Apa itu seni lagu sekuler? Topik pelajaran: Musik sekuler dan sakral

Perlu dicatat bahwa para peneliti modern, ketika mengajukan pertanyaan tentang esensi seni, bersikeras bahwa identifikasi seni dengan estetika “tampaknya tidak dapat kami terima, karena jika, di satu sisi, hal itu menyederhanakan masalah, maka, di sisi lain, hal itu menyederhanakan masalah. lainnya, membatasi ruang lingkup pengalaman estetika, mengabstraksi dan mengisolasi realitas seni” (Banfi. A. Philosophy of Art. M. Art. 1989. – P. 358). Namun, dasar ekstra-artistik ini, misalnya, dilihat oleh penulis Schiller dan filsuf Spencer permainan . Spencer menganggap sifat seni yang menyenangkan sebagai hiburan disebabkan oleh kebutuhan untuk memulihkan kekuatan fisik tubuh manusia. Bagi Schiller, sifat seni yang menyenangkan dapat direduksi menjadi “dialektika ironis untuk relaksasi jiwa”, semacam gangguan dari pekerjaan biasa. Oleh karena itu, seperti ditulis A. Banfi, “dalam seni sebagai sarana berekspresi ada suasananya pesona , ketidakwajaran , sesuatu palsu , saya akan mengatakan hampir sesuatu gaib , di mana, tampaknya, hanya keindahan yang akan terwujud bagi kita” (-P.34). Ada juga kesimpulan menarik yang diambil penulis ini berdasarkan materi yang dianalisis: “Setiap karya seni, dalam arti tertentu, adalah sejenis berhala, berhala yang sama yang dibentuk oleh orang-orang berdosa dengan tangan mereka sendiri untuk menyembahnya. ” (-Hal.35). Dan selanjutnya: “Karena setiap karya seni menjadi demikian hanya karena rasa spiritualitas yang dipancarkannya, karena wahyu yang dikandungnya, sebuah wahyu yang tidak dapat direduksi menjadi aspek dunia atau nilai-nilai pribadi apa pun, tetapi merupakan cerminan dari kehadiran di dunia dan kepribadian roh yang ditunjuk dengan cara tertentu sumber baru kehidupan idealnya.” (-P.35) Hal lain adalah, bagaimana perwakilan dan eksponen pemikiran sekuler memahami apa itu “semangat yang ada di dunia dan individu,” apa tugasnya dan apa esensi seni? ? Ternyata lingkup ruh baginya adalah lingkup kehidupan seni: “Hanya dalam lingkup kehidupan seni seniman berperan sebagai seniman, yaitu pencipta: kejeniusannya yang ajaib justru terdiri dari partisipasi dalam kehidupan ini. kebutuhan, asing bagi kecenderungan pribadi apa pun, bebas dari suasana hati publik dan idealnya skematisme abstrak: dalam upaya yang menyakitkan untuk memecahkan masalah spesifik mereka” (-P.37). Itulah sebabnya seni mempunyai kehidupan sebagai sumbernya dan “dipelihara olehnya”. “Seni tidak mengenal norma lain, tradisi lain, selain kehidupannya sendiri; tidak mengetahui masalah lain, solusi lain, kecuali kehidupan itu sendiri yang mengedepankan realitas artistik dalam perkembangannya yang berkelanjutan” (- P.38).

Dengan demikian, seorang guru sekuler atau analis seni sekuler, tanpa menyangkal kehadiran spiritualitas dan vektor spiritual dalam seni, melihatnya dalam perkembangan kehidupan yang spontan dan berkelanjutan, yang membimbing, memelihara, dan menginspirasi dirinya sendiri. Oleh karena itu, hanya dengan mempelajari hukum-hukum dan kecenderungan-kecenderungan perkembangan kehidupan ini, dari sudut pandang pemikiran sekuler, barulah dapat dipahami, direfleksikan, diungkapkan. Semakin dalam seorang seniman dan pemikir dapat menembus rahasia alam semesta, kehidupan itu sendiri, semakin jelas ia mampu mengungkapkan dan merefleksikannya. Hal ini menekankan pentingnya menguasai metode dan teknik visualisasi , serta pengembangan kualitas pribadi dan upaya pencipta itu sendiri. Hidup ini memiliki banyak segi dan kaya dan semua orang melihatnya melalui prisma selera sendiri, suasana hati . Oleh karena itu, sejak zaman Renaisans (Renaissance), sangat penting dan penting untuk membentuk gaya seorang pengarang, suatu tulisan tangan yang unik yang akan menunjukkan keunikan sang empu dan ciptaannya. Oleh karena itu, sudah menjadi norma untuk menandatangani karya Anda oleh sang master atau menunjukkan dengan bantuan simbol siapa penulisnya. Jadi, di Dalam seni sekuler, bentuk ekspresi eksternal tunduk pada wahyu yang diturunkan kepada sang master dan diungkapkan kepada dunia melalui prisma perasaan dan pengalamannya. Namun, konsekuensi alami dari pola pikir ini adalah tren seni modern yang terkenal berikut ini: sebanyak mungkin pandangan dan suasana hati, begitu banyak gaya, pendekatan, bentuk ekspresi. Akibatnya, seni sekuler menawarkan berbagai bentuk , gaya dan tidak bisa membayangkan dirinya di luar keragaman ini. Kesombongan.

Topik pelajaran: Musik sekuler dan sakral

Jenis pelajaran: pelajaran tentang memperluas dan memperdalam ilmu

Tujuan pembelajaran: mengungkap hakikat musik sekuler dan sakral; menumbuhkan kecintaan terhadap musik; mengembangkan kemandirian dan aktivitas; pembentukan budaya musik.

Selama kelas:

Momen ORG

Pengulangan materi yang dibahas.

Genre musik apa yang dikaitkan dengan konsep tersebut? Dramaturgi musik? (opera, balet, operet, musikal, oratorio, film musikal dan musik simfoni)

Apa artinya Perkembangan?

Cara mengembangkan musik apa yang Anda ketahui? (pengulangan, variasi, urutan, imitasi)

BELAJAR MATERI BARU

Budaya musik berkembang dalam interaksi dua arah utama: sekuler dan spiritual, gereja. Musik sekuler pada asal-usulnya mengandalkan lagu daerah dan budaya tari. Musik rohani selalu dikaitkan dengan ibadah.

Musisi profesional pertama - komposer, ahli teori, pemain (penyanyi, instrumentalis) - hingga abad ke-18, pada umumnya, menjabat sebagai pemimpin band dan organis di istana raja, pangeran, dan uskup agung. Mereka dapat berkomunikasi dengan banyak pendengar hanya di gereja.

