıyla yakından bağlantılı olduğu sentetik bir sanattır. Bale çeşitlidir: olay örgüsü - klasik anlatı çok perdeli bale, drama bale; olay örgüsüz - senfoni balesi, ruh hali balesi, minyatür. Bale türüne göre komik, kahramanca ve folklor olabilir. 20. yüzyıl baleye yeni formlar getirdi: caz balesi, modern bale.

Dansın kökenleri.

Dans, hareket, jest, esneklik ve yüz ifadeleri yoluyla duyguları ifade etmenin bir yolu olarak ortaya çıktı ve yaşamın çeşitli yönlerine eşlik etti. eski adam(hasat şenliği, düğün töreni, dini ibadetler). Antik tiyatro, sahne dansının ve onun ilham perisi Terpsichore'un bir parçası olduğu antik Yunan Dionysos kültünden doğmuştur. . Helenistik dönemde Pandomim sanatı, hem Orta Çağ'da hem de Rönesans'ta (commedia dell'arte, harlequinades'te) gelişerek ortaya çıktı.

Rönesans, Barok ve Klasisizm'de Bale.

Dansın teatralleşme süreci, özellikle 14.-15. yüzyıllarda İtalya'da yoğun bir şekilde gerçekleşti. İlk dans ustaları ortaya çıktı ve halk dansları temelinde balo salonu ve saray dansları oluştu. İspanya'da, arsa dans sahnesine İngiltere'de deniz dansı (Mağribi dansı) adı verildi - bir maske . 16. yüzyılın ortaları - 17. yüzyılın başlarında. mecazi ortaya çıktı, mecazi geometrik figürlerin (ballo-figurato) kompozisyon türüne göre düzenlenen bir dans. Ünlü Türk kadınlarının balesi Icra edildi 1615, Floransa'daki Medici Dükleri'nin sarayında. Görsel dansta mitolojik ve alegorik karakterler yer alıyor. 16. yüzyılın başından itibaren. Binicilerin müzik, şarkı söyleme ve okuma eşliğinde atların üzerinde zıpladığı binicilik baleleri bilinmektedir ( Rüzgar Turnuvası, 1608,Güzellik savaşı, 1616, Floransa). Binicilik balesinin kökenleri Orta Çağ'daki şövalye turnuvalarına kadar uzanır.

Müzik, söz, dans ve pantomimin birleştiği ilk bale performansı, Circe veya Kraliçe'nin Komedi Balesi, 1581 yılında İtalyan koreograf Baltazarini di Belgioioso tarafından Catherine de Medici'nin (Paris) sarayında sahnelendi. O zamandan beri, Fransa'da saray balesi türü (maskeli balolar, pastoraller, dans eğlenceleri ve ara sahneler) gelişmeye başladı. Bale 16. yüzyıl Tören İspanyol danslarının - pavane, sarabande - performansıyla Barok tarzında muhteşem bir gösteriydi. Louis XIV döneminde, saray bale gösterileri en yüksek ihtişamına ulaştı ve gösteriye bir fantezi karakteri veren sahne efektlerini içeriyordu. Louis XIV'in kendisi de dansın ilham perisine yabancı değildi; 1653'te Güneş rolünü oynadı. Gecenin balesi o andan itibaren kendisine "Güneş Kralı" denildi. Kariyerine dansçı olarak başlayan besteci J.B. Lully de aynı balede dans etti.

Dans, geleneklere göre icra edilmeye başlandığında baleye dönüşmeye başladı. belirli kurallar. Bunlar ilk olarak Lully ile birlikte çalışan ve 1661'de Fransız Dans Akademisi'nin (geleceğin Paris Opera Binası) başkanlığını yapan koreograf Pierre Beauchamp (1637-1705) tarafından formüle edildi. Bacakların ters çevrilmesi (en dehors) ilkesine dayanan asil bir dans tarzının kanonlarını yazdı. Bu pozisyon insan vücuduna farklı yönlerde serbestçe hareket etme fırsatı verdi. Dansçının tüm hareketlerini gruplara ayırdı: squat (plie), atlama (atlama, antrechat, cabriole, jeté) , zıplarken havada asılı kalma yeteneği – yükseklik), rotasyonlar (pirouetler, fouetler), vücut pozisyonları (tutumlar, arabeskler). Bu hareketlerin icrası bacakların beş pozisyonu ve kolların üç pozisyonu (port de bras) temel alınarak gerçekleştirildi. Tüm klasik dans adımları bacakların ve kolların bu pozisyonlarından türetilir. Böylece 18. yüzyılda gelişen balenin oluşumu başladı. ara sahnelerden ve sapmalardan bağımsız sanata doğru.

17. yüzyılda Paris Operası'nda. özel bir tiyatro ve müzik gösterisi türü gerçekleştirildi - besteciler J.B. Lully, A. Campra, J.F. Rameau'nun operaları ve baleleri. Başlangıçta bale topluluğu yalnızca erkekleri içeriyordu. Fransız dansçılar, performans tarzlarındaki zarafet ve zarafet (asalet) ile ünlüydü. İtalyan dansçılar, Paris Operası sahnesine yeni bir dans tarzı getirdiler - virtüöz bir tarz, teknik açıdan karmaşık, atlamalı bir dans tarzı. Erkek sahne dansının kurucularından biri Louis Dupre'dir (1697–1774). Her iki performans stilini dansta birleştiren ilk kişi oydu. Dans tekniğinin artan karmaşıklığı, kadınların kostümünde değişiklik yapılmasını gerektirdi. 18. yüzyılın ilk üçte birinde. Marie Camargo ve Marie Salle, daha önce sadece erkeklerin kullanımına açık olan atlayışları (entrechat) yapmaya başlayan ilk balerinlerdi, bu nedenle ağır çemberleri ve panileri kaldırdılar, ardından eteklerini kısaltıp daha alçak topuklu ayakkabılara geçtiler. 18. yüzyılın ikinci yarısında. Harika dansçılar Gaetan Vestris (1729–1808), Pierre Gardel (1758–1840) ve Auguste Vestris ortaya çıktı. Fransız Devrimi'nin arifesinde moda olan antik tarzda hafif giysiler, bale tekniğinin gelişmesine katkıda bulundu. Bununla birlikte, bale numaralarının içeriği operanın konusu ile gevşek bir şekilde bağlantılıydı ve opera performansı sırasında bir giriş, menüet'e giriş, gavotte ve diğer danslar karakterine sahipti. Olay örgüsüne dayalı bale performansının türü henüz gelişmemiştir.

Aydınlanma Çağında Bale.

Aydınlanma Çağı balenin gelişimindeki dönüm noktalarından biridir. Aydınlanmacılar, bale tiyatrosunun demokratikleşmesi ve reformu için klasisizm geleneklerinin reddedilmesi çağrısında bulundular. Londra'da J. Weaver (1673–1760) ve D. Rich (1691–1761), Viyana'da F. Hilferding (1710–1768) ve G. Angiolini (1731–1803) besteci ve opera reformcusu W. K. Gluck ile birlikte denediler. baleyi dramatik bir performansa benzer bir olay örgüsü performansına dönüştürmek. Bu hareket kendini en iyi şekilde L. Dupre'nin öğrencisi Jean Georges Noverre'nin reformunda ifade etti. Noverre pas d'action (etkili bale) kavramını ortaya attı. Noverre baleyi klasik dramaya benzetti ve bağımsız bir performans olarak ona yönelik yeni bir tutumu teşvik etti. Pandomime büyük önem vererek, aynı zamanda dansın kelime dağarcığını da fakirleştirdi, ancak onun esası solo ve topluluk dansı biçimlerinin geliştirilmesi, çok perdeli bale biçiminin tanıtılması, balenin operadan ayrılmasıydı. Balenin yüksek ve düşük türlere (komik ve trajik) farklılaşması. Dans ve bale ile ilgili mektuplar(1760). En ünlüleri Noverre'nin mitolojik konuları konu alan baleleridir: Admet ve Alceste,Rinaldo ve Armida,Psyche ve Aşk Tanrısı,Herkül'ün ölümü– hepsi J. J. Rodolphe'un müziğine; Medea ve Jason, 1780,Çin balesi, 1778, Aulis'teki Iphigenia- tümü E. Miller'ın müziği, 1793. Noverre'nin mirası 80 bale, 24 opera balesi, 11 eğlenceden oluşuyor. Onun altında, bağımsız bir tiyatro sanatı türü olarak balenin oluşumu tamamlandı.

Bale duygusallığı.

18. yüzyılın ikinci yarısında. Duygusallık çağı geldi. Aydınlanmacılardan farklı olarak duygusallar eserlerinde bir karakter yaratmışlardır. sıradan insan ve eski bir tanrı ya da kahraman değil. Bale tiyatrosu kasaba halkı için halka açık bir gösteri haline geldi ve kendi performans türü ortaya çıktı - komedi ve melodram. Ön planda dansı gölgelere iten, baleyi koreodramaya dönüştüren pantomim vardı. eylemin edebi temeline olan ilginin artmasıyla bağlantılı olarak. İlk bale librettoları ortaya çıktı.

Balelerin kahramanları heceler ve orman ruhları, Willis, Kelt ve Alman folklorundan karakterlerdi. Başında çelenk ve arkasında kanatlar bulunan, dünya dışı bir yaratığı temsil eden beyaz tunikli bir dansçının görüntüsü, Fransız kostüm tasarımcıları I. Leconte, E. Lamy, P. Lormier tarafından icat edildi. Daha sonra "beyaz" terimi ”, “beyaz tunik” balesi ortaya çıktı. Beyaz renk Mutlaklığın rengi, “beyaz bale” ideale duyulan romantik özlemi ifade ediyordu, arabesk içindeki balerin onun grafik formülü haline geldi. Bale dansının rolü arttı, dans ve pantomim, solo, bale topluluğu ve topluluk dansı tek bir bütün halinde birleşti. Parmak tekniğinin gelişmesiyle birlikte hava hareketleri yeni bir dans stili haline geldi.

Romantik bale daha çok edebi kaynaklara dayanıyordu ( Esmeralda, 1844, V. Hugo'dan sonra, Korsan, 1856, J. G. Byron), Katarina, bir soyguncunun kızı, Ts.Puni, 1846). Müziğin rolü arttı ve yazarın müziği haline geldi; önceden bale müziği genellikle kolektif bir eserdi, dansın arka planı ve ritmik eşliği olarak hizmet ediyordu ve performansın havasını yaratıyordu. Romantizmin bale müziği bizzat drama yaratmış ve karakterlere yaratıcı müzikal özellikler kazandırmıştır.

Romantik balenin zirvesi Giselle(1841), Paris Operası'nda J. Coralli ve J. Perrot tarafından, T. Gautier'in librettosundan A. Adam'ın müziğine dayanarak sahnelendi. İÇİNDE Giselle müzik, pantomim ve dansın birliği sağlandı. Pantomime ek olarak, performansın aksiyonu müzikal ve koreografik ana motiflerle geliştirildi ve melodinin tonlama ifadesi, karakterlere müzikal özellikler kazandırdı. Adam, bale müziğini senfonileştirme sürecine başladı ve onu senfonik müziğin doğasında bulunan ifade araçlarıyla zenginleştirdi.

M. Taglioni ve F. Elsler romantik balenin en büyük temsilcileri ve rakipleridir. Bireysellikleri romantizmin iki dalına karşılık gelir: irrasyonel (fantastik) ve kahramanca-egzotik. İtalyan Maria Taglioni ilk yönü temsil ediyordu, Sylphide'ı romantik balenin sembolü haline geldi, dansında zarafet, uçuş ve şiir vardı. Avusturyalı balerin Fanny Elsler'in dansı mizaç, çeviklik ve ustalık ile karakterize edildi; romantik balenin kahramanca-egzotik yönünü temsil ediyordu. Karakter dansçısı olarak İspanyol cachacha, Polonya Krakowiak ve İtalyan tarantella danslarını gerçekleştirdi. Diğer öne çıkan romantik dansçılar: Carlotta Grisi, Fanny Cerrito (1817–1909), Lucile Gran (1819–1907). Giselle rolünün ilk oyuncusu olan Grisi, aynı zamanda Ts. Puni'nin balesinde ana rolü oynamasıyla da ünlendi. Esmeralda. 1845'te Perrault ünlü saptırma eserini besteledi. Pas de quadre(Ts. Puni'nin müziği), Taglioni, Elsler, Grisi, Cerrito'nun aynı anda performans sergilediği.

Danimarka şubesi, bale romantizmi tarihinde, özellikle de August Bournonville'in çalışmalarında ayrı bir yere sahiptir. 1836'da kendi versiyonunu yarattı heceler H.S. Lowenskiöld'ün müziği. Danimarka romantik balesi (romantizmin fonunda Biedermeier stili), pandomimin büyük bir rol oynadığı ve erkek dansına daha fazla önem verildiği, parmak tekniğinin daha az kullanıldığı ve kadın rollerinin ikincil olduğu, folklor motifleriyle daha dünyevi ve oda tarzıdır. Bu özellikler aynı zamanda günümüzün Danimarka balesinin de karakteristik özelliğidir. 1830'da Bournoville, Kraliyet Kopenhag Tiyatrosu grubuna başkanlık etti ve 50 yıl boyunca birçok bale yarattı. Erkek dans tekniği Avrupa'nın önde gelenlerinden biri olmaya devam ediyor.

Kısa romantizm döneminin başladığına inanılıyor en iyi dönem Avrupa balesinin tüm tarihi. Daha önce balenin sembolü Terpsichore idiyse, romantizm döneminden itibaren sylph, cip haline geldi. Bale romantizmi Rusya'da en uzun süre vardı (kuğu sahneleri kuğu Gölü ve kar tanelerinin dansı Fındıkkıran'da L. Ivanova, gölge eylemi La Bayadere,Firavun'un Kızları Ve Raymond M. Petipa). 19. ve 20. yüzyılların başında. Romantizm yeniden doğdu Chopinliler M.M. Fokina. Bu, başka bir dönemin romantizmiydi - izlenimcilik çağı. Romantik bale türü 20. yüzyılın ikinci yarısına kadar devam etti. ( Yapraklar soluyor E. Tudor'dan A. Dvorak'ın müziğine, Partilerde dans etmek J. Robbins'ten F. Chopin'in müziğine).

