18. yüzyıldan kalma sanat eserleri. 18. yüzyıl ortası sanatı

18. yüzyılın başı Rusya için bu, olağan yaşam tarzında bir kopuş, öncelikle başkenti ve taşra soylularını etkileyen Batı kültürel modellerinin taklit edilmesine doğru bir dönüş ile işaretlendi. 18. yüzyılın başından itibaren Rus sanatı. laik olur. Şimdiye kadar bilinmeyen mekansal sanat türleri ve türleri ortaya çıkıyor: gravür, anıt, heykelsi portre, peyzaj mimarisi vb. Yeni sanat türlerinin ve türlerinin ortaya çıkışı, Rus ordusunun ve donanmasının zaferlerini yansıtan, yapım aşamasında olan St. Petersburg'un çizimleri ve haritalarını oluşturma ihtiyacıyla ilişkilendirildi.

Gravürcüler, heykeltıraşlar, ressamlar ve mimarlar için bir mesleki eğitim sistemi ortaya çıkıyor. Öğretmenler genellikle yurt dışından davet edilen tanınmış ustalardır. Avrupa'dan Rusya'ya çeşitli sanatsal tarzlar geldi - barok ve rokoko, klasisizm, eğitici gerçekçilik ve daha sonra duygusallık ve romantizm öncesi. Böylece, Rusya'daki sanatsal süreçler pan-Avrupa süreçleriyle giderek daha yakından bağlantılı hale geliyor, yalnızca halk sanatı geleneksel kalıplara ve faaliyet yöntemlerine sadık kalıyor.
18. yüzyılın ilk yarısının önde gelen sanatsal tarzı. Rusya'da barok hale geliyor - Rus otokrasisinin ihtişamını ve gücünü somutlaştıran mutlakiyetçilik tarzı. Rus Barok'u, iyimser duyguları ve olumlu başlangıcıyla Batı Avrupa'dan farklıydı. Rus Barok'taki en önemli şey, Rusya'nın yeni başkenti St. Petersburg'da sarayların inşasıdır.

B.-K. Rastrelli.
Peter I'in büstü. 1723-1729.
Peter'ın zırhında Poltava Savaşı'nın kabartma resimleri var. Ayrıca Roma imparatorlarının kıyafetleri içindeki Peter'ın elinde bir asa ve küreyle bir kadın figürü oyduğu bir resim

1706 yılında inşaat işlerini yönetmek için U.A. başkanlığındaki Şehir İşleri Dairesi kuruldu. Sinyavin. Neva'nın sol yakasında Amirallik tersanesi kalesinin inşaatı başladı.
1710-1711'de Peter I'in ilk Kış Sarayı inşa edildi.Yüksek bir çatıyla örtülü iki katlı bina, küçük, zarif bir portal ve dar pilasterlerle süslenmişti. 1726-1727'de mimar Dominico Trezzini binaya iki kanat ekledi ve merkezini dört sütunla vurguladı.

1720'lerin sonunda. St.Petersburg'un görünümü belirlendi. 1737'de St.Petersburg Binaları Komisyonu kuruldu, mimari kısmına P.M. Eropkin. Komisyon, merkezin Amirallik tarafına taşındığı başkent için bir master plan geliştirdi. Amirallik Kulesi'nden ayrılan üç ana şehir otoyolunun yönleri ana hatlarıyla belirtildi. I.K. Korobov (1700/1701-1747), yüksek yaldızlı bir sivri uçlu ve gemi şeklinde bir rüzgar gülü olan yetmiş metrelik taştan bir Amirallik kulesi inşa etmeyi önerdi.
Merkezi bölgenin tamamının sadece taş binalardan inşa edilmesi emredildi. Bu zamanın baskın yapı türü, başkentteki veya banliyölerindeki saray-mülklerdi.

18. yüzyılın ortalarında Rus mimarisinin en parlak dönemi. Barok üslupla ve çalışmalarında Batı Avrupa Barokunun özelliklerini ve onun sözde "Naryshkin" düzenlemesini birleştiren Francesco Bartolomeo Rastrelli'nin (1700-1771) adıyla ilişkilidir. 16 yaşında bir çocuk olarak St.Petersburg'a gelen Rastrelli, Anna Ioannovna döneminde bağımsız çalışmaya başlayarak iki kez yurt dışına çıktı. İlk binaları Moskova'daki ahşap Kış Sarayı Annenhof ve Kremlin yakınındaki Yaz Sarayıydı. Rastrelli, Apraksin ve Kikin'in evlerini birleştirerek ve Amirallik tarafının köşelerine iki yeni bina inşa ederek St. Petersburg'da üçüncü Kış Sarayı'nı inşa etti. Sarayın Neva boyunca neredeyse 150 m boyunca uzanan cepheleri hala Büyük Peter'in Barok özelliklerini koruyordu, ancak Rastrelli'nin eli bir dizi iç mekanın - Taht Salonu, ön oda ve Tiyatro - tasarımında zaten hissediliyordu. .

1749'da Elizabeth, Smolny Manastırı'nın inşasına ilişkin bir kararname yayınladı. 1748 yılında yapımına başlanan katedralin inşaatı, kaynak yetersizliği nedeniyle askıya alındı. Rastrelli bunu hiç bitirmedi ama ortaya çıkan bina onun dikkat çekici yaratımlarından biriydi.
Smolny Manastırı'nın inşası üzerinde çalışırken Rastrelli, İmparatoriçe'den Büyük Peterhof Sarayı'nın yeniden inşası için çalışmaya başlama emri aldı. Mimara bir şart verildi: Peter'dan kalan bina kompleksini korumak ve sarayı önemli ölçüde genişletmek.

Rastrelli'nin en mükemmel eseri, inşaatı 1752'den 1757'ye kadar gerçekleştirilen Tsarskoe Selo'daki Büyük veya Catherine Sarayı'dır. Daha önce başlanan sarayın inşaatı Elizabeth'i tatmin etmedi. Rastrelli, sarayı devasa bir salonlara dönüştürdü ve geniş düzenli bahçeye park pavyonları dikti. Sarayın diğer tarafı tek katlı binalarla sınırlandırılmış devasa bir avluya bakıyor. Sarayın orta kısmındaki oda süiti harika bir dekorasyona sahipti - yaldızlı ahşap oymalar ve boyalı abajurlar.

Rastrelli, St. Petersburg'un merkezinde dördüncü Kış Sarayı'nı inşa etti. Neredeyse hiç değişmeden korunan Saray, geniş bir avluya sahip kapalı bir dörtgen şeklinde inşa edilmiş, Rus Barok döneminin zirve başarısıdır; büyüklüğü çevredeki alana hakimdir. Sayısız sütun ya gruplar halinde toplanıyor, özellikle de pitoresk olanlar binanın köşelerinde ya da yolları ayrılıyor. Çatı korkuluklarında onlarca dekoratif vazo ve heykel bulunmaktadır. Rastrelli her cepheyi farklı şekilde tasarladı. Böylece, Neva'ya bakan Kuzey cephesi, gözle görülür çıkıntılar olmadan az çok düz bir duvar gibi uzanıyor. Saray Meydanı'na bakan güney cephesi yedi bölümden oluşur ve ana cephedir. Merkezi, üç giriş kemeriyle kesilmiş geniş, cömertçe dekore edilmiş bir rizolit ile vurgulanmıştır. Yan cephelerden en etkileyici olanı Amiralliğe bakan batı cephesidir. Rastrelli'nin yarattığı sarayın iç mekanlarından Ürdün Merdiveni ve Büyük Kilise'nin bir kısmı Barok görünümünü korudu. Catherine II'nin tahta çıkmasından sonra Rastrelli emir almayı bıraktı; Barok üslup mahkeme tarafından beğenilmedi. 23 Ekim 1763 Catherine, Rastrelli'yi baş mimarlık görevinden istifa etmeye karar verdi. 1771'de İmparatorluk Bilimler Akademisi'ne üye olarak kabul edilmek için talepte bulundu, talep 9 Ocak 1771'de kabul edildi. Aynı yıl Rastrelli ölür.