Musik gereja selalu mengangkat tema-tema Kitab Suci. Dramaturgi gambaran penderitaan, kematian, dan kebangkitan Kristus menjadi dasar berkembangnya musik sakral. DI DALAM upacara gereja musik dan kata, dalam kesatuan dengan bentuk seni lainnya, menentukan keutuhan aksi dramatis, yang dibangun di atas kontras berbagai gambar. Di timur Gereja ortodok inilah liturgi dan berjaga sepanjang malam, pernikahan dan kebaktian doa, yang asal usulnya terletak nyanyian znamenny. Di barat Gereja Katolik- misa, upacara peringatan, nafsu, kantata, dll. Mereka didasarkan pada - nyanyian untuk paduan suara, nyanyian polifonik diiringi organ atau orkestra.

Kata alkitabiah dan pembiasannya dalam melodi nyanyian gereja menentukan kekuatan artistik dan moral yang tinggi dari pengaruh musik sakral. Tema keagamaan dan bentuk musik gereja mendominasi karya komposer Jerman J.-S. Bach dan komposer Rusia M. Berezovsky. Bach paling sering menulis musik untuk organ dan paduan suara, dan Berezovsky menulis untuk paduan suara capella. Terimakasih untuk polifoni gagasan pokok setiap karyanya mendapat pengembangan yang mendalam dan beragam. Isi bagian refrain “Kyrie, eleison!” dari “Misa Tinggi” oleh J.-S. Bach dan bagian pertama dari konser spiritual "Jangan tolak aku di hari tuaku" oleh M. Berezovsky terungkap dalam bentuk polifonik yang sempurna - fuga.

Ingatlah melodi musik sakral dan sekuler yang Anda kenal. Dengarkan dan bandingkan paduan suara Bach dan Berezovsky. Teknik pengembangan apa yang Anda dengar di sini? (imitasi) Apa peran teknik imitasi dalam pengembangan citra musik? Musik sekuler. Dari abad ke-16 mulai berkembang musik kamar(dari ruang kamera Lat.). Jadi, berbeda dengan gereja dan teater, mereka menyebut musik sekuler instrumental atau vokal. DENGAN pertengahan abad ke-18 V. Kehidupan konser sekuler, bebas dari pengaruh gereja, semakin intensif. Jumlah orkestra, ansambel, dan konser tunggal semakin bertambah. Dalam karya komposer klasik Wina - Haydn, Mozart, Beethoven dan lain-lain - jenis ansambel instrumental klasik dibentuk - sonata, trio, kuartet dan sebagainya.

Ditulis untuk sekelompok kecil pemain, musik kamar dibawakan di rumah atau di istana bangsawan. Pelaku yang bekerja di ansambel istana disebut musisi kamar. Lambat laun, musik kamar mulai ditampilkan tidak hanya di kalangan sempit penikmat dan pecinta musik, tetapi juga di ruang konser besar.

Ada berbagai miniatur vokal dan instrumental kamar karya komposer romantis abad ke-19. Ini termasuk lagu-lagu oleh F. Schubert, lagu-lagu piano tanpa kata-kata oleh F. Mendelssohn, caprices oleh N. Paganini, waltz, nocturnes, pendahuluan, balada oleh F. Chopin, roman oleh M. Glinka, drama oleh P. Tchaikovsky dan banyak lagi.

Konsolidasi dan rangkuman pelajaran DZ ulangi materinya

Era sejarah yang menggantikan Dunia Kuno disebut Abad Pertengahan. Ini dimulai dengan jatuhnya Roma (476) dan berlangsung selama lebih dari seribu tahun. Selama ini, sebagian besar masyarakat Eropa dan negara-negara terbentuk fitur yang paling penting budaya Eropa.

Runtuhnya Kekaisaran Romawi berakhir pada abad ke-5 Masehi. e. setelah ditaklukkan oleh suku-suku barbar yang datang dari pinggiran utara. Perang, epidemi, kelaparan, dan kehancuran mengiringi terbentuknya feodalisme di Eropa.

Secara bertahap, sebuah agama baru—Kristen—didirikan di Eropa abad pertengahan. Berasal dari Yudea, yang merupakan bagian dari Kekaisaran Romawi, ajaran baru ini bertindak sebagai konfrontasi melawan kejahatan dan kekerasan. Agama baru ini mengajarkan gagasan kesetaraan universal manusia di hadapan Tuhan, gagasan pengampunan, dan yang terpenting, memberikan penghiburan bagi mereka yang menderita dan tertindas. Seiring berjalannya waktu, ajaran manusiawi ini mendapatkan banyak penganut di berbagai negara.

Citra Yesus Kristus telah menjadi cita-cita yang tidak mungkin tercapai bagi seorang Kristen. Keinginan terus-menerus akan cita-cita spiritual dan ketidaktercapaiannya selama hidup membawa dalam diri mereka prinsip-prinsip yang saling bertentangan, yang menjadi ciri pandangan dunia orang abad pertengahan dan seni pada masa itu.

Kebudayaan dan seni pada masa itu berhubungan langsung dengan agama dan gereja. Seni Abad Pertengahan - arsitektur gereja, patung, ikon, mosaik, dan lukisan dinding yang memenuhi ruang kuil - tunduk pada tugas ibadah Kristen. Musik mungkin diberi peran yang paling sulit; musik seharusnya membantu penyembah meninggalkan kekhawatiran sehari-hari, melupakannya perasaan pribadi dan berkonsentrasi sepenuhnya pada apa yang diwahyukan kepadanya oleh teks-teks Alkitab dan sakramen-sakramen gereja. Tujuan ini dilayani oleh nyanyian, yang ciri-ciri utamanya untuk waktu yang lama monofoni tetap ada (penyanyi membawakan melodi satu per satu) dan tidak adanya iringan instrumental. Monofoni, menurut penulis nyanyian tersebut, adalah cara terbaik untuk mengekspresikan ide-ide teologis yang penting: itu adalah simbol dari satu Tuhan dan satu Gereja. Bunyi alat musik memiliki dampak yang kuat terhadap perasaan seseorang, dan hal inilah yang ingin dihindari oleh Gereja.

Sampai awal abad ke-13. Musik gereja diciptakan hampir secara eksklusif di biara-biara. Saat menyusun nyanyian, biksu dengan ketat mengikuti kanon (aturan) dan tradisi dan tidak berusaha untuk menciptakan sebuah karya yang berbeda dari contoh sebelumnya. Ia tidak menganggap dirinya seorang penulis, karena satu-satunya pencipta dalam pemahamannya adalah Tuhan. Komposer melihat tugasnya sebagai sesuatu yang lain: mewujudkan rencana Tuhan. Mungkin justru pandangan dunia inilah yang menjelaskan fakta mayoritas karya musik era ini secara anonim.