19. yüzyılın ikinci yarısında bale. (akademisizm, izlenimcilik, modernizm).

Gerçekçilik diğer sanat türlerine geldiğinde, Avrupa balesi kendisini bir kriz ve gerileme durumunda buldu. İçeriğini ve bütünlüğünü yitirdi ve yerini fantezi (İtalya), müzik salonu (İngiltere) aldı. Fransa'da kanıtlanmış şema ve tekniklerin korunması aşamasına geçti. Bale, büyük bale ve akademik bale estetiğinin geliştiği yaratıcılık karakterini yalnızca Rusya'da korudu - karmaşık dans kompozisyonları, virtüöz topluluk ve solo parçalarla anıtsal bir performans. Akademik bale estetiğinin yaratıcısı, 1847'de Rusya'ya gelen Fransız dansçı Marius Petipa'dır. L.I. Ivanov (1834–1901) ve besteciler P.I. Tchaikovsky ve A.K. Glazunov ile birlikte yarattığı baleler uyuyan güzel(1890), Fındıkkıran (1892), kuğu Gölü (1895) Raymonda (1898), Mevsimler(1900) klasik senfonik balenin zirvesi haline geldi ve koreografik kültürün merkezini Rusya'ya taşıdı.

19. ve 20. yüzyılların başında. izlenimcilik ve serbest dans hareketleri (modern, Duncanizm, ritmik dans) koreografiye nüfuz etti. Modern dans 19. ve 20. yüzyılların başında ortaya çıktı. ABD ve Almanya'da. Modern koreografi, geleneksel bale formlarını reddetti ve bunların yerine serbest dans, ritmik esneklik ve müziğin sezgisel yorumunu getirdi. Eğer klasik bale okulu dışa doğru dönme (en dehors) üzerine kuruluysa, modern bale ekolü ayak parmaklarının içe doğru (en dedans) pozisyonuna izin verir. Modern, parmak tekniklerini, sıçramaları ve kaymaları kullanmaz, ancak vücudun kıvrımlarını, omuzların ve kalçaların hareketliliğini ve ellerin ifadesini aktif olarak geliştirir. Modernitenin ideologları Fransız teorisyen F. Delsarte (1811–1871), güncellenmiş antikliğiyle Amerikalı dansçı Isadora Duncan ve ritmik ve ritmik dans sistemiyle E. J. Dalcroze (1865–1914) idi. Müziğin dans üzerindeki bölünmez hakimiyetini ilan ettiler. Duncanizm ise Rus koreograf M. M. Fokin'in çalışmalarıyla temsil edilen bale izlenimciliğini etkiledi. Yeni bir bale estetiğine dönüş, S.P. Diaghilev'in faaliyetiydi. Onun düzenlediği Rus Mevsimleri (1909–1911) ve Rus Bale topluluğu (1911–1929), dünya balesinin gelişimi üzerinde büyük bir etkiye sahipti.

20. YÜZYILIN DÜNYA BALESİ

20. yüzyılın bale tarihi. Rus klasik bale geleneklerinin Avrupalı ​​​​bale topluluklarıyla asimilasyon süreçleriyle karakterize edilir. Öne çıkan trendler mecazi, olay örgüsü olmayan, senfonik, serbest ritmik, modern dans, halk, gündelik, spor ve caz sözcük dağarcığıdır. 20. yüzyılın ikinci yarısında. Postmodernizm gelişiyor; sinema ve fotoğraf projeksiyonları, ışık ve ses efektleri, elektronik müzik, olaylar (seyircilerin bale katılımı) vb. kullanımını içeren ifade araçlarının cephaneliği gelişiyor. Dansçının sahnedeki nesnelerle ve sahnenin kendisiyle "temas kurduğu" bir tür temas koreografisi ortaya çıktı. Tek perdelik minyatür bale (kısa öykü, ruh hali balesi) hakimdir. Koreografi kültürünün en gelişmiş olduğu ülkeler İngiltere, ABD, Fransa ve SSCB'dir. Dünya balesinin gelişiminde önemli bir rol, Rus göçünün ikinci dalgasının dansçıları (R. Nureyev, N. Makarova, M. Baryshnikov) ve Batı'da sözleşmeli olarak çalışan Rus okulunun dansçıları (M. Plisetskaya) tarafından oynandı. , A. Asylmuratova (d. 1961), N. Ananiashvili (d. 1963), V. Malakhov (d. 1968), A. Ratmansky (d. 1968) Ekspresyonist ve ardından postmodern bale, Almanya, Hollanda ve İsveç'te gelişti.

1964 yılında bale yarışmaları yapılmaya başlandı.

Fransa.

1920'lerde ve 1930'larda Fransa, Diaghilev'in Rus Bale topluluğu ve ondan doğan grupların 1929'a kadar çalıştığı Avrupa bale sanatının merkezi haline geldi. Fokine'nin gelenekleri, Monte Carlo ve Paris topluluklarına başkanlık eden L.F. Myasine, B.F. Nizhinskaya, S.M. Lifar tarafından geliştirildi. 20. yüzyılın ikinci yarısında. Fransa baleye Maurice Béjart ve Roland Petit gibi orijinal koreografları verdi.

J. Balanchine, 1933'te ABD'ye gitmeden önce Fransa'da çalıştı. 1932-1933'te "Balle Rus de Monte Carlo" grubunu kurdu ( Asilzade esnaf R.Strauss, Mozartiana P. Çaykovski). Balanchine'in ayrılmasından sonra, topluluğa V.G. Voskresensky (de Basil) başkanlık etti, topluluğa “Balle Russe de Monte Carlo Colonel de Basil” adı verilmeye başlandı (1939'dan 1962'ye kadar ABD'de çalıştı, 1938-1948'de Massine olarak görev yaptı). Diaghilev'in balelerini koruma görevini üstlenen grubun koreografı). 1944-1947'de Lifar, "Yeni Rus Monte Carlo Balesi" ne başkanlık etti, 1947'den beri "Marquis de Cuevas'ın Nouveau Russe de Monte Carlo Balesi" olarak tanındı.

1930-1959'da, 1944-1947 savaşına ara verilmesiyle birlikte, Paris Opera grubuna, burada neoklasik tarzda 50 bale sahneleyen, klasik dansı modernize eden ve onu özgür, folklor ve dans unsurlarıyla birleştiren Serge Lifar başkanlık ediyordu. günlük dans. O dönemin en ünlü balerinleri: Kariyerine Balanchine'le başlayan ve 1972'de Lifar'ın öğrencisi Claude Bessy (d. 1932) balerinlerde büyük başarı elde etti. Bolero M. Bejara, aynı yıl - opera binasındaki bale okulunun müdürü ve lirik dansçı Yvette Chauvire ( d.1917), Giselle rolünü oynamasıyla ünlü. Koreografik yenilikler Opera duvarlarının dışında gelişti, ancak 1970'lerden beri Balanchine, D. Robbins, G. Tetley, P. Taylor, M. Cunningham ve Yu. N. Grigorovich'in baleleri burada sahnelendi. 1983-1989'da Paris Operası bale grubunun başkanı Sovyet dansçı R.H.Nureyev yine Rusya'nın yerlisi oldu, orada bir dizi klasik bale sahneledi ve aynı zamanda zamanımızın en büyük koreograflarından biri olan W.'yi davet etti. Forsyth, o zamanlar bir bale müzesine dönüşen tiyatronun dans grubuna hayat veren yeni bir ruhla işbirliği yaptı. Opera dansçıları arasında Sylvie Guillem (d. 1965) ve Isabelle Guerin (d. 1961) meşhur oldu. Seçkin klasik dansçı Patrick Dupont (d. 1957), 1990-1995 yılları arasında topluluğu yönetti.

Maurice Béjart, 1950'lerde Etoile Balesi'nde çalışmaya başladı. 1960'tan beri “20. Yüzyıl Balesi”ne, 1987'den beri Lozan'daki “Béjart Balesi”ne başkanlık ediyor. Balede kendi plastik dilini yaratıyor ve karar veriyor felsefi problemler, dolayısıyla onun ilgisi doğu dünyası ve dans: Bakti 1968 Hint müziği üzerine, Bizim Faust'umuz ulusal müziğe, 1975, Nijinsky, Tanrı'nın palyaçosu müziği P. Henri ve P. Tchaikovsky'ye ait, 1971. Bejart'ın baş dansçısı, erken ölen Arjantinli Jorge Donn'du (1947–1992). Bejart onun anısına bale adadı Papaz Evi,Yaşam boyu bale,Tango ya da Jorge Donna'ya bir gül. 1972'de oluşturuldu Gezgin Çırağın Şarkıları Nureyev için. Bejart'ın koreografisi plastik metafor, hızlı ritim ve kitlesel erkek dansının önceliğiyle karakterize ediliyor. Balelerin en ünlü orijinal baskıları Kutsal bahar(1959) ve Ateş kuşu I. Stravinsky (1970), Bolero M. Ravel (1961). Bale eğitiminin psikoloji ve modern felsefe çalışmalarına dayandığı Mudra okulunu düzenledi.

1945–1951'de Roland Petit, Ballet des Champs-Élysées'yi ve 1949–1967'de Paris Balesi'ni kurdu. En iyi eserler arasında: Gençlik ve Ölüm J.S.Bach, 1946, Carmen J.Bizet , 1949, Notre Dame Katedrali, 1965. Petit dramatik bale türünde çalışıyor, dinamik bir olay örgüsüne, canlı görüntülere ve teatralliğe yöneliyor, kalabalık sahneleri ustaca sahneliyor ve kelime dağarcığında klasik ve caz dansının bir kombinasyonunu kullanıyor. Dansçıları arasında şunlar meşhur oldu: Zizi Zhanmer (d. 1924, sanatçı) Carmen aynı adlı balede), Jean Babile (d. 1923, 1950'lerin kült balesinde ana rolün icracısı) Gençlik ve Ölüm). 1972'de Petit Marsilya Balesi'ni düzenledi ( Yıldızları aydınlat, 1972, Hasta Gül 1973'te Plisetskaya için sahnelenen G. Mahler, Pembe Floyd, 1973, Bir meleğin anısına A. Berg, 1977, klasik balenin kendi versiyonları Coppelia, 1975 ve Fındıkkıran, 1976). Paris Operası'nda senfonik baleler sahnelendi Fantastik Senfoni G. Berliöz, 1974, Aydınlanmış gece A. Schoenberg, 1976.

Pierre Lacotte (d. 1932), 1955–1956 ve 1959–1962'de Eyfel Kulesi Balesi'nin yönetmeniydi. 1963-1968'de Fransız Müzikal Gençliği Ulusal Balesi'nin, ardından Monte Carlo Bale grubunun direktörlüğünü yaptı, 2001 yılına kadar Nancy Ulusal Balesi'ne başkanlık etti, Fransız balesinin klasik mirasında uzman, incelikli bale ustaları stilizasyon sanatı, romantik bale ruhunun yeniden inşası (filmler-televizyon için baleler) Cesur Avrupa A. Campra, balenin restorasyonu Sülfit J. Schneitzhoffer, Kamelyalı bayan G.Verdi, 1977). Ona “bale arkeologu” deniyor.

Art Nouveau hareketi temsil ediliyor « Modern Bale Tiyatrosu "J. Roussillo (d. 1941), 1972'de düzenlendi. Postmodern topluluklar arasında, M. Cunningham'ın öğrencisi olan A. Preljocaj topluluğu (d. 1957, topluluk - 1984'ten beri) ( Beyaz gözyaşları, 1985, Kahramanlarımızın anısına, 1986, süzülüyorum müzik W.A. Mozart, 1994).

Büyük Britanya.

20. yüzyılın İngiliz balesi. soyunun izleri A. Pavlova ve Marie Rambert (1888–1982) ile Diaghilev için çalışan Ninette de Valois'nin okuluna kadar uzanır. 1920'de E. J. Dalcroze'un ritmik dans sisteminin takipçisi Marie Rambert'in Okulu açıldı. Okulundan, 1930'da Rambert Bale topluluğunu kuran F. Ashton ve E. Tudor geldi. 1926'da Valois, 1942'de Sadler's Wells Bale grubunun ve 1957'den itibaren Büyük Britanya Kraliyet Balesinin ortaya çıktığı Londra'da Koreografi Sanatları Akademisi'ni açtı. Valois, 1983 yılına kadar bu balenin direktörlüğünü yaptı. 1935'ten beri Kraliyet Balesi'nin önde gelen koreografı, katı, ölçülü ve şiirsel İngiliz klasik dans tarzını yaratan Frederick Ashton'dur. St. Petersburg İmparatorluk Bale Okulu'nda öğretmenlik yapan ve Pavlova, T. Karsavina, M. Fokine, V. Nijinsky gibi kişileri yetiştiren E. Cecchetti'nin okuluna dayanmaktadır. Uzun bir süre boyunca Ashton'ın önde gelen balerini, kariyeri Nureyev'le yaptığı efsanevi düette beklenmedik bir şekilde yeniden doğan Margot Fonteyn'di; birlikte bir dizi klasik balenin yanı sıra koreografisi Ashton tarafından özel olarak yapılan bir bale dansı yaptılar. Margarita ve Arman dayalı Kamelyalı bayanlar A. Dumas'tan F. Liszt'in müziğine, 1963. Ashton'ın prodüksiyonları şunları içerir: Cephe, 1931 W.Walton, Yersiz bir önlem, 1960 F.Herold, Yemek yeme, 1958 HW Henze, Köyde bir ay, 1976 F. Chopin, olaysız baleler Senfonik Varyasyonlar, 1946 S.Frank, Monotonluk, 1965–1966 E. Satie, çok perdeli kül kedisi S. Prokofiev, 1948, M. Fontaine ile birlikte – Rüya, 1964 F. Mendelssohn. 1970 yılında Ashton tiyatroda yaratıldı " Yeni Grup"Avangard yapımlar için. Balede psikolojik dramanın yaratıcısı Anthony Tudor (1908–1987), ABD'ye gidene kadar (1939) tiyatroda çalıştı ve orada sahneledi. Leylak Bahçesi E. Chausson'un müziğine, 1936, Kasvetli Ağıtlar müzik Ölen çocuklarla ilgili şarkılar G.Malera, 1937.