Rastrelli'nin çalışmalarının etkisi bağımsız çalışan mimarlar üzerinde de güçlüydü. Bu ustalardan biri, iki katlı Aziz Nikolaos Deniz Katedrali'ni inşa eden S.I. Chevakinsky'dir (1709/1713 - yaklaşık 1780).

Ayrıntılar Kategori: 18. Yüzyıl Rus Sanatı Yayınlandı 02/10/2018 18:52 Görüntüleme: 2730

Rusya için 18. yüzyıl, Peter I'in reformlarıyla bağlantılı bir değişim dönemidir. Bu reformlar, ülke yaşamının neredeyse tüm alanlarını etkiledi:

ekonomi, hükümet, askeri işler, eğitim, toplumsal düşünce, bilim ve kültür. Büyük Peter'in kestiği "Avrupa'ya açılan pencereden" modern zamanların tüm başarıları kelimenin tam anlamıyla Rusya'ya aktı.
Rus sanatı, Batı Avrupa deneyimini çeşitli şekillerde ustalaştırdı ve işledi: yurtdışından hazır sanat eserleri satın alındı ​​​​ve o dönemde Rusya'da çok aktif olarak yer alan yerli ve yabancı uzmanlar tarafından kendi eserleri yaratıldı. Yetenekli insanlar, masrafları devlet tarafından karşılanmak üzere Avrupa'ya gönderildi.

18. yüzyılın sanatsal yaratıcılığının özellikleri

Yeni zamanlar aynı zamanda Orta Çağ'ın yerini alan yeni bir kültür yarattı. Güzellik fikri ve onun düzenleme biçimleri değişti.
Aynı zamanda, Büyük Petro'nun sanatının henüz tam olarak yerleşmediğini, yabancı sanatın filtrelenmediğini, ancak Rus sanatında baskın bir öneme sahip olmadığını da unutmamalıyız. Hayatın kendisi her şeyi yerine koydu ve Rus kültüründe yalnızca Rus topraklarında kök salmış ve ulusal çıkarları karşılayan şey kaldı. Rus sanatını Orta Çağ'ın kapalı alanından çıkarıp pan-Avrupa sanatıyla ilişkilendiren ve dünya standartlarında başyapıtlardan örnekler sunan işte bu süreçti.
Kamusal dünya görüşünün değiştiğini unutmamalıyız - Rusya mutlakiyetçilik yolunu tuttu. Bilim ve eğitim gelişti. Bilimler Akademisi oluşturuldu, kitap basımı aktif olarak geliştirildi ve kültür laik bir gelişim yoluna girdi. Bu değişimler özellikle görsel sanatlar ve mimaride belirgindi.
Kentsel planlamanın ilkeleri değişti - bunlar yerleşim planı, belirli bina türleri, cephe kompozisyonları, dekor, iç mekan vb. ile ilgilidir.
18. yüzyılın ikinci yarısında. Barok'un yerini antik çağ ilkelerine dayanan klasisizm aldı. Ancak Rus mimarisinde klasisizmin özellikleri 18. yüzyılın ilk yarısında zaten farkedildi: formların sadeliği, dengesi ve ciddiyeti. Sanayi ve ticaretin gelişmesiyle bağlantılı olarak, endüstriyel, devlet ve kamu açısından önem taşıyan binaların inşasına ihtiyaç ortaya çıktı: bankalar, borsalar, marketler, misafirhaneler, devlet daireleri. Kültür ve eğitimin gelişmesi kütüphanelerin, tiyatroların, üniversitelerin ve akademilerin inşasına yol açtı. Soyluların ayrıcalıkları genişledi ve bu da kırsal alanlarda soyluların mülklerinin büyümesine yol açtı.

Tablo

18. yüzyılın ilk yarısında. Laik portre türü oluşturuldu. Bu döneme "Petrus'un zamanının portresi" denir. Resimde portre türü hakim olur. Zaten 17. yüzyılın sonlarındaki parsunadan çok farklı. tasvir edilen kişinin kompozisyonu, rengi, bireyselleştirilmesi.

I. G. Tannauer. Peter I'in portresi
Sanatçılar, bir düzlem üzerinde görüntüde derinlik ve hacim yaratan doğrudan perspektifi kullanmaya başladılar. Büyük Petro'nun döneminin sanatı, yüksek bir onaylama duygusuyla karakterize edilir, bu yüzden ana tema kişidir ve ana tür portredir.
Ancak Büyük Petro döneminde yazarlık sorunu karmaşık bir sorun olarak kaldı. Sanatçılar bazen eserlerine imza atmıyordu. Ayrıca modelin belirlenmesinde de sorun vardı çünkü Sipariş edilen portreler genellikle tasvir edilen kişinin büyük ölçüde süslenmesiyle yaratıldı, özellikle de bunlar genellikle imparator ve ailesinin üyeleri ve onların çevresi olduğu için.

I. Nikitin. Şansölye Golovkin'in portresi
Parsuna yavaş yavaş yerini alıyor ancak dönemin ileri sanatçılarının eserlerinde bile bir süre varlığını sürdürüyor: I. Nikitina, I. Vishnyakova, A. Antropova, A. Matveeva, I. Argunova ve ortaçağdan yeni tarza geçişin henüz tamamlanmadığını gösteren diğer sanatçılar. Parsunizmin izlerine 18. yüzyılın ikinci yarısında, özellikle kendi kendini yetiştirmiş serflerin ve taşra zanaatkarlarının eserlerinde de rastlanır.

I. Vishnyakov. Ksenia Ivanovna Tishinina'nın Portresi (1755)
18. yüzyılın ikinci yarısının Rus resminde. İki sanatsal tarz hakim oldu: klasisizm ve duygusallık.
Portre türü daha da gelişti. Sanatçılar V. Borovikovski Ve F. Rokotov duygusallık tarzında çalıştı ve bir dizi lirik ve manevi portre yarattı.

V. Borovikovski. E.N.'nin portresi Arsenyev (1796)
Bir portre sanatçısı olağanüstü insanların resimlerinden oluşan bir galeri oluşturdu D. Levitsky.

Mimari

18. yüzyılın ilk yarısı. mimaride Barok üslupla işaretlenmiştir. Rus Barok'un gelişiminin ilk aşaması, Rus İmparatorluğu dönemine kadar uzanır ve 1680'lerden 1700'lere kadar Moskova Barok'u gelişmeye başladı; bunun ana özelliği, mimari düzen ve mimari unsurların yaygın kullanımıydı. tapınak mimarisinde merkezli kompozisyonların kullanımı.

St.Petersburg'un kuruluşu, Rus mimarisinin gelişimine güçlü bir ivme kazandırdı; Peter I'in faaliyetleriyle Rus Barokunun gelişiminde yeni bir aşama başladı, bu aşamaya "Petrine Barok" adı verildi. İsveç, Alman ve Hollanda sivil mimarisi örnekleri. Ancak bu dönemin yalnızca ilk mimari anıtları (örneğin, St. Petersburg'daki Peter ve Paul Katedrali) fiilen Rus etkisinden kurtuldu. Yabancı mimarların çokluğuna rağmen Rusya'da yeni bir mimarlık ekolü oluşmaya başlıyor.