Pada abad ke-13, polifoni telah menjadi mapan dalam musik Eropa. Tidak hanya mengusung ide-ide spiritual (seperti monofoni), tetapi juga mengungkap kekayaan pemikiran manusia. Polifoni muncul di bawah pengaruh signifikan skolastik (dari bahasa Yunani "scholasticos" - "sekolah", "ilmuwan") - sebuah tren dalam teologi yang menyatakan bahwa pikiran manusia, dalam batas-batas tertentu, dapat memahami dan menjelaskan kebenaran iman. Pusat teologi skolastik bukanlah biara, melainkan universitas; Biasanya, kehidupan musik terkonsentrasi di kota-kota universitas besar.

Dalam tradisi Katolik peran penting dalam ibadah sejak abad ke-7. Organ mulai dimainkan, disusul instrumen lainnya. Musik Ortodoks tetap setia pada monofoni lebih lama dibandingkan musik Katolik; V Gereja-gereja Ortodoks Suara instrumen masih tidak diperbolehkan.

Sejak akhir abad ke-12. Musik sekuler mulai berkembang, dikaitkan dengan puisi cinta ksatria. Pada Abad Pertengahan, genre musik instrumental sehari-hari (terutama tari) juga tersebar luas.

MUSIK EROPA MEDIEVAL

Tradisi musik gereja Eropa Barat berasal dari abad ke 4-5. Tahap awal pembentukan mereka dikaitkan dengan aktivitas teolog dan pengkhotbah Saint Ambrose dari Milan (sekitar 340-397) - dia adalah salah satu orang pertama yang menyusun himne untuk kebaktian. Ambrose bertanggung jawab atas inovasi penting dalam praktik musik gereja - pembagian paduan suara menjadi dua komposisi yang terletak di sisi berlawanan dari altar. Para pemain bergantian menyanyikan penggalan musik di sela-sela teks doa. Fragmen semacam itu disebut antifon (dari bahasa Yunani "antiphonos" - "terdengar sebagai respons"), dan prinsip penampilan mereka, berdasarkan pergantian dua paduan suara, disebut nyanyian antifonal. Secara bertahap, antifon yang ditentukan secara ketat ditugaskan ke teks-teks yang paling penting, musik yang diciptakan berdasarkan melodi dan nyanyian pendek yang sudah ada dan terkenal. Jumlah antifon, serta jumlah nyanyian, bertambah seiring waktu, dan semakin sulit bagi penyanyi untuk mengingatnya. Itulah sebabnya pada awal abad ke-7. semua materi yang terakumulasi dibawa ke dalam sistem dan dikumpulkan dalam koleksi ekstensif yang disebut Antiphonary Gregorian. Nama tersebut dikaitkan dengan nama Paus Gregorius I (sekitar 540-604). Koleksi Paus Gregorius menjadi dasar perkembangan salah satu gaya musik gereja Eropa - nyanyian Gregorian.

Semua nyanyian Gregorian bersifat monofonik. Suara-suara para penyanyi harus menyatu menjadi satu kesatuan sedemikian rupa sehingga suara paduan suara sedekat mungkin dengan suara satu orang. Sarana musik ditujukan untuk memecahkan tugas utama- menyampaikan keadaan khusus ketika pikiran orang yang berdoa terfokus pada Kristus, dan perasaan dibawa ke dalam keseimbangan ideal, membawa pencerahan dan kedamaian batin dalam jiwa. Frase musik dari nyanyian - diperpanjang, tanpa lompatan melodi yang tajam, menawan dengan ritme yang merata - membawa kedamaian yang dalam dan, pada saat yang sama, gerakan yang terukur dan terkonsentrasi. Mereka menyampaikan karya jiwa yang penuh doa dan batin dalam komunikasi dengan Tuhan dan selaras sempurna dengan arsitektur gereja Katolik, semua detailnya menekankan gerakan mantap yang sama - dalam garis lurus dari pintu masuk ke altar.

Musik Gregorian didasarkan pada prinsip diatonics (dari bahasa Yunani "diatonicbs" - "stretched") - tangga nada yang dibangun berdasarkan bunyi tangga nada tanpa bertambah atau berkurang. Ada sistem khusus rezim diatonis gereja yang datang ke Eropa dari Byzantium dan berasal dari zaman kuno.

Jumlah fret - delapan - memiliki makna spiritual yang mendalam. Itu dianggap sebagai produk 2x4, di mana angka pertama berarti dua esensi ilahi-manusia Yesus Kristus, dan angka kedua berarti empat ujung salib. Jadi, sistem mode Gregorian melambangkan Kristus yang disalib.

Dengan cara yang khusus hubungan musik dengan teks juga telah dibangun. Hal ini didasarkan pada dua teknik bernyanyi yang berasal dari tradisi kuno melantunkan doa. Salah satunya disebut hal bermazmur(digunakan saat membaca mazmur): untuk satu suara musik ada satu suku kata dari teks tersebut. Trik lain - peringatan tahunan(dari bahasa Latin, jubilatio - "bersukacita") - terdiri dari fakta bahwa satu suku kata dinyanyikan menjadi beberapa suara. Nyanyian Gregorian secara fleksibel menggabungkan kedua teknik tersebut.

Pada abad ke-9, jenis nyanyian Gregorian lainnya muncul - urutan Urutan ini awalnya merupakan tambahan pada Yobel Alleluia. Nanti untuk hafalan yang lebih baik melodi, urutan mulai memiliki subteks, dan mereka menerima nama kedua - prosa. Ada asumsi bahwa istilah sastra “prosa” berasal dari tradisi subteks nyanyian Gregorian kuno. Setelah menjadi melodi gereja yang independen, rangkaian yang paling terkenal juga populer dalam kehidupan sehari-hari. Dua rangkaian abad pertengahan mengambil tempat yang kuat dalam karya komposer Eropa hingga abad ke-20: rangkaian ini Mati irae(tentang Hari Penghakiman) dan urutan Pesta Tujuh Duka Maria - Stabat Mater.

Sejak awal abad ke-10, polifoni mulai merambah musik gereja. Bentuk pertamanya adalah nyanyian gereja yang dibawakan dengan dua suara. Prinsip melakukan polifoni awal adalah sebagai berikut: dengan melodi utama nyanyian Gregorian, yang disebut Cantus firmus atau penyanyi tenor suara kedua dan kemudian suara ketiga ditambahkan di atas (improvisasi atau rekaman).