1970-1977 yılları arasında topluluk Kenneth MacMillan tarafından yönetildi. Dramatik bale türünün ortaya çıkışı onun adıyla ilişkilidir. Onun tarzı, Cecchetti ekolünün akrobasi ve karmaşık kaldırma hareketleriyle birleşimidir; koreografisinin gelişmişliği ile karakterize edilir. Onun balesi Romeo ve Juliet(Prokofiev'in müziği, 1965, yine Fontaine ve Nureyev için yaratılmıştır) bir kült klasik haline geldi. Bale Manon(1974, J. Massenet'in müziğine), Konser dansları Stravinsky 1955, Nora,veya A. Frank'in Günlüğü, 1958, Anastasya A.Sullivan, 1971, Mayerling F. Liste, 1978, Isadora R. Bennett, 1981; Pagodaların Prensi B. Britten, 1989, daha sonra sinemada kariyer yapacak olan Christopher Gable (1940–1998) ile düet yapan MacMillan'ın önde gelen balerini Lynn Seymour (d. 1939) için yaratıldı. MacMillan'ın balelerinde virtüöz Anthony Dowell, Antoniet Sibley ve Alexandra Ferri (d. 1967) ile birlikte dans etti. Ulusal kültüre yaptığı katkılardan dolayı Macmillan, Sir unvanını aldı. Aynı yıllarda toplulukta saatlerce süren anlatı balelerinin yönetmeni olarak bilinen John Cranko çalıştı ( Leydi ve Soytarı Verdi, 1954). Cranko, 1960'lardan bu yana Almanya'da çalıştı ve Avrupa'nın en eski balesi olan Stuttgart Balesi'nin başkanlığını yaptı. MacMillan ayrıldıktan sonra serbest dans fikirleri tiyatroda öncelik haline geldi. Grubun eski dansçıları Norman Morris (d. 1931), Anthony Dowell (1986'dan beri gruba liderlik ediyor), David Bintley (d. 1957), Balanchine, Robbins ve Forsythe'nin prodüksiyonlarını repertuvara ekledi. Tiyatronun önde gelen dansçıları arasında Beryl Gray (d. 1927), Robert Helpman (1909–1986) ve Moira Shearer (d. 1926) da vardı.

Birleşik Krallık'taki diğer topluluklar arasında şunlar bulunmaktadır: 1949'da eski Diaghilev dansçıları Alicia Markova ve Anton Dolin (1904–1983) tarafından kurulan bir topluluktan doğan Birmingham Kraliyet Balesi ve Londra Bale Festivali. Balle Rambert topluluğu çalışmaya devam ediyor. İlk başta repertuvarı klasik balenin orijinallerini korudu ve 1966'dan itibaren modern dans tarzındaki çalışmalara öncelik verildi. 1987'de Richard Alston (d. 1948), Amerikalı modernist koreograf Merce Cunningham'ın fikirlerini geliştirerek grubun başına geçti. 1967'de M. Graham'ın öğrencisi R. Cohen, Graham'ın birçok balesini sahnelediği Londra Çağdaş Dans Tiyatrosu'nu kurdu. Tiyatro, Londra Modern Dans Çalışmaları Merkezi'nin bir parçasıdır.

AMERİKA BİRLEŞİK DEVLETLERİ.

Amerikan balesinin ana başarısı, Petrograd Tiyatro Okulu mezunu, Rusya vatandaşı George Balanchine'in eseridir. Koreografide yeni bir yön yarattı - neoklasik tarzda senfonik olay örgüsü olmayan bir bale, kendi kendine yeten bir koreografik performans (bazen libretto, senaryo ve kostümler olmadan). Balanchine'in çalışmaları hakkında büyük etki Danimarka koreografi ekolü de incelik, canlı hafif ayak hareketleri (Bournonville kaldırmaları), hızlı yön değişiklikleri ve artan hareket ritimleri için çabalayarak katkıda bulundu. ABD'deki en büyük dans tiyatroları - New York City Ballet ve American Ballet Theatre - Rus klasik ve Amerikan (modern dans, akrobatik, caz, günlük kelime dağarcığı) geleneklerinin etkileşimi sonucu doğdu. Amerikan balesinin önde gelen eğilimi olay örgüsünden uzak ve metaforik, tek perdelik oda balesi olmaya devam ediyor.

Balanchine 1933'te ABD'ye geldiğinde, Amerikan koreografisinin önde gelen yönü, halk rengine sahip, zenci ve Hint danslarının motiflerini (vücut kıvrımları, danslar, danslar) içeren modern danstı. dönme hareketleri kalçalar, topluluk dansının soloya göre önceliği). Modern dans, 1915'te Los Angeles'ta Denishawn Dans Okulu'nu kuran koreograflar Ruth St. Denis ve Ted Shawn (1891–1972) tarafından geliştirildi. 1926'da kendi grubunu kuran ve özel bir dans tekniği geliştiren en tanınmış balerin ve koreograf Martha Graham da dahil olmak üzere birçok Amerikalı koreograf burada çalıştı. Koreograflar D. Humphrey, H. Limon, A. de Mille, R. Page, siyahi ve Hint folklorunu kullanarak tür baleleri yarattılar. Öte yandan, Rus göçmen sanatçılar sayesinde Amerikan halkı klasik baleyle tanıştı: ABD'de Rus dansçılar M. Fokin, A. Bolm, M. Mordkin'in stüdyoları çalıştı; B. G. Romanov (1891–1957), Metropolitan Opera Tiyatrosu'nun (1938–1942, 1945–1950) bale grubuna başkanlık etti, 1939'da Balle Russe de Monte Carlo topluluğu (V. G. Voskresensky'nin topluluğu) ABD'ye geldi -de Basil), önderlik etti 1938–1948'de LF Myasin tarafından. Modernitenin ulusal ve klasik gelenekle birleşimi Balanchine'in tarzını oluşturdu. Balanchine, 1934'te hayırsever Leonard Kernstein (1907–1996) ile birlikte Amerikan Bale Okulu'nu ve onun temelinde New York City Bale Tiyatrosu'nu kurdu. Tiyatro, 2004 yılında kurucusunun doğumunun yüzüncü yılını ve 70. yılını kutladı. İlk baleler Amerikan temalarına dayanıyordu ( Gaz istasyonu, 1938, L. Christensen tarafından W. Thomson'ın müziğine, Billy adam Yu.Loringa, Apalachee'de Bahar, Rodeo A. de Mille, müzik. A. Copland), ancak kısa süre sonra tiyatro, topluluk için 50 bale sahnelediği Balanchine House'a dönüştü. Bunlar çoğunlukla olay örgüsü olmayan balelerdir: Dört Mizaç P. Hindemith, 1946, Serenat, 1934, Konçerto Barok J.S.Bach, 1940, Do majör senfoni veya Kristal Saray J. Bizet, 1947, aşk şarkıları– J. Brahms'ın müziğe valsleri, 1960, III süit P. Tchaikovsky, 1970, Amerikan müziği dahil: Uzak Batı Senfonileri H.Key, 1954, Önemli mi J. Gershwin, 1970. Balanchine'in neoklasik estetiğinin temeli, müzikal imgenin ifade gücünden doğan dans ifadesidir. Balanchine de Bejart gibi toplu dans sahneleme ustasıydı ancak kadın dansına öncelik verdi ve şöyle dedi: "Bale bir kadındır." En sevdiği besteci Diaghilev'le çalıştığından beri birlikte çalıştığı Stravinsky'ydi. 1925–1972 döneminde Balanchine, aralarında Stravinsky'nin 27 balesini sahneledi: Agon, 1957, Ateş kuşu, 1949, Pulcinella, 1972, Takı (Yakutlar), 1967. Bir koreograf ile besteci arasındaki böylesine verimli bir işbirliğinin bir benzeri, Petipa'nın Çaykovski ile birlikteliğinde bulunabilir. Balanchine'in önde gelen dansçıları: André Eglevsky (1917–1977), Edouard Villela, Melicia Hayden (d. 1923), Maria Tallchief, Diana Adams, Tanaquil Le Claire (d. 1929), Violet Verdi, Allegra Kent (d. 1938), Karin von Aroldingen (d. 1941), Patricia McBride, Susan Farrell, Merrill Ashley. Balanchine'in öğrencisi Jerome Robbins (1918–1998), folklor unsurları ve günlük sözcükler içeren caz dansının yaratıcısı olarak bilinir. Sahnelenen baleler: Kıyıdaki denizciler L. Bernstein, 1944, Faks, 1946, Hücre müzik Yaylı Çalgılar için Basel Konçertosu Stravinsky, 1951, yeni baskı Bir Faun'un Öğleden Sonra Dinlenmesi (1953), Konser Chopin'in müziğine, 1956, romantik bale Partide dans etmek Chopin'in müziğine, koreografik versiyonu Goldberg Çeşitleri Bach, 1971, Su Değirmeni T. Ito'nun müziğine. Müzikalleri yaygın olarak biliniyor: Komik kız, çatıdaki kemancı 1964, Batı Yakası Hikayesi, 1957. Robbins, 1950'lerde ve 1960'larda Broadway'de yoğun bir şekilde çalıştı. Balanchine'in 1983'teki ölümünden sonra gruba P. Martins ile birlikte başkanlık etti. Balanchine'in halefi Danimarkalı dansçı Peter Martins, S. Farrell'la yaptığı düetle ünlendi; koreografın baleleri nasıl sahnelediği: Gece sahne aydınlatması altında Charles Ives, 1978, Kendinden geçmiş turuncu, 1987, Siyah ve beyaz, 1986, Eko, 1989, Kül, 1991 M. Thorpe. 1991'de Martins ilk kez Batı'da kabul edilen tamamen kesintisiz bir bale sahneledi. Uyuyan güzel.

Amerikan Bale Tiyatrosu, 1939'da Lucia Chase tarafından kuruldu., hayırsever ve balerin, M. Mordkin'in öğrencisi. Chase tiyatroyu 1980 yılına kadar yönetti. Eğer New York Şehir Balesi bir yazarın tiyatrosuysa, Amerikan Bale Tiyatrosu da birçok koreografın oluşturduğu uluslararası bir yaratımdır. Tiyatronun temeli, kuruluşundan bu yana tiyatroda sanat yönetmeni (1939–1950 ve 1974'ten beri) olarak çalışan İngiliz koreograf Anthony Tudor tarafından atıldı. Sözde kurucusu Psikolojik balede (“insan kederinin koreografı” olarak anılırdı) Tudor, bilinçaltı dünyasıyla ilgilenmiş ve insanın iç dünyasına hitap ederken modernitenin kelime dağarcığını kullanmıştır ( Ateş Sütunu A. Schoenberg'in müziği, 1942, Nora Kay ile, Düşük akım R. Schumann , 1945, Romeo ve Juliet F. Dilius, 1943, Hugh Lang ile). 1975'te, ABD'de Giselle rolünü en iyi icra eden kişi olarak tanınan Gelsey Kirkland (d. 1952) için olaysız romantik bir bale sahneledi. Yapraklar soluyor A. Dvorak'ın müziğine. Tudor'un önde gelen dansçıları Nora Kay (1920–1989) ve Hugh Lang (1911–1988) idi. K. MacMillan, D. Robbins ve modern koreograflar Glen Tetley (d. 1926), Birgit Kullberg (d. 1908) ve Tuayla Tharp (d. 1942) da tiyatroda çalıştı. Yıllar boyunca tiyatronun önde gelen dansçıları şunlardı: Alicia Alonso, John Kriza (1919–1975), Igor Yuskevich (1912–1994) ve Alicia Markova; Tony Lander'ın (1931–1985) , Sally Wilson (d. 1932), Bruce Marks (d. 1937), Roy Fernandez (1929–1980), Lupe Serrano (d. 1930) ) ,Scott Douglas (1927–1996), Cynthia Gregory, Martina Van Hamel (d. 1945), Fernando Bujones, Natalya Makarova, Rudolf Nureyev, Dane Eric Brun, Carla Fracci (d. 1936), Ivan Nagy (d. 1943), V.A.Malakhov.

1980-1989'da grubun sanat yönetmeni Mikhail Baryshnikov, yardımcısı K. McMillan'dı. Bu dönemde “Modern dansın Mozart'ı” ününü kazanan koreograf M. Morris'in (d. 1955) ünlü prodüksiyonu gerçekleştirildi. Bana sadece gözlerinle iç W. Thomson'ın müziğine. Macmillan devam etti Romeo ve Juliet, N. Makarova düzenlemesini gerçekleştirdi Bayadères Minkus (1980). Baryshnikov'un daveti üzerine, 1989 yılında Kirov Tiyatrosu balerini I. Kolpakova (d. 1933) grupta öğretmen olarak çalıştı.

19. yüzyılda ise. Amerikan balesi 20. yüzyılın ikinci yarısında yeni ortaya çıkıyordu. Ülke 20. yüzyılda bir bale patlaması yaşıyordu. ve oldukça gelişmiş bir koreografi kültürüne sahip bir ülkeye dönüştü. 1945'te 25 topluluk vardı, ancak bu sayı kısa sürede 250'ye çıktı. Yalnızca New York'ta birkaç topluluk faaliyet gösteriyor (Tuyla Tharp'ın modern tiyatroları, Robert Joffrey'in (d. 1930) Joffrey Balesi, Arthur Mitchell'in Afro-Amerikan Harlem Dans Tiyatrosu , « Balle Feld", Eliot Feld, b. 1942, vb.). Büyük şehirlerin kendi bale toplulukları vardır: Maria Tallchief tarafından kurulan Chicago Ballet, San Francisco Ballet, Boston Ballet, Miami Ballet, Philadelphia Littlefield Ballet vb.