Büyük Peter'in zamanının mimarisi, hacimsel yapıların sadeliği, bölümlerin netliği ve dekorasyonun kısıtlanması ve cephelerin düzlemsel yorumlanmasıyla ayırt edildi. St. Petersburg'un ilk mimarları: Jean Baptiste Leblond, Domenico Trezzini, Andreas Schlüter, JM Fontana, Nicolo Michetti Ve G. Mattarnovi. Hepsi Peter I'in daveti üzerine Rusya'da çalıştı. Her biri, temsil ettiği mimarlık okulunun geleneklerini inşa ettikleri binaların görünümüne tanıttı. Rus mimarlar aynı zamanda Avrupa Barok geleneklerini de benimsediler; Mihail Zemtsov.

Kışlık Saray, Elizabeth Barok döneminin en ünlü anıtlarından biridir.
Elizabeth Petrovna'nın hükümdarlığı sırasında yeni bir Elizabeth dönemi barok tarzı gelişti. Seçkin mimar Francesco Bartolomeo Rastrelli'nin adıyla ilişkilidir. Ancak bu tarz daha çok Büyük Peter ile değil, Moskova Barok'uyla ilişkilidir. Rastrelli, St. Petersburg ve çevresinde saray kompleksleri tasarladı: Kışlık Saray, Catherine Sarayı, Peterhof. Kreasyonları muazzam ölçekleri, dekoratif dekorasyonun ihtişamı ve altın kullanılan iki veya üç renkli cepheleriyle karakterize ediliyor. Rastrelli'nin mimarisinin şenlikli doğası, 18. yüzyılın ortalarındaki tüm Rus sanatına damgasını vurdu.
Elizabeth Barok'ta önemli bir yer, 18. yüzyılın ortalarında Moskova mimarlarının çalışmalarına aittir. başkanlığında D. V. Ukhtomsky Ve I. F. Michurin.
1760'larda Rus mimarisinde Barok'un yerini yavaş yavaş klasisizm aldı.
Katı klasisizmin yükselişi yaratıcılıkla ilişkilidir M.F. Kazakova(1738-1812). Moskova'daki neredeyse tüm anıtsal yapılar 18. yüzyılın sonlarından kalmadır. onun tarafından yaratıldı: Kremlin'deki Senato Sarayı, Petrovsky Seyahat Sarayı, Büyük Tsaritsyn Sarayı, Butyrka, vb.

Mokhovaya Caddesi'ndeki Moskova Üniversitesi'nin eski binaları. Mimar M.F. Kazakov
1812'de Moskova yangını sırasında bina neredeyse tamamen yandı. Ahşaptan yapılmış tüm zeminler kayboldu. Pek çok özel materyalin yer aldığı kütüphane yıkıldı. Müze koleksiyonu ve arşivleri yok oldu. 1819 yılına kadar Domenico Gilardi eski binanın yeniden inşası üzerinde çalıştı.
Günümüzde Moskova Devlet Üniversitesi'ndeki Asya ve Afrika Ülkeleri Enstitüsü burada bulunmaktadır.
Erken klasisizmin ustaları A.F. Kokorinov(1726-1772) ve Fransızca J.B. Valen-Delamote(1729-1800). Kokorinov'un eserleri Barok'tan Klasisizm'e geçişi işaret ediyor. Onlar, St. Petersburg'daki İmparatorluk Sanat Akademisi'nin inşası projesinin yazarlarıdır. Ve Valen-Delamot aynı zamanda Küçük Ermitaj binasının da sahibidir.
I.E. Starov(1745-1808) - 18. yüzyılın ikinci yarısının en büyük mimarı. Eserleri arasında St. Petersburg'daki Tauride Sarayı (1783-1789) bulunmaktadır. Bu, Tauride Prensi unvanını taşıyan G.A. Potemkin'in devasa bir şehir mülküdür.
80-90'larda şampiyonluk mimarlar Quarenghi ve Cameron'a geçti. D. Quarenghi(1744-1817), doğuştan İtalyan, çoğunlukla St. Petersburg'da çalıştı. Quarenghi için tipik bir bina üç bölümden oluşan bir binadır: merkezi bir bina ve ona galerilerle bağlanan iki kanat. Kompozisyonun merkezi bir revakla vurgulanmıştır. Quarenghi, Bilimler Akademisi binasını ve Atama Bankası binasını inşa etti. Daha sonra Tsarskoe Selo'da Hermitage Tiyatrosu ve Alexander Sarayı'nı yaratır. Smolny Enstitüsünün binaları da Quarenghi'nin eseridir.
Cameron- Pavlovsk'taki saray mülkünün yazarı.

Smolny Enstitüsü'nün binası. Mimar D. Quarenghi

Heykel

18. yüzyılın ikinci yarısında. heykel alanındaki en yüksek başarılar yaratıcılıkla ilişkilidir F.I. Shubina(1740-1805). Shubin, Rus heykel portre sanatının ustasıdır. Rusya'da bu türden öncülleri yoktu. Yarattığı heykelsi portreler galerisi (A.M. Golitsyn, P.A. Rumyantsev, M.V. Lomonosov, Paul I, vb.) gerçekçiliği ve ifade gücüyle öne çıkıyor.
18. yüzyılın ikinci yarısının anıtsal heykeli. En büyüğü “Bronz Süvari” olmak üzere birçok eserle temsil edilmektedir. EM. Falcone- Peter I'in atlı anıtı.
Heykelde klasisizmin önde gelen temsilcisi Mİ. Kozlovski. A. Suvorov'a ait anıtta, portre benzerliği olmasa da modern bir kahramanın imajını somutlaştırdı. Daha ziyade, bu bir kahraman komutanın genelleştirilmiş bir görüntüsüdür. Mİ. Kozlovsky, Peterhof'taki ünlü heykel grubu “Aslanın Ağzını Yırtan Samson” un yazarıdır.

St. Petersburg'daki Suvorov Anıtı (1801). Anıtın altındaki yazıt: İtalya Prensi Rymnikli Kont Suvorov

Peter I dönemi, modern zamanların tüm Rus sanatı için temel öneme sahiptir.Rusya, kültürel yapı alanı da dahil olmak üzere her alanda Batı Avrupa ülkeleriyle aynı seviyede durmak zorundaydı. Peter, Batı'nın ileri sanatsal deneyimine hakim olmanın Rusya için büyük önemini anladı. Batı Avrupalı ​​ustaların eserleri satın alındı, Rus ustaların pahasına Avrupa'da okumak üzere emekli gezileri düzenlendi, yabancı sanatçılar Rusya'da Rus ustaları çalışmaya ve eğitmeye davet edildi.

I. N. Nikitin. Zemin hetmanının portresi. 1720'ler Kanvas, yağlıboya.

Rus sanatındaki değişimlere dikkat çekerken, bunların büyük bir tarihi mirasa dayandığını ve sanatsal kültürün önceki gelişim süreci tarafından hazırlandığını unutmamalıyız. 17. yüzyıl sanatında. Yeni özellikler zaten ortaya çıktı, örneğin sarayların inşası, resimdeki portre türü belirlenmeye başlandı, ancak bunlar en çok 18. yüzyılın başında tam olarak ortaya çıktı. Ulusal gelenekler, Rusya'da çalışan birçok yabancı ustanın yaratıcılığının doğasını kesin olarak etkiledi.

A. M. Matveev. Eşimle otomatik cevap ver. Kanvas, yağlıboya.

Peter'ın kültür alanındaki dönüşümlerinin özü, onun “sekülerleşmesi”dir. Bu, sanatın seküler hale gelmesi, yalnızca dini kültün çıkarlarına hizmet etmekten vazgeçmesi anlamına geliyor. Sanatın bileşimi dönüşüyor, yeni sanatsal faaliyet türleri ve türler ortaya çıkıyor ve son olarak görsel dil değişiyor. Resmin temeli, Orta Çağ'da olduğu gibi kanonlaştırılmış modelleri takip etmek değil, gözlem yapmak, dünyevi doğa ve insan biçimlerinin incelenmesidir.