Jenis dua suara awal disebut tape, karena kedua suara tersebut sering kali dibunyikan secara paralel dalam gerakan keempat dan kelima sempurna. Dari sudut pandang hukum musik abad pertengahan, gerakan paralel seperti itu merupakan norma bunyi, berbeda dengan aturan harmoni klasik kemudian. Ketergantungan pada konsonan sempurna dijelaskan oleh fakta bahwa, sebagai yang pertama dalam rangkaian nada tambahan, interval ini lebih mudah dan nyaman untuk menyetel performa vokal.

Perkembangan dan kompleksitas bentuk nyanyian gereja memerlukan rekaman musik yang lebih maju. Dalam musik Gregorian, sistem khusus untuk merekam nyanyian dikembangkan. Awalnya, mereka ditandai dengan neumas (dari bahasa Yunani "pneuma" - "nafas") - tanda konvensional yang menyampaikan arah umum perkembangan melodi. Rekaman non-verbal menyerupai sinopsis, yang hanya menunjukkan poin-poin utama, dan pemain harus mengetahui sendiri detailnya.

Dua garis (biasanya dengan warna berbeda) digambar satu di atas yang lain, yang menunjukkan tinggi bunyi utama, dan neuma ditulis di sekitar atau langsung pada garis tersebut.

Pada awal abad ke-11. Musisi dan ahli teori Guido dari kota Apeuuo (sekitar tahun 992 - sekitar tahun 1050) merevolusi sistem perekaman dengan memperkenalkan dua baris lagi. Neumas mulai ditempatkan pada empat garis dan di antara keduanya, yang menunjukkan nada suara dengan lebih akurat dan lebih detail. Sistem empat baris menjadi prototipe notasi musik modern yang didasarkan pada lima baris.

Sekitar waktu yang sama, nama untuk bunyi dasar muncul - Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La. Ini adalah suku kata awal dari enam kata pertama dari himne Latin yang ditulis oleh biarawan Paul the Deacon untuk menghormati Rasul Yohanes (dia dianggap sebagai santo pelindung nyanyian gereja). Belakangan suku kata Ut diganti dengan suku kata Do. Nama lain muncul untuk satu suara - Si (dibentuk dari huruf pertama frasa Sancte lohanne - “Saint John”).

Dari abad ke-12 Nyanyian Gregorian mulai direkam dalam apa yang disebut. notasi paduan suara atau persegi. Rekaman ini memberikan indikasi nada yang spesifik, tetapi tidak mencerminkan sisi ritme musik.

Munculnya polifoni dan perkembangan polifoni vokal selanjutnya menyiratkan bunyi beberapa suara melodi dengan ritme yang berbeda-beda. Ini membutuhkan fiksasi ritme yang tepat pada setiap suara. Oleh karena itu, pada abad ke-13 muncullah notasi mensural, di mana setiap suara diberi durasi yang diperlukan saat ini.

Pada abad ke-11, suatu bentuk siklus telah berkembang dalam kehidupan gereja, yang hingga saat ini merupakan bagian terpenting dari ibadat Katolik. Ini tentang tentang Misa, yang telah menjadi bagian integral dari kebaktian sehari-hari dan perayaan. Misa dirayakan pada pukul Latin dan memiliki sejumlah lantunan wajib. Lima nyanyian suci berikut telah menjadi kanonik:

Kyrie eleison - Tuhan kasihanilah

Gloria in excelsis Deo – Kemuliaan bagi Tuhan yang maha tinggi

Credo in unum Deum - Saya percaya pada satu Tuhan

Sanctus Dominus Deus Sabaoth - Kuduslah Tuhan Allah Semesta Alam dan Benedictus qui venit in nominee Domini - Berbahagialah dia yang datang dalam nama Tuhan

Agnus Dei qui tollis peccata mundi – Anak Domba Allah yang menghapus dosa dunia

Misa pertama bersifat monofonik dan dilakukan tanpa iringan instrumen. Pada massa awal, ada dua jenis nyanyian yang dibedakan: mazmur - sifatnya mirip dengan resitatif, dan himne - lebih merdu. Pada sound bagian Gloria dan Credo, gaya penampilan melismatis menjelang hari jadi semakin terjalin. Materi musik utama untuk misa awal adalah nyanyian Gregorian. Mulai abad ke-14, dalam massa polifonik, nyanyian Gregorian digunakan sebagai Cantus firmus dan ditempatkan dalam tenor.

Masyarakat ikut serta dalam pertunjukan massa awal, sehingga intonasi lagu daerah merambah ke banyak nyanyian. Di kemudian hari, komposer juga terkadang menggunakan melodi lagu sekuler dengan teks doa kanonik sebagai Cantus firmus. Massa seperti ini disebut massa parodi atau parodi. Arti aslinya kata "parodi" adalah pinjaman. Otoritas Gereja bersikap ambivalen mengenai penetrasi genre sekuler ke dalam musik gereja. Terkadang hal ini menimbulkan protes terhadap sekularisasinya, terkadang hal ini dipandang sebagai cara untuk menarik kaum awam ke gereja.

Sejak abad ke-12, salah satu genre gereja terkemuka dan, sebagian, musik vokal sekuler telah menjadi motif. Untuk pertama kalinya, suara anak laki-laki mulai dilibatkan dalam penampilan motets, bersama dengan suara laki-laki. Polifoni memunculkan genre musik seperti konduksi dan motet. Dalam genre konduksi (dari bahasa Latin Conductus - “memimpin”), karya-karya spiritual dan sekuler diciptakan untuk mengiringi prosesi dan prosesi seremonial; teks untuk konduktor ditulis dalam bahasa Latin. Dalam motet (Motet Perancis, dari mot - "kata") setiap suara memiliki teksnya sendiri, dan terkadang teks untuk suara tersebut ditulis dalam bahasa yang berbeda. Motet, seperti konduktor, digunakan dalam musik sakral dan sekuler.

Jadi, perkembangan nyanyian Gregorian pada Abad Pertengahan beralih dari satu suara (monodi) ke bentuk 2, 3, 4 suara yang cukup kompleks dalam organum, konduksi, dan motet. Munculnya polifoni vokal menimbulkan tugas klasifikasi suara nyanyian. Kekhususan nama mereka mencerminkan posisi nada suara relatif terhadap tenor – suara utama. Selain tenor, ada suara yang disebut countertenor – letaknya berseberangan dengan tenor. Dalam presentasi tiga suara, tergantung pada posisinya, suara ini disebut countertenor - altus(suara di atas tenor), atau countertenor – bassus(suara di bawah tenor). Dalam empat suara, suara tertinggi dipanggil diskanthus– yaitu “bergerak ke atas dari topik (tenor).” Dari nama-nama ini, seiring berjalannya waktu, muncullah sebutan umum untuk suara-suara skor paduan suara: treble (kemudian soprano), alto, tenor, bass.