Almanya.

Diğer Avrupa ülkelerinin balesinden farklı olarak, Rus dans okulunun etkisi Almanca'da daha az belirgindir. 20. yüzyılın başında. Almanya ve Avusturya'da sanatın her türünde dışavurumculuk gelişti. Modern dans tekniklerine dayanarak, koreograflar R. Laban (1879–1958), K. Joss'un çalışmalarıyla temsil edilen dışavurumcu bale geliştirildi. ( 1901–1979), M. Wigman ve öğrencileri H. Holm (1898–1992), G. Palucchi (1902–1992). Güzel hareketleri terk edip bunların yerine kırık çizgiler ve kaba formlar koydular. Bu tarzın en ünlü eseri K. Joss'un savaş karşıtı balesiydi. Yeşil masa, 1932. 1920-1930'larda, Bauhaus okulunun yapılandırmacılığı teşvik eden fikirleri Almanya'da da popülerdi. ve dansı hassas bir şekilde hesaplanmış bir yapı ve duygusal renklendirmeden yoksun akrobatik bir egzersiz olarak görüyordu. Bu yön, ifadesini V. Scoronel'in çalışmalarında buldu.

20. yüzyılın ikinci yarısında. Almanya'da moderniteye olan ilgi postmodern deneylere dönüştü. Modern Alman balesinin ayırt edici bir özelliği Amerikalı, Hollandalı ve Çek koreografların koreografik fikirlerinin kullanılmasıdır. 1961'de Stuttgart Balesi'ne J. Cranko başkanlık etti. Balelerinin tarzı 1930'lu ve 1940'lı yılların Sovyet koreodramını anımsatıyordu; bunlar çok perdeli anlatı eserleridir: Romeo ve Juliet (1962) Prokofiev'in müziğine, Onegin(1965) K.H. Stolze tarafından düzenlenen Çaykovski'nin müziğine, Farenin Evcilleştirilmesi(1969) A. Scarlatti'nin müziğine, seçkin Marcia Heide (d. 1939) - Richard Cragan (d. 1944) düetinin katılımıyla aynı düzenlemede. Cranko, William Forsyth (d. 1949), John Neumeier (d. 1942) ve Jiri Kylian'ın büyüdüğü deneysel bir yaratıcı atölye yarattı. Cranko'nun ölümünden sonra gruba, Cranko'ya adanmış bir bale sahnelemesiyle tanınan Holm'un öğrencisi olan modern koreograf Glen Tetley (d. 1926) başkanlık etti. Gönüllü(1973) F. Poulenc ve kendi baskısı Bahar Ayini Stravinsky. Amerikalı koreograf Neumeier, 1960'lı ve 1970'li yıllarda Stuttgart Balesi'nde çalıştı ve Hamburg ve Frankfurt tiyatrolarını yönetti. Çok saatlik balelerde (dört saatlik bir bale) uyguladığı dini ve felsefi temalara kendini adamıştır. Aziz Matthew Tutkusu, 1981). Diğer yapımlar arasında şunlar yer alıyor: Ayrı seyahatler Berbera (1968), Rondo (1970), Romeo ve Juliet (1971), Fındıkkıran (1972), Alacakaranlık A. Scriabin (1972), uyuyan güzel, AğıtÇaykovski (1978), Ariel Mozart'ın Dördüncü Senfoni Mahler (1977). Forsythe, postmodernizmin bir bale ideoloğu, Frankfurt Balesi'nin direktörüdür ve kendisine genellikle 21. yüzyılın Balanchine'i denir. Koreografisi çağrışımlara dayanıyor; dans genellikle metinleri, sinemayı ve fotoğraf projeksiyonlarını içeriyor. Bale böyledir Aşk şarkıları(1979) halk müziği ve Ortada, belli bir yükseklikte 1988 yılında Nureyev'in davetlisi olarak Paris Operası'nda sahnelediği L. Stuck ve T. Willems'in müziklerine. Forsyth, Willems'in elektronik müziğini ilk kullananlardan biriydi. Modern koreografi, K. Joss, P. Taylor, E. Tudor'un öğrencisi olan ve eşzamanlı olarak dışavurumcu geleneği geliştiren “Dans Tiyatrosu” (Wuppertal, 1971'den beri) ile Pina Bausch'un (d. 1940) çalışmaları olmadan hayal edilemez. Alman balesinin ve Amerikan psikoloji okulunun ( Parça, 1967; Aryalar, 1979; Palermo, Palermo, 1989; pencere yıkayıcı, 1997; Çayırlar diyarında, 2000; Dünün, bugünün ve yarının çocukları için, 2002). Berlin Opera Balesi'nin başkanlığını 1966-1969'da K. McMillan yaptı ve şu anda (2002'den beri) sanat yönetmeni ve baş solisti, balenin klasik yönünü geliştiren V. A. Malakhov'dur.

Hollanda.

İkinci Dünya Savaşı'ndan önce Alman serbest dansının etkisi en güçlüydü ve 20. yüzyılın ikinci yarısında ortaya çıktı. Hollanda postmodern dansın doğduğu yer oldu. Savaştan sonra, 1967'de Amsterdam'da Rudi van Danzig'in (d. 1933) yönetimi altında Hollanda Ulusal Bale topluluğu kuruldu. Olağanüstü balelerinde Ölen gencin anıtı(1965) ve Zamanın konuları(1970) Nureyev, bu yapımlarda ilk kez sahnede yere yatarak dans ettiğini hatırlatan Ya.Burman'ın müziğiyle dans etti. Van Danzig, Forsyth gibi, elektronik müziğin keskin sesini ve Tour van Schyck'in fütüristik ortamlarını kullanıyor. Diğer çalışmalardan: Gece Adası JCDebussy (1965), Aile çevresi B.Bartok (1958). 1959'da, Hans van Manen'in (d. 1932) yönetimi altında Lahey'de Hollanda Dans Tiyatrosu topluluğu kuruldu. Tiyatro kendisini yalnızca modern koreografiye adadı. Manen, 1973'ten beri Hollanda Ulusal Balesi'nin koreografıdır. Yapımlar: 3 bölümde senfoni Mesih (1965), Metaforlar Lesyura (1965), Beş Parça Hindemith'in (1966) müziğine, Mutasyonlar K. Stockhausen (1970) , Kutsal bahar(1974). 1978'de Jiri Kylian, Tudor gibi psikolojik bale tarzını geliştiren Hollanda Dans Tiyatrosu'nun yöneticisi oldu. Kilian yerde yatarken gerçekleştirilen hareketleri kullanır, heykelsi pozlar elde eder, yüksek kaldırma ve dönüşler oluşturur ( Yabancı bir ülkeye dönmek, 1974–1975, Sinfonietta L. Janacek, 1987; Sık ziyaret edilen yer K. Chavez; Uyku zamanı Takemitsu. Ülkedeki diğer topluluklar: Hollanda “Tiyatro 3”, N. Christe (Rotterdam) yönetimindeki Hollanda balesi “Scapino”.

İsveç.

İsveç'te klasik baleye alternatif bale biçimleri de geliştirildi ve İsveçli koreograflar dans düşüncesinin ön saflarında yer aldı. İlk İsveçli bale topluluğu, cesur deneyselci Jean Berlin'in (1893-1930) önderliğinde 1920-1925 yılları arasında Paris'te faaliyet gösterdi. 1949–1950 ve 1963–1964'te İsveç Kraliyet Balesi'ni de yönetti; 1951–1952 ve 1960–1963'te bu görev E. Tudor'a aitti ( Boruların yankısı müzik B.Martin, 1963). 1946-1947'de topluluğa Birgit Kullberg (d. 1908, K. Jooss ve M. Graham'ın öğrencisi) başkanlık etti. 1967'de Kuhlberg Balle grubunu kurdu ve burada sahneye çıktı. ünlü bale Freken Julia açık müzik T. Rangström'e ait, aynı zamanda bale Medea Bartok (1950), Romeo ve Juliet Prokofiev (1969). Onun tarzı klasik dans ile modern, grotesk ve pantomimin birleşimidir. Kullberg'in oğlu Mats Ek (d. 1945), 1990 yılında şirketi devraldı ve alışılmadık postmodern baleler üretti. Giselle Ve Kuğu Gölü. Ek, postmodern estetiğin (imalar teorisi, kodlama, polistilistik) yaratıcılarından biridir. Onun tarzı, klasik olay örgüleri, alıntılar ve dans kanonlarıyla ironik bir oyundur; bu, klişeyi ortadan kaldırma ve klasiklere yeni bir bakış açısı kazandırma etkisi yaratır.

Danimarka.

Danimarka Kraliyet Balesi, Avrupa'nın en eski balelerinden biridir. Danimarkalı koreografların asıl görevi Bournonville okulunu korumaktı ve Hans Beck (1861–1952) sayesinde ( Coppelia, 1896) tamamlandı, ancak öte yandan daha fazla gelişme durduruldu. 1932–1951'de Harald Lander'in (1905–1971) yönetmenliği sırasında, Vaganova sisteminin Batı'daki en büyük uzmanı Vera Volkova (1904–1975) tiyatroda çalıştı. Bu dönemde Danimarka ekolü izolasyondan çıktı ve ünlü dansçılar P. Martins ve E. Brun'u yetiştirdi. Eric Brun (1928–1986), ölçülü, rafine ve aynı zamanda cesur bir dans tarzıyla ayırt edildi. ABD, Kanada ve Avrupa'daki tiyatrolarda klasik balelerde başrollerde oynadı. 1967-1971'de İsveç Kraliyet Balesi'ni ve 1980'lerde Kanada Ulusal Balesi'ni yönetti. Sahnelenen klasik romantik baleler Küçük konser GG Gulda (1953), kendi baskıları Giselle(1959), heceler(1964), Coppelia (1975).

Kanada.

Önde gelen topluluk, Balle Rambert ve Sadler's Wells Ballet adlı İngiliz topluluklarının balerini Celia Franca (d. 1921) tarafından 1951 yılında Toronto'da kurulan Kanada Ulusal Balesi'dir. İngiliz ilkelerine dayalı bir klasik dans okulu yarattı. Brun ve Baryshnikov'un tiyatroda dans ettiği 1974 yılına kadar grubu yönetti. 1996 yılında en ilginç koreograflardan biri olan James Kudelka (d. 1955) tiyatronun yönetmeni oldu. Tiyatroda Rus dansçıları davet etme geleneği var. V. Malakhov 1994'ten beri Ulusal Bale'de çalışıyor, A. Ratmansky 1938'de kurulan Kraliyet Winnipeg Balesi grubunda dans etti. 1957'de Montreal'de Büyük Kanada Balesi kuruldu.

Diğer ülkeler.

Zengin koreografik geçmişe sahip ülkelerin (Avusturya, İtalya) balesi şu anda bale fikirlerinin çevresinde yer alıyor. Viyana ve Milano'nun müzikal tiyatroları operaya öncelik veriyor. İtalya'da asırlık bir virtüöz dans ekolü olmasına rağmen, yetenekli balerinler genellikle kendilerini yurtdışında gerçekleştirirler (Carla Fracci, d. 1936), Alessandra Ferrucci, d. 1963) ve İtalyan balesi hayatta kalmanın eşiğinde.

20. yüzyılın ikinci yarısında. bale, halk oyunları geleneklerinin güçlü olduğu ülkelere girdi. Bale Lirico Nacional, Hollanda Dans Tiyatrosu'nun eski sanatçısı Nacho Duato'nun (d. 1957) önderliğinde İspanya'da ve Latin Amerika'da ortaya çıktı. « Amerikalı Bale balerini Alicia Alonso tarafından yaratılan Küba Ulusal Balesi (1948), aynı tiyatronun dansçısı Julio Bocca (d. 1967) tarafından kurulan "Arjantin Balesi". Hem klasik balenin hem de modern dansın popüler olduğu Japonya'da bale toplulukları ortaya çıktı: Tokyo Balesi (1964), Saburo Teshidawa'nın KARAS grubu (1985) klasiklerden performansa kadar her yöne açıktır.

Rus balesi.

Avrupa'da olduğu gibi Rusya'da da bale, Çar Alexei Mihayloviç döneminde bir saray sanatı olarak ortaya çıktı. İlk Rus balesi kabul ediliyor Orpheus ve Eurydice hakkında bale(1673, müzik G. Schutz, koreograf N. Lim, Moskova'nın Preobrazhenskoye köyünde Komedi Khoromina). 1738'de St. Petersburg Bale Okulu açıldı (şimdi Vaganova Koreografi Akademisi). Okulun koreografları J.B. Lande ve A. Rinaldi, Hermitage Tiyatrosu'ndaki Anna Ioannovna mahkemesinde operada bir bale eğlencesi sahnelediler. Sevginin ve nefretin gücü(1736). Daha sonra her ikisi de mahkeme koreografı olarak görev yaptı. 1760'lardan beri Rus balesi, klasik tiyatronun pan-Avrupa ana akımında gelişti. Avusturyalılar ve İtalyanlar koreograf, besteci ve set tasarımcısı olarak görev yaptı.