Büyük Petro'nun zamanından başlayarak 18. yüzyılın tamamı boyunca resim türleri arasında. portre lider olur. İki Rus portre ressamının çalışmaları - I. N. Nikitin ve A. M. Matveev, gerçek psikolojik portrenin doğuşuna işaret ediyor.

V. L. Borovikovsky. A.G. ve V.G. Gagarin'in portresi. 1802. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova

Büyük Petro döneminin sivil ve saray inşaatı, Rus mimarlık tarihinde yeni bir parlak dönemdir.

Pratik yaşamın görevlerine bağlı olan Peter'ın zamanında sanat, yüksek derecede bir beceri olarak anlaşıldı - resim, heykel veya bir gemi modeli veya saat mekanizmaları olsun, her konuda "sanat". Sanatın teknoloji, bilim ve zanaatla birleşimi, Büyük Petro dönemi kültürünün özel sanatsal ve mühendislik karakterini belirler. Sadece devlet değil, aynı zamanda Peter I'in en büyük kültürel eylemi, yeni sanatın merkezi haline gelen genç Rus İmparatorluğu'nun yeni başkenti St. Petersburg'un kuruluşuydu.

A. G. Venetsianov. Hasatta. Yaz. 1820'ler Kanvas, yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

Sanat, anıtsal bir ölçeğin yanı sıra şenlikli, görkemli ve dekoratif bir karakter kazanarak yaşamı ve gündelik yaşamı süsleme amacına hizmet etmeye başlar. Bu özellikler, en canlı ve mükemmel ifadesini, Barok tarzın parlak örnekleri olan Tsarskoe Selo'daki Büyük Saray'ın ve St. Petersburg'daki Kış Sarayı'nın kurucusu büyük mimar V.V. Rastrelli'nin çalışmalarında aldı.

18. yüzyılın ikinci yarısı. - modern zamanların Rus sanatının güçlü, parlak bir şekilde çiçek açtığı bir dönem. Avrupa'nın çıraklık dönemi geçti. 1757'de kurulan St. Petersburg Sanat Akademisi, ulusal sanat personelinin demirbaşı haline geldi. Sanat eğitimi sistemi modernize edildi ve Avrupa kültür dünyasıyla temaslar daha odaklı hale geldi. Sanat Akademisi'nin başlangıcı, klasik sanatın ve Rönesans'ın klasik eserlerinde yeniden keşfedilen, Barok'un dekoratif ihtişamını ve savurganlığını katı mantık, makul netlik ve orantılılıkla karşılaştıran bir stil olan klasisizmin kuruluşuyla aynı zamana denk geldi. Mimarlıkta bu, Moskova'daki Pashkov evinin yazarı V. I. Bazhenov, Moskova Kremlin'deki Senato binasının ve Moskova'daki birçok kamu ve özel binanın inşaatçısı M. F. Kazakov, I. E. Starov gibi seçkin mimarların faaliyet zamanıdır. St.Petersburg'daki Tauride Sarayı'nı inşa eden projeye göre Charles Cameron, St. Petersburg yakınlarındaki Pavlovsk'ta muhteşem bir saray ve bahçe ve park topluluğunun yaratıcısıdır. F. G. Gordeev, I. P. Martos, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin'in eserlerinde Rus heykelinin yükselişi de klasisizm dönemiyle ilişkilidir. F. I. Shubin'in portre heykeli, herhangi bir geleneksel şemaya yabancı olan olağanüstü psikolojik içgörü, cesaret ve sanatsal tekniklerin esnekliği ile ayırt edilir. Rus sanatının 18. yüzyılın ikinci yarısında ulaşılan olgunluğunun kanıtı, yaratıcı bireylerin çeşitliliğidir; bu, örneğin portre resminin en büyük iki ustası F. S. Rokotov ve D. G. Levitsky'nin sanatsal üsluplarındaki farklılığa yansır. . Levitsky'nin tablosu parlaklıkla, maddi dünyanın görünür güzelliğiyle coşkuyla dolu, yaşamın dolgunluğuyla, yeniden yaratılan insan türlerinin şaşırtıcı çeşitliliğiyle, duygusal tonlamaların zenginliğiyle - ciddiyet, zarafet, kurnazlık, gurur, coquetry vb. - büyülüyor. 1770'lerin en iyi portrelerinde Rokotov. Pitoresk arka planların karanlığından gizemli bir şekilde titreşen, yüz ifadelerinin nüanslarında ve tonlarında kendini gösteren, samimi bir karakterizasyon ustası olarak ortaya çıkıyor. 18. yüzyıl portre sanatının parlak gelişimini tamamlayan V. L. Borovikovsky'nin eseri, duygusallığın fikir ve duygularının etkisiyle dikkat çekiyor.

F. S. Rokotov. A. P. Struyskaya'nın portresi (parça). 1772. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

19. yüzyılın gelişiyle. Rus sanatında önemli değişiklikler yaşanıyor. Yüzyılın başlangıcı, ilk temsilcisi O. A. Kiprensky olan yeni bir sanatsal hareketin - romantizmin doğuşuyla işaretlendi. Rus resmi, manzaradaki açık hava resminin keşfini S. F. Shchedrin'e borçludur. A.G. Venetsianov, Rus gündelik türünün kurucusu oldu. İlk kez köylü yaşamının tasvirine dönerek onu uyum, ihtişam ve güzelliklerle dolu bir dünya olarak gösterdi. Akademik estetikte var olan “basit doğa” ve “zarif doğa” karşıtlığının aksine, zarif olan, daha önce sanata layık görülmeyen bir faaliyet alanında keşfedildi. Venetsianov'un resimlerinde ilk kez Rus kırsal doğasının duygulu lirizmi duyuldu. Mükemmel bir öğretmen, A.V. Tyranov, G.V. Soroka ve diğerleri gibi çok sayıda sanatçıyı eğitiyor. Çalışmalarında manzara ve portrenin yanı sıra önde gelen türlerden biri de iç mekandır. Rus sanatının tür kompozisyonu zenginleşiyor. Hayatı sade, gösterişsiz görünümüyle, gündelik hayatın huzurlu akışında, yerel doğa resimlerinde tasvir ederek, sanattaki güzelliği, güzel ve şiirsel olanı dinlenme ve sessizlik anları olarak algılayan sıradan insanların duygularıyla orantılı hale getirdiler. günlük endişeler ve emekler. Aynı zamanda, akademik okulun aksine, geçmişin geleneksel kalıplarına yönelime değil, sıradan, gündelik gerçeklikte uyumlu kalıplar ve şiir arayışına dayanan bir görsel sistem ortaya çıkıyor. Gerçeklik sanatı güçlü bir şekilde istila eder ve 40'lı yıllara götürür. edebiyattaki "doğal okul" ile bir benzetmeyi temsil eden gündelik ve hiciv grafiklerinin gelişmesine (V.F. Timm, A.A. Agin). Bu sanat çizgisi, çatışmayı günlük resme sokan, hicivli bir sosyal arka planla dramatik eylem geliştiren, dış çevreyi toplumun sosyal, ahlaki ve daha sonra psikolojik özelliklerinin amaçlarına hizmet etmeye zorlayan P. A. Fedotov'un çalışmalarında doruğa ulaşır. kahramanlar. Akademik okulun geleneksel biçimlerinin yeniden düşünülmesi, bir yandan K. P. Bryullov'un "Pompeii'nin Son Günü" ve A. A. Ivanov'un "İsa'nın İnsanlara Görünmesi" gibi tarihi resim sanatında anıtsal yaratımların ortaya çıkmasına neden oluyor. diğer. Ivanov, resmi derinlemesine psikolojik gelişimle, büyük bir tuval üzerinde çalışmanın yeni bir eskiz yönteminin keşfiyle zenginleştirdi. Klasik mirasın bilgece özümsenmesi, açık havada resim yapma deneyimiyle onun ilkelerini sınaması, yaratıcı kavramların ölçeği, insanları aydınlatmak ve manevi kültürlerini geliştirmek için büyük bir sorumluluk olarak yaratıcı armağana yönelik tutum - tüm bunlar Ivanov'un çalışmasını yalnızca bir mükemmeliyet okulu değil, aynı zamanda sanatta hümanizm konusunda da büyük bir ders haline getirdi.