Seiring berjalannya waktu, para master mulai aktif menggunakan alat musik untuk mengiringi nyanyian polifonik. Dalam karya komposer Perancis Guillaume de Machaut (c. 1300-1377), vokal kadang-kadang hanya diberikan sebagai suara utama, dan semua suara lainnya bersifat instrumental. Guru ini terutama sering menggunakan teknik serupa dalam karya sekuler.

Pembentukan genre dan bentuk musik sekuler terjadi atas dasar tradisi rakyat. Sangat sulit untuk mempelajarinya, karena lagu dan tarian jarang direkam. Namun beberapa gagasan tentang mereka masih dapat dibentuk, pertama-tama, dari cerita rakyat perkotaan. Penampil utama musik rakyat di kota-kota adalah aktor keliling.

Mereka tampil dalam beberapa peran sekaligus: sebagai musisi, sebagai penari, dan sebagai ahli pantomim, dan sebagai akrobat; memerankan sandiwara pendek. Aktor-aktor tersebut mengambil bagian dalam pertunjukan teater yang berlangsung di jalanan dan alun-alun - dalam drama misteri, pertunjukan karnaval dan badut, dll. Sikap Gereja terhadap mereka agak waspada. “Seseorang yang membiarkan… pantomim dan penari masuk ke dalam rumahnya tidak mengetahui betapa banyak roh najis yang masuk di belakangnya,” tulisnya pada akhir abad ke-8. mentor spiritual Kaisar Charlemagne, Kepala Biara Alcuin. Ketakutan para pemimpin Gereja bukannya tidak berdasar seperti yang terlihat. Contoh lagu dan tarian Spielmanns (aktor dan musisi pengembara Jerman) yang sampai kepada kita, bentuknya sederhana, diisi dengan intonasi yang cerah dan meriah, membawa muatan energi badai dan sensual yang sangat besar, yang dapat dengan mudah dibangkitkan dalam diri manusia. tidak hanya kegembiraan, tetapi juga kehancuran naluri mentah. Kesenian rakyat mewujudkan sisi terang dan gelap jiwa manusia abad pertengahan - ketidakkekalan, kekerasan, kemampuan untuk dengan mudah melupakan cita-cita spiritual Kekristenan yang luhur.

Masa kejayaan musik sekuler profesional pada abad 12-13. terkait terutama dengan budaya ksatria - aristokrasi militer Abad Pertengahan Eropa. Pada pertengahan abad ke-12, karya penyair dan penyanyi - penyanyi - dibentuk di Provence, salah satu provinsi terkaya dan menarik secara budaya di Prancis. Kata "troubadour" berasal dari ungkapan Provençal art de trobas - "seni mengarang", dan secara kasar dapat diterjemahkan sebagai "penemu", "penulis".

Secara musikal, karya para penyanyi mungkin sangat dipengaruhi oleh tradisi rakyat. Namun, mereka memberikan kelembutan dan kecanggihan yang lebih besar pada intonasi folk yang terbuka dan seringkali berani. Irama komposisi, bahkan dengan tempo cepat, tetap menjaga keteraturan dan keanggunan, dan bentuknya dibedakan oleh perhatian mendalam dan proporsionalitas.

Musik Troubadour hadir dalam berbagai genre. Karya epik disebut lagu tentang perbuatan(Perancis: chansons de geste). Mereka biasanya ditulis berdasarkan teks dari "Song of Roland" - sebuah puisi epik (abad ke-12) yang menceritakan tentang kampanye Charlemagne dan nasib tragis ksatria setia Roland. Adegan kehidupan pedesaan yang indah diceritakan oleh karakter yang lemah lembut dan lemah lembut. padang rumput(dari bahasa Prancis pas-tourelle - "gembala"). (Nantinya, berdasarkan mereka, akan muncul sebuah pastoral - sebuah karya seni yang menunjukkan kesatuan manusia dengan alam.) Ada juga lagu-lagu yang mengandung muatan moral - ketegangan(dari ketegangan Perancis - "ketegangan", "tekanan").

Namun, tema utama dalam musik dan puisi para pengacau tetaplah tema cinta, dan genre utamanya adalah "lagu fajar"(Prancis chansons 1 "aube). Biasanya, mereka bernyanyi tentang momen manis pertemuan malam seorang ksatria dengan Wanita Cantiknya. Melodi dari lagu-lagu tersebut memikat dengan fleksibilitas dan komposisi yang sangat jelas. Biasanya dibuat dengan nada pendek, sering kali motif yang berulang-ulang, tetapi pengulangan-pengulangan ini tidak terlihat selalu berhasil: motif-motif tersebut terhubung dengan sangat baik satu sama lain sehingga memberikan kesan melodi yang panjang dan terus berubah. Perasaan ini sangat difasilitasi oleh bunyi bahasa Prancis Kuno dengan vokalnya yang panjang. dan konsonan yang dinyanyikan dengan lembut.

masalah adalah orang-orang asal yang berbeda- baik rakyat jelata maupun bangsawan (misalnya, Adipati Aquitaine Guillaume IX, Baron Bertrand de Born). Namun, apapun afiliasi sosialnya, mereka semua menunjukkan cinta ideal antara pria dan wanita, keharmonisan antara sensual dan spiritual dalam hubungan mereka. Cita-cita kekasih ksatria penyanyi adalah seorang wanita duniawi, tetapi dengan kemurnian, kemuliaan dan spiritualitasnya dia harus menyerupai Perawan Maria (seringkali dalam deskripsi Wanita Cantik orang dapat merasakan subteksnya - gambar tersembunyi Bunda Allah) . Dalam sikap ksatria terhadap Nyonya bahkan tidak ada bayangan sensualitas yang tidak terkendali (sangat khas dari moral zaman itu), melainkan kekaguman yang penuh hormat, hampir pemujaan. Dalam menggambarkan hubungan seperti itu, puisi para pengacau menemukan nuansa yang sangat halus, dan musik berusaha menyampaikannya secara akurat.