1759-1764'te, mitolojik konulara dayalı baleler sahneleyen ünlü koreograflar F. Hilferding (1710-1768) ve G. Angiolini (1731-1803) Rusya'da çalıştı ( Semira A.P. Sumarokov'un trajedisine dayanmaktadır, 1772). 1773 yılında, Moskova'da bir bale okulu açıldı - Moskova Eğitim Evi'nde, gelecekteki Moskova Koreografi Akademisi'nin temeli olan bir bale bölümü. Kamu topluluğu olarak oluşturulan Moskova grubu, devlete ait St. Petersburg'dan daha fazla bağımsızlığa sahipti. St.Petersburg grubunun sanatı daha kibar, katı ve akademikti, Moskova balesi ise daha demokratik ve şiirseldi, komedi ve tür balelerine bağlıydı ( Noel zamanı hakkında eğlenceli, G. Angiolini, 1767). Farklılıklar daha sonra da devam etti: Leningrad balesi hala klasik titizlik, akademiklik ve konsol dansı ile ayırt edilirken, Moskova balesi cesaret, güçlü sıçramalar ve atletizm ile ayırt ediliyor. Oyun yazarı Sumarokov, Moskova'da kendi devlet tiyatrosunu kurma hakkını aradı, ancak aynı yıl Catherine II, tiyatronun organizasyonu üzerindeki tekeli Prens P.V. Urusov ve arkadaşı İngiliz M.G. Maddox'a verdi. Moskova Bolşoy Tiyatrosu'nun kökeni 1776'da düzenlenen Meddox ve Urusov girişimine (Petrovsky Tiyatrosu) kadar uzanır. Meddox'un topluluğu, Moskova Üniversitesi tiyatrosu olan N.S. Titov'un (1766-1769) daha önce var olan topluluğu temelinde oluşturuldu. 30 Aralık 1780'de Petrovsky Tiyatrosu'nun açılış gününde Hilferding'in topluluğuyla Rusya'ya gelen Avusturyalı koreograf L. Paradise pantomim balesi sahneledi. Sihir dükkanı. 1780'lerde koreograflar F. Morelli, P. Pinyuchi, J. Solomoni, 18. ve 19. yüzyılların başında İtalya'dan Rusya'ya geldi. Petrovsky Tiyatrosu'nun yanı sıra N.P. Sheremetyev ve N.B. Yusupov'un serf gruplarında opera veya dramaya ek olarak sahnelenen lüks eğlenceler sahnelediler. Ulusal temalı baleler popülerdi: Rustik sadelik, Köy boyama,Çingene balesi,Ochakov'un yakalanması(tümü – 19. yüzyılın üçte biri). Noverre ile Viyana'da çalışan en ünlü koreograf Solomonini'nin prodüksiyonları arasında Noverre'nin balesi de yer alıyor. Medea ve Jason, 1800, Petrovsky Tiyatrosu, Amerikan Balesi veya Yenilen Yamyamlar, 1790, Kuskovo, ardından Petrovsky Tiyatrosu. Solomonini, 1800'den itibaren Petrovsky Tiyatrosu'nun baş koreografı olarak görev yaptı. 1800'de kuruldu Yersiz bir önlem J. Doberval'in koreografisinde Aldatılan yaşlı kadın.

St.Petersburg'da ilk halka açık Bolşoy Tiyatrosu (Kamenny), gelecekte İmparatorluk Mariinsky Tiyatrosu 1783'te açıldı. 1803'te bale topluluğu operadan ayrılarak diğer tiyatro türleri arasında ayrıcalıklı bir konuma sahip oldu. Bale keyfi hükümet yardımları ve imparatorluk tiyatroları müdürlüğüne bağlıydı.

18. ve 19. yüzyılların başında. Rus balesinin onaylanmasının zamanı geldi. Yerli besteciler A.N. Titov, S.I. Davydov, K.A. Kavos, F.E. Scholz ve ilk Rus koreograf I.I. Valberkh (1766-1819) ortaya çıktı. Rus halk danslarının geleneklerini dramatik pantomim ve İtalyan balesinin virtüöz tekniğiyle birleştirdi. Duygusallık doğrultusunda çalışan Walberch, ilk baleyi ulusal bir tema olan melodram üzerine sahneledi. Yeni Werther Titov, 1799. 1812 savaşı sırasında popüler vatanseverlik eğlenceleri yayıldı ve Walberch, St. Petersburg'da bir bale sahneledi. Anavatan sevgisi Rus halk danslarına dayanan Kavos. 1812'de, eğlence türü bir yükseliş yaşadı ve dansçılar A.I. Kolosova (1780–1869), T.I. Glushkovskaya (1800–1857) ve A.I. Voronina (1806–1850) ün kazandı.

Rus balesi için en önemli olay, Romantik öncesi dönemin önde gelen koreografı S. L. Didlo'nun (1800-1809, 1816-1829'da St. Petersburg'da çalıştı) Rusya'ya gelişiydi. Anacreontic balelerini sahneledi Zephyr ve Flora (1808), Aşk tanrısı ve Psyche (1809), Acis ve Galatea(1816) ve tarihi, komediye dayalı baleler, ev konuları: Genç pamukçuk (1817),Hindistan'dan dönüş veya tahta bacak(1821). Didelot, aşk sözleri türünün yaratıcısı antik şair Anacreon'un adını taşıyan Anacreontic bale türünün kurucusu oldu. M.I. Danilova (1793–1810), E.A. Teleshova (1804–1857) ve A.S. Novitskaya (1790–1822), Didelot'un balelerinde ünlü oldu. Onun liderliğinde Rus bale okulu şekillenmeye başladı; 40'tan fazla bale sahneledi ve yavaş yavaş mitolojik temalardan modern edebi konulara geçiş yaptı. 1823'te kurdu Kafkasya Tutsağı A.S.'nin şiirine dayanan Puşkin, besteci Kavos ile işbirliği yaptı. A.I. Istomina (1799–1848), Puşkin'in dansını "ruhla dolu bir uçuş" olarak tanımlayarak övdüğü performanslarında parladı. Istomina'nın sanatı, Rus romantik balesinin başlangıcını müjdeledi ve duygusal ifadeye odaklanan Rus okulunun özgünlüğünü somutlaştırdı.

Fransızların 1812'de sınır dışı edilmesinden sonra, Rus bale okuluna Walberg ve Didelot'un takipçisi olan A.P. Glushkovsky (1793-1870) başkanlık etti. Faaliyetleri Rus bale tarihinde bir dönem oluşturdu. 1812 Savaşı sırasında 18 bale ve çok sayıda eğlence (melodramlar, Anacreontic baleler, Scholz baleleri) sahneledi. Ruslan ve Ludmila Puşkin'in 1812 tarihli şiirine dayanmaktadır ve Üç kemer veya Rus Cendrillonu, 1826, V.A. Zhukovsky'nin baladına dayanmaktadır). Pandomim ve dansın olanaklarını başarıyla birleştirdi, Rus balesinin ilk teorisyeni ve tarihçisi oldu, çok sayıda öğrenci yetiştirdi: D.S. Lopukhina (1806–1855), I.K. Lobanov (1797–1840) ve diğerleri.Moskova balesi için büyük önem taşıyor 1823'te Moskova'ya gelen Fransız balerin koreograf ve öğretmen F. Gyullen-Sor'un (Richard) (1805–1860) faaliyetleriydi ( Zephyr ve Flora, 1815,Sendrillon F. Sora, 1825, Muses'un Zaferi, 1825). E.A. Sankovskaya (1816–1878), T.S. Karpakova'nın (1812–1842) kişiliklerinin oluşumunda büyük etkisi oldu.

19. yüzyılın ilk üçte biri. - ulusal bale okulunun şekillendiği dönem. Moskova'daki Bolşoy Tiyatrosu'nda, iyi donanımlı bir sahnede A. Blanc ve A. Tityus'un gösterişli gösterileri hakim oldu. M.I. Glinka'nın operalarındaki bale sahnelerinin performansı, Rus balesini karakterlerin senfonik gelişimi için hazırladı. M. Taglioni'nin 1834-1842'deki ve F. Elsler'in 1848-1851'deki gezileri büyük önem taşıyordu. 1830-1840'lar - Rus balesinde romantizmin dönemi. St.Petersburg'da en iyi romantik dansçı, büyük Rus balerinler dizisinin ilki olarak kabul edilen Moskova - E. Sankovskaya'daki E. A. Andreyanova (1819–1857) idi. En iyi rolleri olan M.S. Shchepkin'den drama dersleri aldı: La Sylphide, Esmeralda, Ondine (Tuna'nın Bakiresi), Elena Vardek (Katarina, bir soyguncunun kızı). Çağdaşları ona Moskova balesinin ruhu adını verdiler. 1848-1859'daki St.Petersburg balesine romantizmin lideri J. Perrot başkanlık ediyordu. Rusya'daki romantizm Batı'dakinden daha uzun sürdü çünkü... Rus balesi uzun yıllar sarayın himayesinden yararlandı ve bir saray sanatı olarak kaldı. 1860'larda diğer sanat türlerine gerçekçilik geldiğinde, Rus balesi zaten muhafazakar olan romantik yönelimini korudu. Petipa romantizm tarzında başladı (gölgelerin eylemi) La Bayadere A. Minkus, 1877, bale Kral Kandaules Ts.Puni, 1868, Don Kişot Minkusa, 1869, Firavun'un Kızı Ts.Puni, sihirli ayna A. Koreshchenko), dansın senfonizasyon sürecini sürdürdü. O dönemin en büyük koreografı A. Saint-Leon'du (1821–1870). 1859-1869'da St. Petersburg'da görev yaptı ( Coppelia L.Deliba, Küçük Kambur At Ts.Puni). Bunlar, yönlendirme ve sahneleme efektlerinin hakim olduğu yıllardı, ancak aynı zamanda K. Blazis, St. Petersburg'da çalışarak Rus bale tekniğini ve kelime dağarcığını geliştirdi. Onun altında dans nihayet klasik ve karakteristik olarak ikiye ayrıldı. O yıllarda dans eden balerinler arasında M.N. Muravyova (1838–1879) ve dansçı V.F. Geltser (1840–1908) öne çıkıyor.

1882'de imparatorluk tiyatrolarının tekeli kaldırıldı ve bunun sonucunda Rus balesine virtüöz İtalyan balerinler geldi - Virginia Zucchi (1847–1930), Pierina Legnani (1863–1923), Carlotta Brianza (1867–1930), Antonietta Del Çağ. Akademik balenin oluşmasında büyük rol oynadılar ve Petipa'nın sahnelediği balelerde başrolleri oynadılar. 1847'de Fransa'dan gelen ve 1862'de Mariinsky Tiyatrosu'nun baş koreografı olan Petipa, klasik dans toplulukları yarattı, kanonik formlarını oluşturdu (adagio, pas de deux, dans süitleri, grand pas, final coda), simetri ilkesini geliştirdi corps de bale'nin yapımında kitlesel ve solo dansın zıt karşılaştırmaları. Petipa, dansın senfonizasyon sürecini sürdürdü ve senfonist besteciler Çaykovski ve Glazunov'la işbirliği yapmaya başladı (daha önce koreograflar yurt dışından davet edilen tam zamanlı saray bestecileriyle çalışıyordu - Çek L. Minkusomi ve İtalyan Ts. Puni) , hala baleyi oyalama açısından düşünenler). Verimli işbirliğinin sonucu, bugüne kadar herhangi bir bale tiyatrosunun repertuarının temelini oluşturan koreografik sanatın başyapıtlarıydı: uyuyan güzel (1890),Fındıkkıran(1892),kuğu Gölü(1895) Çaykovski tarafından, Raymonda(1898), Mevsimler Ve Hizmetçi-metres Glazunov, 1900. Bütün bunlar bale senfonizminin zirveleridir. İlk üretim kuğu GölüÇek koreograf V. Reisinger'in 1877'de yaptığı çalışma başarısız oldu. Bu çok perdeli balelerin hazırlanma sürecinde bir tür büyük (akademik) bale ortaya çıktı. Mariinsky sahnesinin ikinci koreografı L. Ivanov, daha da ileri giderek akademikliğin sınırlarını aşarak kuğuların şiirsel sahnelerini besteledi (ikinci ve dördüncü perdeler) kuğu Gölü, 1895) ve kar tanelerinin dansı Fındıkkıran, 1892). Bale dansını geliştiren Ivanov, masal balesini felsefi bir benzetmeye dönüştürdü. Koreografisi, 19. yüzyılın başlarındaki "beyaz" romantik bale geleneklerini sürdürdü. 20. yüzyılın bale tarzının, izlenimci ve mecazi imgelerinin habercisi oldu. E.O. Vazem'in (1848–1937) performans yeteneği Petipa ve Ivanov yönetiminde, N.G. ve İtalyan balerinleri ziyaret etme tekelini yıkan ve İtalyan virtüöz tekniğinde ustalaşan S.G. Legat (1869–1937), (1875–1905), M. Kshesinskaya, O.I. Preobrazhenskaya (1870–1962). İspanyol koreograf öğretmeni J. Mendes (1843–1905), topluluğun seviyesini yükselten ve L.A. Roslavleva'nın (1874–1904), İtalyan A.A. Giuri'nin (1872–1963), E.V. Geltser'in bireyselliğini besleyen Moskova okulunda çalıştı. ve sürekli ortağı V.D. Tikhomirov (1876–1956).

20. yüzyılın başlarında. Rus dans okulu, unsurları özümseyerek kendini kanıtladı Fransız okulu Didelot, İtalyan Blasis, Cecchetti ve H. Johanson'un Danimarka okulu. Sonuç olarak, Rus bale okulu dünyanın en iyisi oldu ve bunun kanıtı, Rus Mevsimleri ve Diaghilev'in Rus Bale grubunun başarısıydı.

19. ve 20. yüzyılların başında. Rus sanatında modern çağ hüküm sürdü ve yönetmen tiyatrosu ortaya çıktı. Pandomim sahneleri ve klasik dansın kanonik biçimleriyle muhteşem çok perdeli performansın türü modası geçmiş durumda. Balenin Gümüş Çağı'nın estetik konseptine uygun olması için 1902-1924'te tiyatroda çalışan Bolşoy Tiyatrosu koreografı A. A. Gorsky tarafından başlatılan reformlara ihtiyacı vardı. Modası geçmiş akademisyenliğin aksine, sahne eyleminin dansla ifade edildiği koreografik bir drama ortaya koydu ( Gudula'nın kızı A.Yu.Simona, 1902, Salambo A.F.Arends, 1910). Koreodram ruhuna uygun olarak Gorsky defalarca yeniden çalıştı kuğu Gölü, Giselle. Gorsky'ye göre, V.A.'nın kişilikleri. Karalli (aynı zamanda sessiz film yıldızı, 1886–1972), S.V. Fedorova (1879–1963), A.M. Balashova (1887–1979), O.V. Fedorova (1882) –1942'yi geliştirdi), M.M. Mordkin (1880–1944).