O. A. Kiprensky. Bir çocuğun portresi A. A. Chelishchev. TAMAM. 1809. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

19. yüzyılın ilk üçte biri. - Genellikle İmparatorluk tarzı olarak adlandırılan Rus mimarisinde klasisizmin gelişiminin en yüksek aşaması. Bu dönemin mimari yaratıcılığı, bireysel binaların mükemmel tasarımından çok, geniş cadde ve meydanların mimari organizasyon sanatıdır. Bunlar St.Petersburg'un kentsel planlama toplulukları - Amirallik (mimar A.D. Zakharov), Vasilievsky Adası Spit'teki Borsa (mimar J. Thomas de Thomon), Kazan Katedrali (mimar A.N. Voronikhin). Saray Meydanı'nın kompozisyonunu tamamlayan Genelkurmay binasının yazarı K.I. Rossi'nin tasarladığı topluluklar ve St. Petersburg'daki İskenderiye Tiyatrosu çevresindeki bina, sokak ve meydanlar kompleksi, görkemli mimarinin kapsamıyla dikkat çekiyor. kentsel planlama düşüncesi.

V. A. Tropinin. Arseny Tropinin'in oğlunun portresi. 1818. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

1860'ların başından bu yana, serfliğin kaldırılmasından bu yana, Rus sanatı keskin bir eleştirel odak noktası haline geldi ve bu nedenle temel toplumsal değişimlerin gerekliliğinden söz ediyor. Sanat, sosyal adaletsizliğin kötülüğünü tasvir ederek, toplumun kötülüklerini ve kötülüklerini açığa çıkararak bunu ilan etti (V. G. Perov'un 1860'lardaki eserlerinin çoğu). Modern yaşamın durgunluğunu, tarihsel çağlardaki dönüm noktalarının dönüştürücü gücüyle (V. I. Surikov'un 1880'lerdeki tabloları) karşılaştırdı.

S. F. Shchedrin. Napoli'de mehtaplı gece. 1828-1829. Kanvas, yağlıboya. Devlet Rus Müzesi.

Karakterlerin ve koşulların gerçeğinin, yaşamın sıradan, günlük deneyimde algılandığı biçimlerde doğru bir tasviri ile birleşimi, o zamandan bu yana ileri Rus sanatının gelişmekte olduğu doğrultuda eleştirel veya demokratik gerçekçiliğin bir özelliğidir. 1860'ların başı. Bu yeni sanatın üreme alanı ve ana izleyici kitlesi farklı aydın kesimlerden oluşuyordu. 19. yüzyılın ikinci yarısında demokratik gerçekçiliğin en parlak dönemi. 1870 yılında kurulan Gezici Sanat Sergileri Derneği'nin faaliyetleriyle bağlantılı (bkz. Peredvizhniki). Peredvizhniki'nin ideolojik lideri ve organizatörü, en derin sanatçılardan biri, yetenekli bir teorisyen, eleştirmen ve öğretmen olan I. N. Kramskoy'du. Onun yol gösterici etkisi altında TPHV, gelişmiş sanatsal güçlerin pekiştirilmesine, sanatsal dilin erişilebilirliği, halk yaşamı olgularının kapsamlı bir şekilde ele alınması ve sanatın toplumsal açıdan duyarlı, yetenekli kılınması sayesinde izleyicinin genişlemesine ve demokratikleşmesine katkıda bulundu. belirli bir tarihsel anda toplumu ilgilendiren temaları ve konuları ortaya koymaktır.

A. I. Kuindzhi. Ukrayna'da akşam. 1878. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Rus Müzesi. Leningrad.

1860'larda. 70'lerde tür resmi hakim oldu - portrenin rolü (V. G. Perov, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko) ve manzara (A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I. I. Shishkin, A. I. Kuindzhi, V. D. Polenov). Peredvizhniki sanatının tanıtılmasında önemli bir rol, seçkin sanat eleştirmeni ve sanat tarihçisi V. V. Stasov'a aitti. Aynı zamanda P. M. Tretyakov'un toplama faaliyeti de gelişiyordu. Galerisi (bkz. Tretyakov Galerisi) yeni, gerçekçi okulun kalesi haline geliyor; koleksiyonunun profili Gezginlerin eserleri tarafından belirleniyor.

Rus sanatının bir sonraki dönemi 19. yüzyılın sonu - 20. yüzyılın başıdır. 80'ler, peredvizhniki gerçekçiliğinin I. E. Repin ve V. I. Surikov'un çalışmalarında zirveye ulaştığı bir geçiş on yılıydı. Bu yıllarda, V. I. Surikov'un “Streltsy İnfazının Sabahı”, “Boyaryna Morozova”, “Kursk Eyaletindeki Dini Alayı”, “Propagandacının Tutuklanması”, “Onlar Vardı” gibi Rus resminin başyapıtları yaratıldı. Beklenmedik”, I. E. Repin. Yanlarında, yeni nesil sanatçılar zaten farklı bir yaratıcı programla performans sergiliyor - V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin. Geç burjuva kapitalist gelişiminin çelişkileri toplumun manevi yaşamı üzerinde etkilidir. Sanatçıların zihninde gerçek dünya, burjuva açgözlülüğü ve küçük çıkarların damgasıyla damgalanmıştır. Uyum ve güzellik, görünürdeki sıradan gerçekliğin sınırlarının ötesinde, sanatsal fantezi alanında aranmaya başlıyor. Bu temelde masal, alegorik ve mitolojik konulara olan ilgi yeniden canlanıyor (V.M. Vasnetsov, M.V. Nesterov, M.A. Vrubel), bu da izleyicinin hayal gücünü folklor fikirleri alanına aktarabilecek sanatsal bir form arayışına yol açıyor, geçmişin anıları veya geleceğe dair belirsiz önseziler. Modernitenin içeriğini dolaylı olarak ifade eden imge ve formların, doğrudan yansıma biçimlerine üstünlüğü, 19. yüzyılın sonu - 20. yüzyılın başı sanatının ayırt edici özelliklerinden biridir. Sanatsal dilin karmaşıklığı, 19.-20. yüzyılların başında şekillenen bir sanat grubu olan “Sanat Dünyası” temsilcilerinin çalışmalarını karakterize ediyor.

V. M. Vasnetsov. Alyonushka. 1881. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

Art Nouveau tarzı bu dönemde belirleyici hale geldi. Resmin yanı sıra, Art Nouveau tarzının, dekoratif ve uygulamalı sanatların, kitap grafiklerinin, heykelin, tiyatro ve dekoratif sanatın hakim olduğu mimari de aktif olarak gelişiyor. Sanatsal yaratıcılığın uygulama alanları son derece genişliyor, ancak daha da önemlisi tüm bu alanların etkileşimi ve karşılıklı etkisidir. Bu koşullar altında, "her şeyi yapabilen" bir tür evrensel sanatçı oluşur - bir resim ve dekoratif bir panel çizer, bir kitap ve anıtsal bir tablo için skeç yapar, bir heykel yapar ve bir tiyatro kostümü taslağı oluşturur. Değişen derecelerde, bu tür evrenselciliğin özellikleri, örneğin M. A. Vrubel'in ve Rusya'daki Art Nouveau tarzının önde gelen mimarı F. O. Shekhtel'in yanı sıra Sanat Dünyası sanatçılarının çalışmalarında da belirtilmiştir.