Lain fenomena yang menarik budaya sekuler profesional Eropa Barat- penciptaan Trouvères, penyanyi dan penyair dari Champagne, Flanders, Brabant (bagian dari wilayah Prancis dan Belgia modern). Kata "trouver" memiliki arti yang mirip dengan nama "troubadour", tetapi berasal dari kata kerja Perancis Kuno trouver - "menemukan", "menemukan", "menyusun". Berbeda dengan troubadour, trouvères lebih dekat dengan kehidupan kota, bentuknya lebih demokratis, dan masa kejayaan kreativitas mereka terjadi pada paruh kedua abad ke-13, ketika kesatriaan mulai berangsur-angsur memudar ke latar belakang kehidupan sosial. Yang paling populer adalah master dari kota Arras, Adam de la Halle (dikenal sebagai Adam le Bossu, sekitar tahun 1240 - antara tahun 1285 dan 1288). Ia menggubah lagu-lagu cinta dan adegan-adegan yang didramatisasi, yang biasanya diiringi musik (lihat artikel “Teater Abad Pertengahan Eropa Barat”). Dekat dengan seni penyanyi Perancis adalah karya penyair dan musisi kesatria Jerman - Minnesinger (Jerman: Minnesinger - "penyanyi cinta"). Yang paling menonjol adalah Wolfram von Eschenbach (sekitar tahun 1170 - sekitar tahun 1220) dan Walter von der Vogelweide (sekitar tahun 1170-1230). Seni para Minnesingers membangkitkan minat yang begitu besar sehingga pada tahun 1207 sebuah kompetisi bahkan diadakan di antara mereka di kota Wartburg. Peristiwa tersebut kemudian menjadi dasar plot populer dalam sastra dan musik romantis; khususnya, kompetisi ini digambarkan dalam opera “Tannhäuser” oleh komposer Jerman Richard Wagner.

Tema utama karya Minnesingers, seperti halnya para penyanyi, adalah cinta, tetapi musik dari lagu-lagu mereka lebih ketat, bahkan terkadang kasar, terkonsentrasi dan penuh dengan refleksi daripada perasaan yang penuh gairah. Melodi Minnesingers memikat dengan kesederhanaan dan keringkasannya, di baliknya terdapat kedalaman spiritual yang memungkinkan mereka untuk dibandingkan dengan contoh terbaik musik gereja.

Musik sekuler (abad ke-18)

Abad kedelapan belas memiliki arti penting masa transisi dalam sejarah musik kita. Di Rus pra-Petrine, yang terbelenggu oleh ketidaktahuan, prasangka, sistem sosial dan negara yang sulit dan lamban, tidak ada tempat bagi kebebasan internal untuk pengembangan seni.

Hampir semua benih (kecuali unsur musik gereja kita, yang dipinjam dari luar, tetapi mendapat perkembangan unik di tanah kita) yang datang ke kita dan ke Barat mempunyai nasib berbeda di sana-sini. Rebana primitif kuno di timur berubah menjadi kecapi multi-senar atau theorbo di barat, tetapi kita masih memiliki domra-balalaika dua atau tiga senar yang hampir sama buruknya. Rebab timur, miskin dalam senar, di Barat berubah menjadi keluarga dengan banyak instrumen membungkuk, menyaingi suara manusia dalam kekayaan ekspresi - tetapi di negara kita sejak lama telah muncul eksistensinya dalam bentuk a "buzzer" yang malang. Dekat dengan gusli kita, Hackebrett (sejenis dulcimer) melahirkan clavichord, spinet, dan piano di Barat, namun di negara kita gusli tetap membeku pada tahap perkembangan primitifnya. Kurangnya kondisi gratis perkembangan rohani membuat kesinambungan hasil kerja yang benar dari generasi ke generasi menjadi tidak mungkin.

Semua ini terasa di abad ke-18, misalnya, dalam penggantian nyanyian parte barat daya dengan nyanyian konser Italia; satu jenis musik polifonik memberi jalan kepada yang lain tanpa perjuangan, tanpa berkembang menjadi sesuatu yang lebih sempurna, lebih tinggi. Upaya untuk membuat opera nasional pada abad ke-18 (Fomina dan lainnya), pada dasarnya, tidak ada hubungannya dengan upaya serupa yang dilakukan Verstovsky atau dengan kreasi brilian Glinka.

Hanya pada abad ke-19, dengan Glinka, yang memainkan peran yang sama dalam sejarah musik kita seperti yang dilakukan Pushkin dalam sastra kita, terjadilah perkembangan organik dan konsisten yang nyata dari musik kita. seni musik. Perkembangan ini, bagaimanapun, menjadi mungkin hanya berkat reformasi Peter: kita berhutang budi pada fakta bahwa kita kemudian belajar menghargai elemen seni nasional kita, yang mampu untuk dikembangkan lebih lanjut.

Reformasi Peter menyelesaikan belenggu dan belenggu yang mengikat kebebasan individu, dan memberinya kesempatan untuk berkembang tanpa hambatan, setidaknya hanya di kelas dan kondisi sosial tertentu. Pada awalnya, kebebasan ini belum bisa terwujud karya kreatif di wilayah yang kami tempati. Pada masa pemerintahan Peter I dan penerus langsungnya, musik terus berfungsi sebagai “kesenangan” yang sama di istana dan masyarakat kelas atas seperti di bawah pemerintahan Alexei Mikhailovich. Bagi Peter, musik hanyalah sarana untuk memperkenalkan kecemerlangan, revitalisasi, dan keberagaman yang lebih besar ke dalam kehidupan publik. Pesta dansa, pertemuan, parade, badut, dan prosesi seremonial diiringi dengan suara musik, yang direduksi menjadi tingkat aksesori eksternal yang berisik. Peter sendiri hanya menunjukkan seleranya pada nyanyian gereja. Pada resepsi di Elector of Hanover Sophia-Charlotte, selama perjalanan pertamanya ke luar negeri, Peter mendengarkan penyanyi Italia saat makan malam dengan “kesenangan yang nyata”, namun tetap menyatakan bahwa dia “tidak memiliki keinginan yang besar untuk musik seperti itu.” F. Weber melaporkan bahwa Peter “menemukan sedikit kesenangan” dalam opera dan komedi “seperti dalam berburu.” Berchholz mengatakan hal yang sama.

Ketika Peter berada di Paris pada tahun 1717, beberapa musisi dan penyanyi opera Paris meminta untuk melayaninya, namun dia menolak tawaran mereka. Dia memainkan drum dengan sangat baik dan terkadang perusahaan yang menyenangkan menunjukkan seninya, yang ia pelajari sebagai seorang anak, memainkan peran sebagai drummer di resimen “lucu” -nya.

Orkestra asing, terutama musisi Jerman mulai bermunculan akhir XVII abad ini tidak hanya di kalangan duta besar asing, tetapi juga di kalangan bangsawan Rusia. Menurut Korb, pada tahun 1698, musik merupakan aksesori yang diperlukan untuk berbagai hari raya “di rumah semua pedagang dan orang Moskow terkaya dan perwira Jerman". Untuk teater, yang didirikan pada 1702 di Moskow, musisi direkrut dari Hamburg.