M.M. Fokin'in deneyleri daha da önemliydi. Klasik dansa özgür ve halk sözlüğünün unsurlarını katarak modası geçmiş akademisyenliğe karşı mücadele etti. Yeni bir performans türü besteledi - sürekli aksiyon, müzik, koreografi ve sahneografinin stilistik birliği ile tek perdelik bir bale ve koreografik yöntemleri kullanarak anı yakalamaya odaklandı. Anıtsal performansın yerini tek perdelik minyatür bale aldı. Fokine, Mariinsky sahnesi için baleler yarattı Eunica, Mısır geceleri sahne Polovtsian dansları A. Borodin'in operasında Prens İgor, bale Armida Köşkü N.N. Cherepnina (1907); Chopininana (heceler) F. Chopin (1908), daha sonra “Rus Mevsimleri” için - Karnaval(1910) ve Kelebekler, (1912) R. Schumann'ın müziğine, M. N. Rimsky-Korsakov'un senfonik şiiri Şehrazat(1910), Bir Gülün Vizyonu KMWeber (1911), Daphnis ve Chloe M. Ravel (1912). Fokin senaryoya büyük önem verdi. Fokin'in yapımlarını tasarlayan World of Art derneğinin sanatçıları (L. S. Bakst, A. N. Benois, N. K. Roerich, K. A. Korovin, A. Ya. Golovin) tam ortak yazarları oldu. Balelerinin başarısı dansçıların yaratıcılığıyla kolaylaştırıldı: A. Pavlova, T. Karsavina, Nijinsky, Mordkin, A. R. Bolm (1884–1951). Konser numarası empresyonist koreografinin sembolü haline geldi Kuğu C. Saint-Saens (1907), Fokine tarafından Pavlova için bestelenmiştir. Muazzam başarısına rağmen bale izlenimciliğinin tarihsel olarak sınırlı stil: Hareket halindeki ruh halinin en ince tonlarını aktarmaya çalışırken içeriğini kaybetti. Fokin'in Pavlova ve Karsavina ile işbirliği kısa sürdü. 1909'da Pavlova kendi topluluğu olan "Kraliçe Columbine" Karsavina'yı kurdu ve klasik baleye geri döndü.

Diaghilev'in bale sezonları.

Yetenekli girişimci S.P. Diaghilev, 1909'dan beri Paris'te "Rus Mevsimleri" adı verilen yıllık Rus bale turları düzenliyor. Rus Sezonları için Fokine, Mariinsky Tiyatrosu'ndaki prodüksiyonlarını Paris'e taşıdı ( Chopininana Paris versiyonunda buna denir heceler,Mısır Geceleri – Kleopatra) ve Stravinsky'nin balelerini sahneledi Ateş kuşu(1910) ve Maydanoz(1911), büyük bir başarıydı. Fokine Diaghilev'den ayrıldıktan sonra Nijinsky, Stravinsky'nin iki balesini daha sahneledi ( Bir Faun'un Öğleden Sonrası, 1912; Kutsal bahar). Bir koreograf olarak Nijinsky ilk olarak dışavurumcu formlara yöneldi ( Kutsal bahar) ve olay örgüsü olmayan ( Oyunlar K. Debussy; 1913) bale. Olağanüstü bir atlayışa sahip olarak, önceliğini erkek dansına geri verdi ( Bir Gülün Vizyonu K. Weber). 1911–1929'da Diaghilev, Avrupa ve ABD'yi gezen Diaghilev Rus Balesi adlı kendi grubunu kurdu. L. Myasine Diaghilev'in koreografı olarak çalıştı (kübist bir bale sahneledi) Geçit töreni(1917), P. Picasso'nun süslemeleri ve E. Satie'nin müziği ve J. Cocteau'nun librettosu ile, Tricorne şapka(1919) M. de Falla, olaysız bale Ah evet N. Nabokov'un müziğine (1928), Kadınlar iyi bir ruh halinde D.Scarlatti, Rus masalları A. Lyadova); Bronislava Nijinska (Stravinsky'nin balelerini sahneledi) Fox'un hikayesi (1922); Düğün(1923); Pulcinella(1920); Merkür e . Sati (1924), Lani F . Poulenc, (1924), Çelik Sıçraması S. Prokofiev, (1927). 1924'te Balanchine gruba katıldı ve grup tekrar Stravinsky'nin müziğine dönerek bale besteledi. Havai fişek, Bülbül Şarkısı Ve Apollo Musagete, 1928, Ve TopİÇİNDE . Rieti, 1925, Kedi A.Soge, 1927, Prokofiev'in dışavurumcu balesi Savurgan oğul, 1929. Stravinsky'nin bale müziği büyük bir başarıydı Bahar Ayini, Cesur armonileri ve ritimleriyle pagan Rusya'nın resimlerini yapmak. Nijinsky müzikal temayı tahmin etti Bahar, bunu plastik en dedans'a çeviriyoruz (bacakların “kapalı” konumu: ayak parmakları ve dizler bir araya getiriliyor). Dodekafoni Stravinsky dünya müziğinde yeni bir sahne açtı. 1916 yılında Maydanoz temasına devam etti. Bir Tilki, Horoz, Kedi ve Koç hakkında bir hikaye. 1920'lerin başlarından itibaren Stravinsky neoklasizme geri döndü ( Pulcinella, 1919'dan G. Pergolesi'nin müziğine), 1950'den itibaren müziğinde yine dodekafoni hakim oldu ( Agon, 1957). Diaghilev, Stravinsky, Prokofiev ve Fransız avangard müziği ("Altı" olarak adlandırılan besteciler: Satie, Fauré, Sauguet, Auric, Orff, Poulenc) dahil olmak üzere bale müziği olarak icra edilen müzik eserleri yelpazesini genişletti.

Pek çok seçkin sanatçının göç etmesine rağmen devrimin zorlukları ve İç savaş Moskova ve St. Petersburg bale toplulukları repertuarlarını korudular ve çalışmaya devam ettiler (E.V. Geltser, V.V. Kriger (1893–1978), E.P. Gerdt (1891–1975), E.M. Lyuk (1891–1968) Bale okulları da faaliyet gösterdi. 1920'lerde, Vaganova'nın (1879–1951) ünlü klasik dans öğretme sistemi şekillenmeye başladı; kitapta Rus okulunu etkileyen çeşitli teknikler yeniden işlendi. Temel bilgiler klasik dans, bale İncili olarak saygı duyulur. Vücudun doğal reaksiyonlarının incelenmesine dayanan Vaganova'nın yöntemi, hareketlerin uyumu ve koordinasyonunu gerektirir; öğrencileri, uçuş sırasında bile vücudu kontrol etme fırsatı veren hareket genlikleri, yükselen atlama ve güçlü sırtlarıyla ayırt edildi; uzun süreli yükselme ve etkileyici esnek kollar. Vaganova, Danimarka koreografi okulunun temsilcisi Johanson ile çalışsa da Bournonville okulunu sistemine dahil etmedi. Bununla birlikte, Sovyet okulu, Danimarka okuluyla birlikte, güçlü bir yükselen atlama, dinamik rotasyonlar, atletizm ve üst destekleri gerçekleştirme yeteneği ile karakterize edilen erkek dansçıların eğitiminde en iyisi olarak kabul ediliyor. 1920'de Mariinsky ve Bolşoy tiyatroları akademik tiyatro statüsü aldı ve GATOB ve SABT olarak yeniden adlandırıldı.

1920'ler Rus avangardının sanatın her alanında deneyler ve arayışlar dönemiydi. Yeni nesil koreograflar kendini ilan etti. Gorsky Bolşoy Tiyatrosu'nda çalışmaya devam etti ( kuğu Gölü, 1920;Stenka Razin, 1918;Giselle, 1922;Sonsuza kadar yaşayan çiçekler B. Asafieva, 1922). Moskova Oda Balesini yaratan K.Ya. Goleizovsky deneylerine başladı ( Faun K. Debussy, 1922). 1925'te Bolşoy Tiyatrosu'nda bir bale sahneledi. Güzel Yusuf S.N.Vasilenko, B.R.Erdman imzalı avangart kostümlerle.

Petrograd'da Mariinsky Tiyatrosu grubuna F.V. Lopukhov başkanlık ediyordu. Dans senfonisini seslendirdi Evrenin Büyüklüğü Beethoven'ın (1922) müziğine, alegorik devrimci bale kırmızı girdap VM Deshevoy (1924), Stravinsky'nin baleleri Pulcinella (1926), Bir Tilki, Horoz, Kedi ve Koç hakkında bir hikaye (1927), Fındıkkıran V.V. Dmitriev'in (1929) yapılandırmacı sahnesinde Çaykovski. Lopukhov olağanüstü bir deneyciydi ve yeni kelimeleri cesurca tanıttı: akrobasi ve spor unsurları, halk ritüelleri ve oyunlar. Erkekler dansında balerin üst desteğini bir yandan tanıttı. Bu unsur şunlardan biri haline geldi: ayırt edici özellikleri Balede Sovyet tarzı.

Demokratik Moskova'da, modern dans Duncan'ın etkisi altında, L.I. Lukin, V.V. Maya, I.S. Chernetskaya, N.S. Gremina ve N.N. Rakhmanov, L.N. Alekseeva'nın çok sayıda ücretsiz plastik ve ritmik dans stüdyosu ortaya çıktı. İÇİNDE « N. Foregger'in "Mastfore" adlı eseri "dans makineleri" ile deneyler yaptı, Petrograd'da G.M. Balanchivadze'nin (Balanchine) "Heptakhor" ve "Young Ballet" stüdyoları çalıştı. Devlet Sanat Bilimleri Akademisi'nde (SAKhN) serbest dansın teorik sorunlarıyla ilgilenen bir koreoloji laboratuvarı oluşturuldu.

A.N. Ermolaev, V.M. Chabukiani, A.F. Messerer erkek dansında ünlü oldu . Kadın dansında liderler M.T. Semenova, O.V. Lepeshinskaya, T.M. Vecheslova (1910–1991), N.M. Dudinskaya idi.G.S. Ulanova, K.M. lirizmleri ve karakterlerin psikolojik karmaşıklığını yaratma yetenekleriyle fethedildi.Sergeev, M.M.Gabovich (1905) –1965).

1932'den bu yana, sosyalist gerçekçilik üslubu tüm sanat türlerinde mümkün olan tek stil haline geldi. Çok perdeli olay örgüsü performansı baleye geri döndü ( Kırmızı haşhaş R.M. Gliere, V.D. Tikhomirov ve L.A. Lashilin tarafından sahnelendi, 1927). Bolşoy Tiyatrosu, Sovyet bale tarzının (kahramanlık, cesaret, dansın duygusallığı) kişileştirilmiş hali olan ülkedeki ilk bale tiyatrosu oldu. Leningrad Opera ve Bale Tiyatrosu (1935'ten beri - adını S.M. Kirov'dan almıştır) klasik balenin akademik geleneklerini korumuştur. Balede gerçekçilik talebi ve edebi merkezciliğe yönelik eğilim, 1930'larda psikolojikleştirilmiş veya danslı pantomimin dansa hakim olduğu koreodrama veya drama balesinin yeniden canlanmasına yol açtı. 1930'lar-1940'ların Sovyet koreodramı, sahneleme ihtişamıyla karakterize edilen, karakter dansının ağırlıklı olduğu olay örgüsüne dayalı bir performanstır. Gerçekçiliğin kapsamının ötesine geçen her şey formalizm olarak ilan edilir ( Işık akışı Lopukhov – Şostakoviç, 1935). Koreograflar V.I. Vainonen, R.V. Zakharov, L.M. Lavrovsky drama bale türünde çalıştı. En ünlü baleler Bahçesaray çeşmesi, 1934; Kayıp illüzyonlar, 1935; Bronz Süvari , 1949, Zakharov tarafından sahnelendi (tarzın özü, Bolşoy sahnesinin göle dönüştüğü sel sahnesiydi); Kafkasya Tutsağı, 1938; Romeo ve Juliet, 1940; kül kedisi, Lavrovsky'nin sahnelediği S. Prokofiev'in 1949'u; Paris Alevi, 1932 Vainonen; Laurencia, 1939 Chabukiani. Drama bale koreografları büyük klasik toplulukları terk etti. Besteciler-senfonistler koreodrama alanında çalıştı: B. Asafiev, R. Gliere, A. Crane, A. Khachaturian. Pantomimin artan rolüyle bağlantılı olarak, 1930'larda oyunculuk yeteneği ve psikolojik derinlikle karakterize edilen ve Ulanova'nın çalışmalarında doruğa ulaşan yeni bir performans okulu şekillendi.

1930-1940'larda yeni bale tiyatroları ortaya çıktı: V. Krieger "Moskova Sanat Balesi" grubuna dayanan, K.S. Stanislavsky ve V.I. Nemirovich-Danchenko'nun adını taşıyan Müzikal Tiyatro topluluğu; Leningrad'daki Maly Opera Tiyatrosu (MALEGOT). Yeni koreograflar ortaya çıktı: N.S. Kholfin (1903–1979), V.P. Burmeister (1904–1971), Moskova, B.A. Fenster (1916–1960), Leningrad. Seçkin bir koreograf, 1941–1960, 1963–1970'de Stanislavsky ve Nemirovich-Danchenko Moskova Müzik Tiyatrosu'nda çalışan Burmeister'dı ( Tatyana A . Vinç, 1947; Mutluluk Sahili A. Spadavecchia, 1948; orijinal baskı kuğu Gölü, 1953; Esmeralda Puni, 1950; Straussian, 1941; Kar bakiresiÇaykovski, 1963). Fenster'ın unsuru komedi balesi ve çocuklar için baleydi ( Hayali Damat ve Gençlik M.I.Chulaki; 1949, Dr.Aibolit, I. Morozova, 1948, MALEGOT). Yeni bir dansçı galaksisi ortaya çıktı: V.T.Bovt (1927–1995), M.M.Plisetskaya, R.S.Struchkova (1925–2005), N.B.Fadeechev (d. 1933), A.Ya.Shelest (1919 –1998) vb.