Yüzyılın başında Rus resminin evrimindeki en önemli kilometre taşları, çalışmaları yeni stilistik formlar kullanarak, biçimsel aşırılıklardan kaçınma, klasik netlik ve sadeliğe ulaşma arzusuyla dolu olan V. A. Serov'un eserleriyle işaretlenmiştir. gerçekçi okulun ilkelerine bağlılığı korurken, hümanizmi, burada ayık - eleştirel bir dünya görüşü, insanın yüksek amacı fikriyle birleştirilir.

A. K. Savrasov. Kaleler Geldi. 1871. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

20. yüzyılın başlarında sanatsal yaşam. benzeri görülmemiş bir yoğunlukla karakterize edilir. 1905-1907'nin devrimci olayları sosyal olarak aktif sanatın gelişimini teşvik etti. N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov ve diğerlerinin çalışmaları, bu yılların en önemli toplumsal olaylarını, devrimin ana gücü olarak işçi imajını somutlaştırıyordu. Pek çok usta hicivsel siyasi grafik ve dergi karikatürleri alanında çalışmaktadır.

20. yüzyıl sanatının yöneldiği sanatsal geleneklerin yelpazesi alışılmadık derecede geniştir. Yaşamını sürdüren Gezici hareketin yanı sıra, Rus Sanatçılar Birliği'nin ustaları arasında, V. E. Borisov-Musatov'un eserleri ve Mavi Gül derneği sanatçılarının temsil ettiği sembolizm, empresyonist resim çeşidi de bulunmaktadır.

K. A. Korovin. Kışın. 1894. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

En son Fransız resim deneyimini dikkate alarak kentsel zanaat ve halk sanatı, oyuncaklar, popüler baskılar, tabelalar, çocuk çizimleri tarzına dönerek sanatsal dili yenileme arzusu, "Jack" sanatçılarının faaliyetlerini karakterize ediyor. Elmasların" - 1910'da örgütlenen bir topluluk. Bu yöndeki ustaların çalışmalarında - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov - natürmortun rolü önemli ölçüde artıyor. Eski Rus resim gelenekleri, K. S. Petrov-Vodkin'in sanatında yeni bir kırılma kazanıyor.

F. A. Vasiliev. Yağmurdan önce. 1869. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

19.-20. yüzyılların başında önemli bir yükselişe ulaşır. heykel. P. P. Trubetskoy, ona izlenimci özellikler katıyor. Portre kompozisyonları, yaşamın yakalanmış bir anının keskinliği ve incelikli gölgelerin zenginliğiyle öne çıkıyor. Yumuşak malzemelerle çalışan Trubetskoy, kaybolan malzeme duygusunu ve onun ifade edici özelliklerine dair anlayışı heykele geri döndürdü. 1909 yılında Trubetskoy tarafından yaratılan III.Alexander anıtı, anıtlar tarihindeki grotesk görüntü çözümünün eşsiz bir örneğidir. Anıtsal heykelin dikkat çekici başarıları arasında N.A. Andreev (1909) tarafından yaratılan N.V. Gogol anıtı da bulunmaktadır.

A. S. Golubkina'nın 1912 tarihli "Oturan Adam" heykelinde, modern proletaryanın kaderi hakkındaki fikirleri sentezleyen bir görüntü ortaya çıkıyor - bu, geçici olarak kısıtlanan ancak isyankar ruhla dolu bir gücün simgesidir. S. T. Konenkov'un yaratıcılığı, tür çeşitliliği ve üslup biçimleriyle öne çıkıyor. Devrimci savaşların gerçek izlenimleri heykeltıraş tarafından “İşçi-Savaşçı 1905 Ivan Churkin” portresinde somutlaştırılıyor. Sadece yüz hatları değil, aynı zamanda taş bloğun koruyucu muameleyle vurgulanan sağlamlığı da sınıf savaşlarının ateşinde yumuşayan yıkılmaz irade imajına yol açıyor. A. T. Matveev'in çalışmalarında klasik heykel gelenekleri yeniden canlandırılıyor.

S. A. Korovin. Dünyaya. 1893. Tuval üzerine yağlıboya. Devlet Tretyakov Galerisi. Moskova.

İnsanlığın asırlık tarihi boyunca icat ettiği neredeyse tüm görüntü ve formları yeniden düşünme ve yeni bir hayata diriltme arzusu ve aynı zamanda bazen tüm gelenekleri inkar etme noktasına ulaşan biçimsel deneyler - bunlar, aşkın aşırı tezahürleridir. 20. yüzyılın başlarında Rus sanatının sanatsal durumu. Bununla birlikte, bu aşırılıklar, devrimin arifesinde Rus yaşamındaki derin iç çatışmanın bir göstergesiydi ve kendi açılarından, A. Blok'un sözleriyle "duyulmamış değişiklikler" getiren zamanın karmaşıklığını yansıtıyordu. benzeri görülmemiş isyanlar.” Bu koşullar altında, devrim öncesi dönemin en iyi sanatçılarının yüksek bir zanaatkarlık kültürüyle birlikte Sovyet sanatına getirdiği zaman olgusuna duyarlılık geliştirildi (bkz.

18. yüzyıl siyasal, toplumsal, kamusal her alanda muazzam dönüşümlerin yaşandığı bir dönemdir. Avrupa, Rus resmine yeni türler getiriyor: manzara, tarihi, günlük yaşam. Resmin gerçekçi yönü baskın hale gelir. Yaşayan bir insan, o zamanın estetik ideallerinin bir kahramanı ve taşıyıcısıdır.

18. yüzyıl sanat tarihine pitoresk portrelerin dönemi olarak girdi. Herkes kendi portresine sahip olmak istiyordu: Kraliçeden eyaletten sıradan bir yetkiliye kadar.

Rus resminde Avrupa eğilimleri

18. yüzyılın ünlü Rus sanatçıları, Rusya'yı Avrupalılaştırmak isteyen I. Peter'in emriyle Batı modasını takip etmek zorunda kaldılar. Güzel sanatların gelişmesine büyük önem vermiş, hatta özel bir eğitim kurumu kurmayı planlamıştır.

18. yüzyılın Rus sanatçıları, Avrupa resim sanatının yeni tekniklerinde ustalaştı ve tuvallerinde sadece çarları değil, aynı zamanda modaya ayak uydurmaya çalışan ve çoğu zaman yerel sanatçılara portre yapmaları için görev veren çeşitli boyarları, tüccarları ve patrikleri de tasvir ettiler. Aynı zamanda o dönemin sanatçıları portreleri ev eşyaları, ulusal kostüm unsurları, doğa vb. ile zenginleştirmeye çalıştılar. Dikkatler pahalı mobilyalar, büyük vazolar, lüks kıyafetler ve ilginç pozlar üzerinde yoğunlaştı. O dönemin insanlarının tasviri, bugün sanatçılar tarafından kendi zamanlarına dair şiirsel bir hikaye olarak algılanıyor.

Yine de 18. yüzyıl Rus sanatçılarının portreleri, davet edilen yabancı ressamların portrelerinden çarpıcı bir tezat oluşturuyor. Diğer ülkelerden sanatçıların Rus sanatçılara ders vermeye davet edildiğini belirtmekte fayda var.

Portre türleri

18. yüzyılın başlarında portre sanatçılarının yarı törensel ve mahrem görüşlere yönelmesi damgasını vurmuş, 18. yüzyılın ikinci yarısında ressamların portreleri törensel, yarı törensel, oda, mahrem gibi türlerin ortaya çıkmasına neden olmuştur.

Ön kapı, uzun boylu bir adamın tasviriyle diğerlerinden farklıdır. Lüksün parlaklığı - hem giyimde hem de ev eşyalarında.