Terpesona oleh “harmoni musik”, orang Rusia, menurut Korb, menganggap musik sebagai kesenangan belaka; mereka "tidak akan pernah setuju untuk membeli kesenangan selama setahun yang hanya berlangsung beberapa jam." Orang Rusia alami - budak - juga dilatih oleh musisi tamu. Dalam pelatihan ini, seperti kesaksian Weber, batog sering digunakan sampai siswa “belajar dan mulai bermain.” Tak heran jika seniman Rusia yang dilatih dengan cara ini, yang direkrut dari budak atau kelas bawah lainnya, kerap mengungkapkan moral yang kasar. Weber melaporkan tentang pembantaian liar terhadap penyanyi istana; Ia juga mengatakan bahwa musisi Rusia bermain “tanpa seni apa pun.”

Orkestra pada masa Peter Agung terdiri dari sejumlah kecil musisi; bahkan orkestra istana hanya terdiri dari 20 orang; alat musik tiup lokal mendominasi. Pada acara-acara khusus, orkestra nasional yang lebih besar juga dibentuk; Jadi, selama penobatan Permaisuri Catherine (istri Peter Agung), sebuah orkestra yang terdiri dari 60 musisi kekaisaran, bangsawan, dan lainnya berkumpul di Moskow. Mengikuti contoh istana, para bangsawan - Pangeran Menshikov, Kanselir Golovkin dan lainnya, serta Feofan Prokopovich - memulai orkestra mereka sendiri. Duta besar asing sering kali membawa musik mereka ketika mereka berkunjung; beberapa dari mereka, misalnya duta besar Prusia, Baron Mardefeld, sendiri berperan sebagai virtuoso atau penyanyi. Secara umum hiburan musik pada masa ini kurang bersifat artistik. Entah muncul beberapa virtuoso seperti "pembuat jam Fister", yang menghibur Catherine I dengan permainan "lonceng kristal", atau halaman duta besar Swedia, yang memiliki "suara burung bulbul", menunjukkan karya seninya, dll. namun, wanita yang tahu cara memainkan harpsichord (Putri Kantemir dan Cherkasskaya, Countesses Golitsyn, dibesarkan di Swedia).

Yaguzhinsky rupanya memiliki selera yang lebih serius. Atas inisiatifnya, konser reguler pertama diselenggarakan, diadakan setiap hari pada hari Rabu (dari tahun 1722 hingga kematian Peter) di rumah Bassevin, Penasihat Penasihat istana Holstein, dengan partisipasi orkestra istana Holstein. Perang Swedia juga berkontribusi pada munculnya banyak orkestra di negara kita, baik swasta maupun pemerintah, misalnya militer. Setelah satu Pertempuran Poltava Pada tahun 1709, 121 musisi tentara Swedia yang ditangkap dibawa ke Moskow, dan 4 pemain terompet dan 4 pemain timpani dari "perusahaan rumah kerajaan". Banyak dari musisi yang ditangkap ini tetap tinggal di Rusia.

Musik militer telah diselenggarakan di sini sebelumnya. Kembali pada tahun 1704, menurut proyek Field Marshal Ogilvy, resimen infanteri yang terdiri dari 30 penabuh genderang dan resimen kavaleri yang terdiri dari 12 penabuh genderang diandalkan.Pada saat ini, mungkin, seluruh komposisi instrumental dari orkestra saat itu telah dibawa ke kita dari Eropa.

Pada masa pemerintahan Peter, partisipasi musik dalam prosesi pemakaman pertama kali muncul. Lagu daerah hanya sesekali terdengar di istana. Para pemain bandura Cossack menghibur dengan permainan dan nyanyian mereka tidak hanya beberapa amatir yang menjaga mereka, tetapi juga orang-orang berpangkat tinggi, misalnya Duchess of Mecklenburg dan Permaisuri Catherine. Pada tahun 1722, ada dua pemain bandura di istana kerajaan. Nyanyian mereka disukai oleh orang asing, yang mengadopsi beberapa “lagu menyenangkan” dari mereka. Repertoar mereka mungkin sebagian besar terdiri dari lagu-lagu daerah, terkadang tidak sepenuhnya bagus, seperti yang dapat dinilai dari kesaksian Berchholz. Ketertarikan pada pemain bandura dan musik mereka membuktikan selera musik yang ringan pada masa itu, dan juga fakta bahwa musik orkestra Jerman tidak sepenuhnya memuaskan mereka, sebagian karena kompleksitasnya, sebagian karena kontennya yang asing.

Yang sangat penting bagi pelestarian kesenian rakyat adalah dekrit tahun 1722, yang mengizinkan “pada hari libur gereja di biara-biara dan paroki bangsawan, setelah liturgi dan prosesi salib”, hiburan rakyat dilarang di bawah pendahulu Peter I, “untuk demi pemolesan populer, dan bukan untuk aib apa pun.” . Di bawah Peter II, konser merupakan bagian tak terpisahkan dari perayaan istana. Pada pertunangan Peter II dengan Putri Dolgoruky, setelah kedatangan pengantin wanita, “konser pilihan diadakan”, setelah itu penguasa muncul “memainkan timpani dan memainkan terompet”.