1920'lerden beri müzikal tiyatrolar Sverdlovsk, Perm, Saratov, Gorki, Kuibyshev'in yanı sıra birlik cumhuriyetlerinin başkentlerinde de faaliyet gösteriyordu. 1950'lerin ortalarından beri Perm ve Sverdlovsk tiyatrolarında bale okulları açıldı.

1950'lerin başında bale reformlarına ihtiyaç vardı. 1956'da Bolşoy Tiyatrosu bale grubunun ilk yurt dışı turu Londra'da gerçekleşti ve bu büyük bir başarıydı, ancak aynı zamanda Sovyet koreografisinin Batı'dan gelen gecikmesini de ortaya çıkardı.

Reform yoluna ilk girenler Leningrad koreograflarıydı: Yu.N. Grigorovich ( Taş Çiçek S.S.Prokofiev, 1957; Aşk efsanesi A. Melikov, 1961'de Devlet Tiyatrosu'nda. Kirov), I.D. Belsky (d. 1925) bale sahneledi Umut Kıyısı A.P. Petrova, 1959; Leningrad Senfonisi D.D. Shostakovich, 1961; Küçük Kambur At R.K. Shchedrin, 1963), L.V. Yakobson, 1969'da “Koreografik Minyatürler” topluluğunu yarattı. Baleye dans edilebilirliği geri kazandırdılar, dans kelime dağarcığını akrobatik unsurlarla zenginleştirdiler, toplu dansı yeniden canlandırdı, daha önce unutulmuş tek perdelik ve senfonik bale türlerini yeniden canlandırdı ve balenin temalarını genişletti.

F. Lopukhov ve K. Goleizovsky işlerine geri döndüler. O.M. Vinogradov (d. 1937) yeni estetik alanında çalıştı ( kül kedisi, Romeo ve Juliet, 1964–1965; Asel V.A. Vlasova, 1967, Novosibirsk Opera ve Bale Tiyatrosu; Goryanka M.M. Kazhlaev'in müziği, 1968; Yaroslavna müziği B.I. Tishchenko, 1974, MALEGOT), N.D. Kasatkina (d. 1934) ve 1977'de Moskova Klasik Bale topluluğunu yaratan V.Yu. Vasilev (d. 1934) ve 1992'den beri Devlet Tiyatrosu klasik balesi" ( Gayane Khachaturyan, 1977; dünya yaratımı Petrova, 1978; Romeo ve Juliet Prokofieva, 1998, vb.); G.D. Aleksidze (d. 1941), dans senfonileri türünü geliştiriyor ( Oresteia, 1968; İskit Süiti Prokofieva, 1969; Varyasyonları olan tema Brahms; Fa majör konçerto Vivaldi; 1966–1968'de Leningrad Oda Bale Tiyatrosu için 1966–1967'de bale programları oluşturdu Aforizmalar müzik Şostakoviç; Metamorfozlar Britten ve ardından Rameau'nun balesini yeniden canlandırdı Cesur Hindistan; Pulcinella Stravinsky ve Savurgan oğul Prokofiev, her ikisi de – 1978); B.Ya. Eifman (d. 1946), Kirov ve Maly Opera Tiyatrolarında deneyler yaptı ( Ateş kuşu Stravinsky, 1975, Salak müzik Çaykovski'nin 6 senfonisi, 1980; Usta ve Margarita Petrova, 1987; 1977'de St. Petersburg Bale Tiyatrosu'nu kurdu. Kariyerine 1985 yılında Kirov Tiyatrosu'nda başlayan Leningrad koreografı D.A. Bryantsev (d. 1947), adını taşıyan müzikal tiyatronun bale grubuna başkanlık etti. Stanislavsky ve Nemirovich-Danchenko ( İyimser trajedi M.Bronner, 1985; Korsan Adana, 1989; otello A. Machavariani, 1991). 1966'da Moskova'da I.A. Moiseev, SSCB'deki ilk koreografik konser topluluğu olan “Genç Bale”yi (1971'den beri - “Klasik Bale”) düzenledi.

Yeni dalganın lideri, anlatı balesinde dans metaforunun ustası Grigorovich'ti. 1964 yılında Bolşoy Tiyatrosu'na gelişiyle birlikte tiyatroda bir yükseliş yaşandı ve bu yükselişin doruk noktası yapımlardı: Fındıkkıran, 1966 ve Spartaküs Khachaturian, 1968. Bolşoy Tiyatrosu için orijinal versiyonu besteledi. kuğu Gölü(1968), çeşitli baskılar Uyuyan güzel, (1963, 1973), 1975'te bale sahneledi Ivan Groznyj, V 1979 – Romeo ve Juliet ikisi de müzikte . Prokofiev, Hangar A. Eşpaya, 1982’de – altın ÇağŞostakoviç. Grigorovich’in balelerinde N.I. Bessmertnov - L.M. Lavrovsky (d. 1941), E.S. Maksimova - V.V. Vasiliev'in düetleri meşhur oldu, M.E. Liepa'nın (1936–1989), N.I. Sorokina (d. 1942), N.V. Timofeeva (d. Ancak 1980'lerin başında Grigorovich'in yeni performansları gittikçe daha az ortaya çıkarken, diğer yönetmenlerin (Plisetskaya, Kasatkina ve Vasilyev, Vasiliev, Vinogradov, A. Alonso) baleleri zorlukla sahneye çıktı. Hatta ülkedeki tüm bale tiyatroları Bolşoy'a eşitken Bolşoy Tiyatrosu tek koreografın tekelinde kalması nedeniyle kendisini bir kriz içinde buldu. Değişmez kanunlara dönüşen yenilikçi teknikler bir klişe haline geldi. Yabancı koreografi Bolşoy Tiyatrosu'na nüfuz etmediyse, Kirov Tiyatrosu, O. Vinogradov'un liderliğe gelişiyle (1977) dünya trendlerine daha açık hale geldi. Onun yönetimi altında, repertuarda Balanchine, Robbins ve Tudor, MacMillan, Neumeier, Bournonville'in baleleri yer aldı ve Perro, Taglioni, Saint-Leon, Petipa'nın daha önce bilinmeyen bale parçalarından P. Lacotte'un antik koreografisinden oluşan bir Akşam düzenlendi.

1960–1970'de yeni bir yetenekli dansçı dalgası ortaya çıktı: Yu.V. Vladimirov (d. 1942), M.V. Kondratieva (d. 1934), L.I. Semenyaka (d. 1952), A.A. Asylmuratova ( d. 1961), I.A. Kolpakova (d. 1933), N.A. Dolgushin, (d. 1938), A.E. Osipenko, (d. 1932), F.S. Ruzimatov (d. 1963), A.I. Sizova (d. 1939), Yu.V. Solovyov (1940–1977) . M. Plisetskaya çalışmaya devam etti. A. Alonso onun için yarattı Carmen Süit, R. Petit – Gülün Ölümü Mahler, Bejart – Isadora Ve Bolero. Koreograf olarak R. Shchedrin'in balelerini sahneledi: Anna Karenina, 1972; Martı, 1980;Köpekli kadın, 1984. V. Vasiliev koreograf olarak görev yaptı: Anyuta, V.Gavrilina, 1986; Romeo ve Juliet, 1990; Macbeth K.Molchanova, 1980; Giselle, kuğu Gölü, 1999.

Yeni nesil besteciler ortaya çıktı: R.K.Shchedrin, Petrov, M.M.Kazhlaev, N.N.N.N.Karetnikov, K.S.Khachaturyan, A.B.Zhurbin, V.V.Besedina, M.B .Bronner, Eshpai. Bale coğrafyasında önde gelen yerler Moskova, St. Petersburg ve Ural bölgesi (Perm, Yekaterinburg, Çelyabinsk) tarafından işgal edilmektedir. Perm'de güçlü bir bale okulu gelişti. Perm Koreografi Okulu mezunu N.V. 1973 yılında Moskova Bale Yarışması Büyük Ödülünü alan Pavlova (d. 1956), Bolşoy Tiyatrosu'nun önde gelen lirik balerinlerinden biri oldu; Sovyet sonrası zamanlarda, orijinal modern dans toplulukları Perm ve Chelyabinsk'te ortaya çıktı.

Sovyetler Birliği'nin çöküşü ve ardından gelen ekonomik kriz, daha önce devlet tarafından cömertçe desteklenen bale topluluklarına büyük zorluklar getirdi. Birçok dansçı ve öğretmen ülkeyi terk ederek ABD, İngiltere, Almanya ve diğer Batı ülkelerine yerleşti.

1995 yılında Grigorovich döneminin sona ermesiyle birlikte Bolşoy Tiyatrosu, kötü tasarlanmış personel ve ekonomik politika tiyatro Rus balesi, Avrupa koreografisinin evriminin birkaç neslini kaçırdı ve şu anda dans fikirleri konusunda bir eksiklik yaşıyor. Aynı zamanda okulun performans düzeyi de korunmuştur. N.G.Ananiashvili, M.A.Alexandrova, A.A.Antonicheva, D.V.Belogolovtsev, A.Yu.Bogatyrev, A.N.Vetrova, N.A.Gracheva, D.K. .Gudanov, S.Yu.Zakharova, Yu.V.Klevtsov, Ilze ve Maris Liepa gibi parlak kişilikler ortaya çıktı. , N.M.Tsiskaridze (Bolşoy Tiyatrosu); D.V. Vishnevaya, U.V. Lopatkina, I.A. Nioradze (Mariinsky Tiyatrosu); MS Drozdova, N.V. Ledovskaya, T.A. Chernobrovkina, V. Kirillov, A. Domashev, G. Smilevski, V. Dick (Stanislavsky ve Nemirovich-Danchenko Müzikal Tiyatrosu).

1991'den sonra yerli bale, Batı balesinin modernlik, caz ve serbest hareket alanındaki deneyimine hakim olmaya başladı. Bolşoy Tiyatrosu, Batılı koreografların balelerini aktif olarak sahneliyor ( Sülfit E-M. von Rosen tarafından düzenlenmiştir, Danimarka, 1994; Do majör senfoni,Agon,Mozartiana Balanchine, 1998–1999; maça KızıÇaykovski'nin Altıncı Senfonisinin müziğine, Passacaglia Webern, 1998; Notre Dame Katedrali Petit, 2003; Firavun'un kızı Lacotta, 2000; Yersiz bir önlem F. Ashton, 2002; Bir yaz gecesinde bir rüya Neumayer, 2004). Daha önce Mariinsky Tiyatrosu Balanchine'in balelerine yöneldi. Baleyi sahnelemek için Savurgan oğul S. Prokofiev'in tiyatrosu 2003 yılında Altın Maske ödülünü aldı. Aynı yıl tiyatroda ilk kez üç ünlü Forsythe balesi sunuldu: Adım metni Bach'ın müziğine, Baş döndürücü bir hassasiyet coşkusu Schubert'in müziğine ve Altın kirazların asıldığı yer müzikleri T. Willems ve L. Stuck'a ait. Antik yapımların yeniden inşası popülerdir: uyuyan güzelÇaykovski, La Bayadere Minkus, 1991 Bolşoy Tiyatrosu'nda, kuğu Gölü Mariinsky'de, Coppelia L. Delib, Novosibirsk'te, A. M. Liepa’nın Fokine’nin balelerini restore etme deneyimi, 1999 ( Maydanoz, sahne Polovtsian dansları,Şehrazat). Öte yandan Rus ve Sovyet klasikleri sadece restore edilmekle kalmıyor, aynı zamanda modern yorumlara da konu oluyor ( Don Kişot Fadeechev tarafından düzenlenmiştir, 1999, Işık akışı Ve cıvata A. Ratmansky tarafından sırasıyla 2003 ve 2005'te revize edilen Shostakovich, Romeo ve Juliet R. Poliktaru, 2004, tümü – Bolşoy Tiyatrosu, Fındıkkıran K.A. Simonova, 2002, (yönetmen ve bale tasarımcısı M.M. Shemyakin), kül kedisi Ratmansky, 2003, her ikisi de – Mariinsky Tiyatrosu, Romeo ve Juliet, 1997 Ve Fındıkkıran, 2000, Perm Tiyatrosu'nda “E. Panfilov Balesi”.

Dansçıların ve koreografların yurtdışında çalışma uygulaması yasallaştırıldı. Birçok dansçı bunu yaptı Uluslararası kariyer(I. Mukhamedov, A. Asylmuratova, Ananiashvili, D. Vishneva, Malakhov, V. Derevianko, A. V. Fedotov, Yu. M. Posokhov, I. A. Zelensky, Ratmansky). Moskova Koreografi Akademisi mezunu, bale yarışmaları ödülü sahibi V. Malakhov, 1997 yılında dünyanın en iyi dansçısı seçildi, 2002'den beri birçok yabancı bale grubunda aynı anda çalışıyor - Berlin “Staatstheater Unter den Linden” direktörü ”ve aynı zamanda kendisini bir koreograf olarak da fark ediyor. D. Bryantsev çalışmaya devam ediyor( Farenin Evcilleştirilmesi M.Bronner, 1996; tek perdelik bale Bravo,Figaro 1985; İskitler Ve Kovboylar D. Gershwin, 1988; Bir adamın yalnız sesi Vivaldi, N. Paganini ve O. Kitaro, 1990; Hayalet Topu F. Chopin, 1995; İncil efsaneleri, Shulamith V.Besedina ve Salome P. Gabriel, 1997–1998, Kamelyalı bayan Verdi, 2001), 1994'ten beri Bryantsev aynı zamanda St. Petersburg Oda Balesi grubunun baş koreografı olarak çalışıyor; B.Ya.Eifman'ın St.Petersburg Bale Tiyatrosu, devlet akademisyeni statüsünü aldı ( Rus Hamleti Beethoven-Mahler, 1999; Ağıt Mozart'ın 1998; Karamazovlar, 1995 Rachmaninov, Wagner, Mussorgsky ve çingene şarkılarının müziğine, Çaykovski, 1995 (“Altın Maske”), Teresa Raquin Bach-Schnittke, Minkus'tan Don Kişot,Kırmızı Giselle müzik Çaykovski, Benim Kudüs'üm, 1998, müzikal Kim kim, 2004.