Yarım elbise görünümü, modelin diz boyu veya bele kadar uzanan bir görüntüsüdür.

Bir kişi göğsüne veya beline kadar nötr bir arka planda tasvir edilmişse, bu tür portreye samimi denir.

Portrenin samimi görünümü, arka plan göz ardı edilirken, resmin kahramanının iç dünyasına hitap edildiğini gösteriyor.

Portre resimleri

Çoğu zaman, 18. yüzyılın Rus sanatçıları, müşterinin kendisi hakkındaki fikrini bir portre görüntüsünde somutlaştırmaya zorlandı, ancak gerçek görüntüyü değil. Belirli bir kişi hakkındaki kamuoyunun dikkate alınması önemliydi. Pek çok sanat tarihçisi uzun zamandır, o zamanın ana kuralının, bir kişiyi gerçekte olduğu veya olmak istediği gibi değil, en iyi yansımasıyla olabileceği gibi tasvir etmek olduğu sonucuna varmıştır. Yani portrelerde herhangi bir kişiyi ideal olarak tasvir etmeye çalıştılar.

İlk sanatçılar

Listesi genellikle küçük olan 18. yüzyılın Rus sanatçıları özellikle I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D. G. Levitsky'dir.

18. yüzyılın ilk ressamları arasında Nikitin, Antropov, Argunov'un isimleri vardır. 18. yüzyılın bu ilk Rus sanatçılarının rolü önemsizdi. Sadece çok sayıda kraliyet imajını ve Rus soylularının portrelerini boyamaktan ibaretti. 18. yüzyılın Rus sanatçıları portre ustalarıdır. Her ne kadar çoğu zaman yabancı ustaların çok sayıda sarayın duvarlarını boyamasına ve tiyatro sahnesi yapmasına yardımcı oldular.

Ressam Ivan Nikitich Nikitin'in adı Peter I'in karısıyla yazışmalarında bulunabilir. Fırçası bizzat Çar'ın, Şansölye G.I. Golovin'in portresidir. Hetman portresinde yapay hiçbir şey yok. Görünüm ne perukla ne de mahkeme kıyafetleriyle değişmez. Sanatçı hetman'ı hayatta olduğu gibi gösterdi. Nikitin'in portrelerinin asıl avantajı hayatın gerçekliğinde yatıyor.

Antropov'un çalışması, Kiev'deki St. Andrew Katedrali'nin resimlerinde ve Sinod'daki portrelerde korundu. Bu eserler, sanatçının sarı ve zeytin renklerine olan tutkusuyla ayırt ediliyor, çünkü kendisi ikon resim ustasından eğitim almış bir ressam. Ünlü eserleri arasında Elizaveta Petrovna, Peter I, Prenses Trubetskoy ve Ataman F. Krasnoshchekov'un portreleri yer alıyor. Antropov'un çalışmaları, 17. yüzyılın orijinal Rus resim geleneklerini ve Büyük Petro döneminin güzel sanat kanonlarını birleştirdi.

Ivan Petrovich Argunov, Kont Sheremetyev'in ünlü bir serf portre ressamıdır. Portreleri zarif, tasvir ettiği kişilerin pozları özgür ve hareketli, çalışmalarındaki her şey kesin ve basittir. Daha sonra samimi hale gelecek bir oda portresinin yaratıcısıdır. Sanatçının önemli eserleri: Sheremetyev çifti, çocukluk çağında P.B. Sheremetyev.

O zamanlar Rusya'da başka türün bulunmadığını düşünmemek gerekir, ancak yine de 18. yüzyılın büyük Rus sanatçıları portre türündeki en önemli eserleri yarattılar.

18. yüzyılın zirvesi Rokotov, Levitsky ve Borovikovsky'nin çalışmalarıydı. Sanatçıların portrelerindeki kişi hayranlık, ilgi ve saygıya layıktır. Duyguların insanlığı, portrelerinin ayırt edici bir özelliğidir.

Fyodor Stepanoviç Rokotov (1735-1808)

Prens I. Repnin'in serflerinden 18. yüzyıl Rus sanatçısı Fyodor Stepanovich Rokotov hakkında neredeyse hiçbir şey bilinmiyor. Bu sanatçı, kadın portrelerini yumuşak ve havadar bir şekilde çiziyor. Rokotov iç güzelliği hisseder ve bunu tuvale aktarmanın yolunu bulur. Portrelerin oval şekli bile yalnızca kadınların kırılgan ve zarif görünümünü vurgulamaktadır.

Eserlerinin ana türü yarı törensel portredir. Eserleri arasında Grigory Orlov ve Peter III, Prenses Yusupova ve Prens Pavel Petrovich'in portreleri yer alıyor.

Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822)

A. Antropov'un öğrencisi olan 18. yüzyılın ünlü Rus sanatçısı Dmitry Grigorievich Levitsky, resimlerinde insanların zihinsel durumlarını ve özelliklerini hassas bir şekilde yakalayıp yeniden yaratmayı başardı. Zenginleri tasvir ederken dürüst ve tarafsız kalıyor; portreleri köleliği ve yalanları dışlıyor. Fırçasında 18. yüzyılın büyük insanlarının portrelerinden oluşan bir galeri yer alıyor. Levitsky'nin kendisini bir usta olarak ortaya çıkardığı tören portresinde. Asil soyluları gösteren etkileyici pozlar ve jestler buluyor. Yüzlerdeki Rus tarihi - Levitsky'nin çalışmalarına sıklıkla böyle denir.
Sanatçının resimleri: M. A. Lvova, E. I. Nelidova, N. I. Novikov, Mitrofanov'ların portreleri.

Vladimir Lukiç Borovikovski (1757-1825)

18. ve 19. yüzyılların Rus sanatçıları, sözde duygusal portreyi kullanmalarıyla öne çıkıyor. Sanatçı Vladimir Lukich Borovikovsky, portrelerinde açık renklerle tasvir edilen düşünceli kızları resmediyor; onlar havadar ve masumlar. Kahramanları yalnızca geleneksel kıyafetler giyen Rus köylü kadınlar değil, aynı zamanda sosyetenin saygın hanımlarıdır. Bunlar Naryshkina, Lopukhina, Prenses Suvorova, Arsenyeva'nın portreleri. Resimler biraz benzer ama onları unutmak imkansız. aktarılan karakterlerin şaşırtıcı inceliği, duygusal deneyimlerin neredeyse anlaşılması zor özellikleri ve tüm görüntüleri birleştiren hassasiyet duygusuyla öne çıkıyor. Borovikovsky eserlerinde o dönemin bir kadınının tüm güzelliğini ortaya koyuyor.

Borovikovsky'nin mirası çok çeşitli ve kapsamlıdır. Çalışmaları hem tören portrelerini hem de minyatür ve samimi resimleri içermektedir. Borovikovsky'nin eserleri arasında en ünlüsü V. A. Zhukovsky, G. R. Derzhavin, A. B. Kurakin ve Pavel I'in portreleriydi.

Rus sanatçıların resimleri

18. yüzyıl Rus sanatçılarının resimleri insana, onun iç dünyasına sevgi ve ahlaki erdemlere saygıyla yazılmıştır. Her sanatçının tarzı bir yandan çok bireyseldir, ancak diğer yandan diğerleriyle birçok ortak özelliği vardır. Bu an, 18. yüzyılda Rus sanatının karakterini vurgulayan tarzı belirledi.

18. yüzyıl Rus sanatçılarının çoğu:

1. "Genç ressam" 1760'ların ikinci yarısı. Yazar Ivan Firsov, 18. yüzyılın en gizemli sanatçısıdır. Resimde, küçük güzel bir kızın portresini çizen üniformalı bir oğlan çocuğu tasvir ediliyor.
2. “Hector'un Andromache'ye Vedası”, 1773. Yazar Anton Pavlovich Losenko. Sanatçının son tablosu. Homeros'un İlyada'sının altıncı şarkısından bir olay örgüsünü tasvir ediyor.
3. “Gatchina'daki Constable Meydanı yakınındaki Taş Köprü”, 1799-1801. Yazar Semyon Fedorovich Shchedrin. Resimde bir manzara manzarası tasvir edilmiştir.

Ve hala

18. yüzyılın Rus sanatçıları, serflik koşullarına ve zengin müşterilerin arzularına rağmen hâlâ insanların gerçeğini ve gerçek karakterlerini ortaya çıkarmaya çalışıyordu. 18. yüzyıldaki portre türü, Rus halkının kendine özgü özelliklerini bünyesinde barındırıyordu.

Kuşkusuz, 18. yüzyıl sanat sanatının Avrupa kültüründen ne kadar etkilenmiş olursa olsun, yine de ulusal Rus geleneklerinin gelişmesine yol açtığı söylenebilir.

18. yüzyılın başlarına kadar Rus resminde ağırlıklı olarak ikonografik gelenekler gelişti.

Çağdaşların anılarına göre, o zamanlar Rusya'da herhangi bir görüntü ikonlarla karıştırılıyordu: çoğu zaman, bir yabancının evine geldiklerinde, geleneğe göre Ruslar, gözlerine çarpan ilk resme eğiliyorlardı. Ancak 18. yüzyılda. resim yavaş yavaş Avrupa özelliklerini kazanmaya başladı: sanatçılar, uzayın derinliğini aktarmalarına olanak tanıyan doğrusal perspektifte ustalaştılar, chiaroscuro kullanarak nesnelerin hacmini doğru bir şekilde tasvir etmeye çalıştılar ve insan vücudunu doğru bir şekilde yeniden üretmek için anatomi okudular. Yağlıboya tekniği yaygınlaştı ve yeni türler ortaya çıktı.

18. yüzyıl Rus resminde özel bir yer. portreyi aldı. Bu türün en eski eserleri 17. yüzyılın parsunasına yakındır. Karakterler ciddi ve durağandır.

Ivan Nikitich Nikitin (1680 - c. 1742) ilk Rus portre ressamlarından biriydi. Zaten ilk portrelerinde - Peter I Natalya Alekseevna'nın (1715-1716) ablası ve kızı Anna Petrovna (1716'dan önce) - modelin hacmi ve doğal pozu, o dönem için nadir bir beceriyle aktarılmıştı. Ancak bu çalışmalarda bir miktar basitleştirme göze çarpıyor: Figürler, parlak bir ışık huzmesi tarafından belirsiz bir mekanın karanlığından koparılıyor ve çevreyle bağlantısız olarak var oluyor; sanatçı, figürün yapısını ve kadife, kürk, mücevher gibi malzemelerin dokusunu hala beceriksizce tasvir ediyor.

Dört yıllık İtalya gezisinin ardından St. Petersburg'a dönen Nikitin, sanatçının artan becerisini gösteren en iyi eserlerini yarattı. Bu, Şansölye G.I. Golovkin'in bir portresi ve "Yer Hetman'ı" olarak bilinen bir portre (her ikisi de 20'li yıllardan).

Büyük Petro döneminde, farklı tarz ve türlerde çalışan birçok yabancı usta Rusya'ya yerleşti. Almanya'dan gelen Johann Gottfried Tannauer (1680-1737), imparatorluk ailesi üyelerinin portrelerini yaptı ve

Peter I'in yakın arkadaşları ve savaş resimleri. Ünlü tablosu “Poltava Muharebesinde I. Peter” (10'lar), Avrupa'da yaygın olan, bir savaşın arka planında bir komutanın portresidir.

Rusya'ya davet edilen Fransız usta Louis Caravaque (1684-1754), kısa sürede büyük bir üne kavuştu ve saray ressamı konumuna ulaştı. Uzun yıllar Rusya'da çalıştı ve Peter'dan Elizabeth'e kadar tüm Rus hükümdarlarının portrelerini yaptı. Fırçası, bu türün diğer eserleri için model teşkil eden, taç giyme elbiseli (1730) Anna Ioannovna'nın ünlü tören portresidir. Portre, yalnızca imparatoriçenin - güçlü fiziğe sahip, ciddi ve görkemli bir pozla tasvir edilen - görünümünü değil, aynı zamanda onun batıl inançlı ve şüpheli doğasını da aktarıyor. 18. yüzyılın ortalarında birçok Rus ressam Caravacca'nın atölyesinden geldi.

20'li - 30'lu yılların sonunda. XVIII yüzyıl Ressam Andrei Matveevich Matveev'in (1701 - 1739) kısa ama muhteşem eserine atıfta bulunur. Hollanda ve Flanders'ta on yıldan fazla zaman geçirdikten sonra, "hikayeler ve kişiler yazmayı", yani sadece portreleri değil, aynı zamanda mitolojik ve tarihi konulardaki resimleri de yazmayı bilen ilk Rus usta oldu.

Ancak Matveev en çok portre ressamı olarak ünlüdür. En ünlü eseri “Bir Eşin Portresi” (yaklaşık 1729) olarak kabul edilir. Sanat eleştirmenleri arasında kimin tasvir edildiğine dair tartışmalar bugüne kadar azalmadı. Büyük olasılıkla bu, sanatçının karısıyla birlikte bir otoportresi, yani. Rus resim tarihindeki ilk otoportre.

1727'den ölümüne kadar Matveev, Şansölyeliğin "boyama ekibine" binalardan başkanlık etti. Sanat Akademisi açılmadan önce hemen hemen tüm sanatçılar burada eğitim almış ve görev yapmıştır.

40-50'li yıllarda. XVIII yüzyıl Ivan Yakovlevich Vishnyakov'un (1699-1761) çalışmasına atıfta bulunur. Vishnyakov'un en zarif portresi, Binalar Şansölyeliği başkanının kızı Sarah Eleanor Fermor'u tasvir ediyor (1749). Çiçeklerle süslenmiş gümüş grisi lüks saten elbiseli genç bir kız reverans yapmaya hazırlanıyor. Elinde zarif bir yelpaze tutuyor. Vishnyakov'un tuvallerindeki eller neredeyse her zaman özel bir zarafetle boyanmıştır: parmaklar sanki yüzeyleri boyunca kayıyormuş gibi nesnelere yalnızca hafifçe dokunur. “Sarah Fermor'un Portresi”nde hem dantelin narin boyası hem de elbise üzerindeki işlemelerin yankılandığı motifler olan dekoratif manzara arka planı dikkat çekiyor.

Alexei Petrovich Antropov (1716-1795), görüntünün ikonografik düzlüğünün bir kısmının üstesinden gelmeyi hiçbir zaman başaramadı: portrelerinde izleyici, modelleri çevreleyen alanı hissetmiyor. Böylece, yaşlı ve kaba bir kadın olan “Devlet Leydi A. M. Izmailova'nın Portresi” (1759)'de, ön planın parlak renkleri, kesinlikle karanlık, “sağır” bir arka planla tezat oluşturuyor. Sanatçının elinde bir mareşal sopasıyla komutan olarak tasvir ettiği Peter III (17b2) portresinde, hükümdarın oyuncak bebek benzeri zarif figürü ile imparatorluk niteliklerine sahip görkemli ortam arasındaki zıtlık dikkat çekiyor. savaşın arka planında güç - bir manto, bir küre ve bir taç -.

18. yüzyılın ikinci yarısında, Rus ustaların resimlerinde, Sanat Akademisi'nin ana türler olarak gördüğü manzara, günlük yaşam ve tarih gibi yeni türler ortaya çıktı. Ancak en önemli eserler hâlâ portre türünde yaratılmıştır.