Rusya'nın önde gelen koreograflarından biri, Danimarka Kraliyet Balesi'nde dansçıyken Ananiashvili tarafından "keşfedilen" Ratmansky'ydi (d. 1968). Onun için baleler besteledi: Maneviyatın zevkleri R. Strauss'un müziğine ve Japonya ile ilgili rüyalar Altın Maskeyi kim aldı? Halen Danimarka'da yaşamaya devam ederken Bolşoy Tiyatrosu Balesi'nin sanat yönetmeni olarak çalışmaktadır ( Işık akışıŞostakoviç, 2002). Mariinsky Tiyatrosu'nda sahnelendi kül kedisi, Fadeechev Dans Tiyatrosu'nda - L. Bernstein'ın balesi Lea(“Altın Maske” - 2003). Ananiashvili kendi girişimini kendisi yönetti; 2004 yılında Gürcistan Ulusal Balesi'nin sanat yönetmeni ve Tiflis Koreografi Okulu'nun yöneticisi oldu. V. Chabukiani. Minsk Koreografi Okulu'ndan mezun olan ve adını taşıyan bale yarışmasında birincilik ödülü alan Moldovalı koreograf Radu Polictaru. Serge Lifar, 2003'te Kiev'de Bolşoy Tiyatrosu'nda postmodern bir versiyonu sahneledi. Romeo ve Juliet Prokofiev (2004).

Bağımsız özel topluluklar ve farklı yönlerdeki okullar ortaya çıktı: Fadeechev'in önderliğinde “Dans Tiyatrosu” (başka bir isim “A. Ratmansky'nin Bale Tiyatrosu”), G. Taranda'nın “İmparatorluk Balesi”, bir dizi postmodern dans tiyatrosu (E.A. Panfilova) , G.M. Abramova, A.Yu.Pepelyaev). İlk özel bale tiyatrosu, Perm'deki (1987) E. Panfilov'un “Deney” tiyatrosuydu, 2000 yılında devlet statüsünü aldı ve modern isim: “E. Panfilov'un Perm Tiyatrosu.” Panfilov (1956–2002) klasik, modern, caz ve folkloru birleştiren benzersiz bir tarz yarattı. 49 bale ve 70 minyatür sahneledi. Koşmak müzik A.G. Schnittke, 1988; Mistral K. Orff'un müziği üzerine, 1993; Siyahlı adam, yeşilli kadın, müzik Çaykovski, 1994; Ölü ada müzik Rahmaninova, 1991; Siyah ve ateşli renklerde fanteziler müzik I.V. Mashukova, Enigma ve M. Ravel grupları, 1991; Bir Gülün Vizyonu Weber, 1994; Papağan kafesi bale müziğine Carmen Bizet-Şçedrin, Romeo ve Juliet, Prokofiev, 1996; Bir Gülün Vizyonu Weber, Papağan kafesi Bizet'in operasının müziğine Carmen, Habakkuk...Gizemli Dans V. Martynov'un müziği, 1998; Çeşitli tramvaylar, 2001, Abluka D. Shostakovich'in kuşatma senfonisinin müziğine, 2003). Panfilov'un tiyatrosu tamamen özgün bir performanstı; sadece koreografiyi değil aynı zamanda dekorasyonu, kostümleri ve ışıklandırmayı da kendisi besteledi. Tiyatro, ana gruba ek olarak, yalnızca profesyonel dansçılardan oluşan bir dizi yardımcı grup da yaratmıştır (1994'ten beri “Tolstoy Balesi”, 2000'den beri “Dövüş Kulübü”, 2004'ten beri “Bel Corps de Ballet”) . Savaşla ilgili bir oyun için Kadınlar, yıl 1945, Tolstoy Balesi'nin gerçekleştirdiği tiyatro, 2000 yılında “En İyi Yenilik” kategorisinde Altın Maske ödülüne layık görüldü. Cesur bir deneyci olarak erken ölen Panfilov, 21. yüzyılın ikinci Diaghilev ve koreografı olarak adlandırıldı. 2002 yılından bu yana tiyatronun sanat yönetmenliğini topluluğun önde gelen dansçılarından S.A. Raynik yapmaktadır.

Diğer çağdaş dans tiyatroları arasında (Çağdaş Dans) - V. ve O. Pon yönetimindeki "Çağdaş Dans Tiyatrosu" Altın Maske ödülünü iki kez kazanan (Chelyabinsk, 1992'den beri; Sinema çılgınlığı mı, yoksa Mars'ta hayat var mı?, 2001; İngiltere Kraliçesi hayatı biliyor mu?, 2004), Paris'teki uluslararası dans yarışmasının ödülü sahibi, T. Baganova yönetimindeki “İl Dansları” grubu (Ekaterinburg, 1990'dan beri, Düğün Stravinsky, 1999), Moskova Tiyatrosu “Deneysel Plastik Sınıfı”, tiyatro koreografı A. A. Vasilyev, 1990'dan beri, “Dans Tiyatrosu A. Kukin” , 1991'den beri Satyricon Tiyatrosu koreografı V. Arkhipov'un “Nota Bene” grubu 1999'dan beri. Rusya'daki en entelektüel dans tiyatrolarından biri Moskova grubu “PO.V.S. Dansları”dır (yerde bale) Cesetlerin yaprakları elektronik müzik üzerine, 2003).

KLASİK DANS TEKNİKLERİ

Klasik dansta, bacaklar dışarı doğru dönecek şekilde gerçekleştirilen beş bacak pozisyonu vardır (bundan dolayı "katılım" terimi kullanılır). Sadece ayak parmaklarını farklı yönlere çevirmekten bahsetmiyoruz, kalça ekleminden başlayarak tüm bacağın döndürülmesi gerekiyor. Bu ancak yeterli esneklikle mümkün olduğundan, dansçı gerekli pozisyonu çaba harcamadan almayı öğrenmek için her gün ve uzun süre pratik yapmalıdır.

Neden eversiyona ihtiyacınız var?

Birincisi, eversion tüm yanal hareketleri kolaylıkla ve zarafetle gerçekleştirmenize olanak tanır. Dansçı izleyiciye dönük kalarak bir yandan diğer yana hareket edebilir. İkincisi, gerekli kıvrım geliştirildiğinde bacaklar daha kolay hareket eder ve vücudun dengesini bozmadan bacağınızı çok daha yükseğe kaldırabilirsiniz. Bacak ters pozisyonda uzatıldığında kalçalar aynı yatay seviyede kalır. Dansçının katılımı yoksa bacağın yukarı doğru hareket etmesine fırsat vermek için bir kalçasını kaldırmak zorunda kalır ve bu durumda denge bozulur. Böylece eversiyon maksimum denge ile maksimum hareket özgürlüğü sağlar. Üçüncüsü, dışa dönüklük sayesinde vücut hatları ve dansçının genel görünümü daha çekici hale gelir.

Klasik dans pozisyonları.

İlk pozisyon: Ayaklar topuklara değiyor ve ayak parmakları dışarı doğru dönük, yerde düz bir çizgi oluşturuyor.

İkinci konum birincisine benzer, ancak dışa dönük bacakların topukları birbirinden ayağın uzunluğu kadar (yani yaklaşık 33 cm) aralıklıdır.

Üçüncü konum: Ayaklar, bir ayağın topuğu diğer ayağın ortasına değecek şekilde (yani bir ayağın yarısı diğerini kaplayacak şekilde) birbirine bitişiktir. Bu pozisyon günümüzde nadiren kullanılmaktadır.

Dördüncü konum: Mafsal ayakları birbirine paralel olarak yaklaşık bir ayak aralıkla (33 cm) durur. Bir ayağın topuğu diğerinin ayak parmağının tam önünde olmalıdır; bu şekilde ağırlık eşit olarak dağıtılır.

Beşinci konum dördüncüye benzer, tek farkı ayakların birbirine sıkıca oturmasıdır.

Tüm klasik dans adımları bu pozisyonlardan türetilir. Başlangıçta pozisyonlar her iki ayak yerde ve dizler düz olacak şekilde gerçekleştirilir. Daha sonra, çeşitli seçenekler ortaya çıkar: Bir veya her iki dizinizi bükebilirsiniz (pliés), bir veya her iki topuğunuzu kaldırabilirsiniz (ayak parmaklarınızın üzerinde dururken), bir bacağınızı havaya kaldırabilirsiniz (diz düz veya bükülmüş olabilir), yerden kaldırabilirsiniz. yerde, havadaki pozisyonlardan birini alıyor.

Çözüm.

20. yüzyılın sonunda. Bale sanatının karşılaştığı sorunlar giderek daha net hale geldi. 1980'lerde Balanchine, Ashton ve Tudor öldüğünde (1980'lerde) ve Robbins aktif işten emekli olduğunda, yaratıcı bir boşluk ortaya çıktı. 20. yüzyılın sonlarında çalışan genç koreografların çoğu, klasik dansın kaynaklarını geliştirmekle pek ilgilenmiyordu. Klasik dansın yoksul göründüğü ve modern dansın bedensel yetenekleri belirlemede özgünlükten yoksun olduğu farklı dans sistemlerinin bir karışımını tercih ettiler. Koreograflar, modern yaşamın özünü oluşturan şeyleri aktarma çabası içinde, sanki düşünceleri vurgulamak istercesine parmak tekniklerini kullanıyor, ancak geleneksel el hareketlerini (port de bras) göz ardı ediyor. Destek sanatı, bir kadının yerde sürüklendiği, fırlatıldığı, döndürüldüğü, ancak neredeyse hiçbir zaman onunla desteklenmediği veya onunla dans etmediği partnerler arasındaki bir tür etkileşime indirgenmiştir.

Çoğu topluluk, repertuarlarını 19. yüzyıl klasiklerini içerecek şekilde oluşturur. ( Sülfit, Giselle, kuğu Gölü, uyuyan güzel), 20. yüzyılın ustalarının en ünlü baleleri. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor ve Ashton), MacMillan, Cranko, Tetley ve Kilian'ın popüler yapımları ve Forsyth, Duato, Koudelki gibi yeni nesil koreografların çalışmaları. Aynı zamanda dansçılar daha iyi eğitim alıyor çünkü... Daha bilgili öğretmenler var. Nispeten yeni olan dans tıbbı alanı, dansçılara yaralanmaları önlemeye yönelik tekniklere erişim sağladı.

Dansçıları müzikle tanıştırma sorunu var. Yaygın popüler müzik tarz çeşitliliğini bilmiyor, birçok ülkede müzik okuryazarlığı eğitimi düşük seviyede, dansların koreografisi yapılırken fonogramlar sürekli kullanılıyor - tüm bunlar dansçılar arasında müzikalitenin gelişmesine engel oluyor.

Bale yarışmaları son yıllarda yeni bir fenomen haline geldi; ilki 1964'te Varna'da (Bulgaristan) düzenlendi. Bu yarışmalar yalnızca ödül almakla kalmıyor, aynı zamanda en prestijli organizasyonları temsil eden jüri karşısına çıkma fırsatı da sunuyor. Yavaş yavaş, farklı ülkelerde en az on tane olmak üzere daha fazla yarışma yapıldı; bazıları para yerine burs teklif ediyor. Koreograflara duyulan ihtiyaç nedeniyle koreografi yarışmaları da ortaya çıktı.

En ünlü bale yarışmaları: Moskova Uluslararası, Benois de la Dance, Grand Pas, Avrupa Çağdaş Dans Festivali EDF, (Moskova); Maya, Vaganova ödülü, Mariinsky, Beyaz Gecelerin Yıldızları, Egzersiz-Modern (St. Petersburg), Kiev'de Serge Lifar Koreograflar Yarışması. Varna (Bulgaristan), Paris (Fransa), Lozan (İsviçre), Osaka (Japonya), Rieti (İtalya), Jackson (ABD) şehirlerinde de uluslararası bale yarışmaları düzenleniyor. Çok sayıda çağdaş dans yarışması (Çağdaş Dans Bienali, Lyon, Pina Bausch Çağdaş Dans Festivali (Wuppertal)) kamuoyunda büyük yankı uyandırıyor.

Elena Yaroşeviç

Edebiyat:

Krasovskaya V. , bölüm 1. Koreograflar. L., 1970
Krasovskaya V. Yirminci yüzyılın başlarındaki Rus bale tiyatrosu, bölüm 2. Dansçılar. L., 1972
Karp P. Bale hakkında. M., 1974
Gayevski V. Yönlendirme. Klasik balenin kaderi. M., 1981
Krasovskaya V. Kökenlerinden 18. yüzyılın ortalarına kadar Batı Avrupa bale tiyatrosu. L., 1983
Krasovskaya V. Batı Avrupa bale tiyatrosu. Noverre dönemi. L., 1983
Krasovskaya V. Batı Avrupa bale tiyatrosu. Ön romantizm. L., 1983
Krasovskaya V. Batı Avrupa bale tiyatrosu. Romantizm. L., 1996
Solway D. Rudolf Nureyev sahnede ve hayatta. M., 2000