Di bawah Anna Ioannovna, opera Italia muncul di Rusia untuk pertama kalinya. Peristiwa ini terjadi pada tahun 1735 (bukan tahun 1736 dan 1737, seperti yang diduga secara keliru oleh banyak peneliti). Dalam daftar opera yang dipentaskan di Rusia sejak abad terakhir, yang disusun oleh V.V. Stasov (Surat Kabar Musik Rusia, 1898, Januari, Februari, Maret), opera pertama yang dipentaskan di negara kita adalah “Kekuatan Cinta dan Benci” (“La forza dell "amore e dell"odie"), teks oleh K. F. P. (terjemahan bahasa Rusia oleh Tredyakovsky), musik oleh komposer Italia Francesco Araya, konduktor istana Anna Ioannovna. Opera ini, dinamai menurut nama pahlawannya, juga disebut "Abiasare", atau lebih tepatnya "Albiazzare" (dalam bahasa Rusia - "Abiatsar"). Bahkan sebelumnya, pada tahun 1730, pada hari penobatan Anna Ioannovna, Raja Polandia Augustus mengirimkan beberapa aktor, penyanyi, dan musisi terkenal dari Dresden untuk menampilkan “selingan Italia”. Kapellmeister Gübner memberi perangkat yang benar teater pengadilan, mengorganisir orkestra “ruang” pengadilan (dari Jerman), dan merekrut 20 anak laki-laki Rusia untuk ruang dansa. Pertunjukan "Albiazzare" dibawakan pada tahun 1737 oleh paduan suara penyanyi istana yang besar, orkestra opera yang terdiri dari 40 orang dan empat band militer. Tugas Araya adalah mengelola gedung opera dan musik istana, sekaligus menggubah opera baru untuk diproduksi di panggung istana, seperti kebiasaan pada masa itu. Dalam daftar opera yang dipentaskan di Rusia di atas, terdapat sebanyak 17 opera yang ditulis oleh Araya dan dipersembahkan dalam kurun waktu 28 tahun (1735 - 63). Kebisingan yang ditimbulkan oleh "Albiazzare" benar-benar menenggelamkan sesuatu yang lain sebuah peristiwa penting, yang berlangsung setahun sebelum produksinya - penampilan pertama dari "drama musik dalam tiga babak", "Kekuatan Cinta dan Benci", diterjemahkan dari bahasa Italia dan dibawakan oleh penyanyi dan paduan suara Rusia "di Teater Kekaisaran Baru di Petersburg,” atas perintah Permaisuri. Penyanyi solo dan paduan suara diambil dari kapel istana. Pertunjukan ini, dalam arti tertentu, dapat dianggap sebagai awal dari opera Rusia, atau lebih tepatnya, awal pertunjukan opera dalam bahasa Rusia. Anna Ioannovna menghabiskan banyak uang, pada masa itu, untuk pemeliharaan penyanyi Italia dan produksi opera yang brilian, tetapi dia tidak menyukai musik dan memulai opera hanya mengikuti contoh pengadilan Eropa lainnya.

Seiring dengan opera Italia, kita melihat lagu rakyat di bawah Anna Ioannovna sebagai hiburan istana. Pengiring pengantin permaisuri direkrut dari gadis-gadis yang berbakat dengan suara yang bagus dan seharusnya berada di kamar sebelah kamar tidur permaisuri pada waktu normal. Bosan, Anna Ioannovna membukakan pintu untuk mereka dan memerintahkan: "Baiklah, gadis-gadis, bernyanyilah!" Nyanyian itu harus dilanjutkan sampai permaisuri berkata: “Sudah cukup.” Mengikuti contoh pendahulunya, Anna Ioannovna juga memiliki pemain bandura istana, yang belajar di Dresden dengan lutenis terkenal Weiss. Pada pernikahan badut Pangeran Golitsyn, yang dirayakan di Rumah Es, perwakilan dari berbagai bangsa di kekaisaran berpartisipasi “dengan musik milik masing-masing keluarga,” yang sampai batas tertentu menyerupai prosesi badut Peter Agung dan menjadi saksi tingkat perkembangan musik yang tidak banyak berubah sejak saat itu.

Pada masa pemerintahan Elizabeth Petrovna, opera Italia mencapai kecemerlangan khusus. Orkestra telah diperkuat menjadi 80 orang, penyanyi kelas satu diundang ke rombongan; Ada juga penyanyi Rusia (Poltoratsky, kemudian menjadi direktur kapel, Berezovsky, yang menjadi terkenal sebagai komposer gereja). Opera ini dipimpin oleh Araya yang sama, yang pertama kali menulis musik berdasarkan teks asli Rusia Sumarokov: “Cephalus and Procris.” Opera ini dipentaskan (1755) di teater istana oleh penyanyi Rusia. Dalam “opera Rusia pertama” ini, baik plot maupun musiknya tidak memiliki sesuatu yang bersifat nasional. Opera Rusia pertama yang sebenarnya ( Catatan. Informasi juga telah disimpan tentang karya-karya lain sebelumnya yang berhubungan dengan menyanyi dan menari. Maka, pada tahun 1743, kisah Rusia kuno “Mawar Tanpa Duri” dipentaskan di panggung istana. Pada tahun 40-an abad ke-18, di panggung istana ada “komedi musik dengan nyanyian dan tarian”, yang diambil “dari dongeng Rusia kuno” oleh A.I. Kolychev: "Pahlawan pemberani dan pemberani, Kekuatan Berang-berang." Karya-karya ini mungkin bersifat vaudeville dan bagaimanapun juga tidak menyandang judul "opera.") hanya dipentaskan di tahun depan, 27 November 1756. Itu adalah "Tanyusha, atau Pertemuan Bahagia", yang teksnya milik I. A. Dmitrievsky, dan musiknya milik pendiri teater Rusia, aktor F. G. Volkov, yang merupakan komposer opera Rusia pertama. Minimnya informasi detail mengenai pementasan opera ini menunjukkan lemahnya kesan yang ditimbulkannya, mungkin karena sifatnya yang kurang memuaskan, serta persaingan dengan opera Italia yang lebih cemerlang dan modis. Pada tahun yang sama, teater permanen Rusia didirikan di St. Petersburg (di Tsaritsyn Meadow), tempat opera juga dipentaskan. Seniman opera memainkan peran dramatis dan sebaliknya; Dmitrievsky yang terkenal, misalnya, juga ikut serta dalam opera.

Pada tahun 1760, sebuah teater komedi, tragedi, dan opera Rusia dibangun di Moskow. Rombongan itu sebagian besar terdiri dari orang-orang pekarangan dan panitera, yang diikuti oleh beberapa penyanyi istana yang tertidur. Bagaimanapun, opera Volkov dan pendirian teater Rusia mencerminkan tren nasional dalam kehidupan publik, yang dengan jelas terwujud pada masa pemerintahan Elizabeth Petrovna sebagai reaksi terhadap Bironovisme dan, secara umum, tirani Jerman di bawah para pendahulunya. Permaisuri sendiri lebih dekat dengan kehidupan Rusia daripada kehidupan Barat dalam hal pendidikan dan kebiasaannya.

Favorit Permaisuri, A.K. Razumovsky, mantan penyanyi, yang saat itu menjadi pemain bandura istana, adalah seorang dermawan musik. Berkat kecintaannya pada musik, opera Italia St. Petersburg menjadi salah satu yang terbaik di seluruh Eropa. Musik rakyat, terutama musik Little Russia, mendapat dukungan Razumovsky. Di stafnya selalu ada beberapa pemain bandura, "pemain bandura" dan bahkan "penyanyi Rusia Kecil" tertentu.

Di bawah pengaruh istana, komposer Italia mulai menggubah drama bertema Rusia. Pemain biola Madonis menyusun rangkaian berdasarkan motif rakyat dan dua simfoni sejenis. Setelah dia, Araya mulai menulis tentang tema-tema rakyat Little Russia. Koreografer Fusano memperkenalkan tarian Rusia ke dalam balet dan dirinya sendiri menyusun tarian kontra bertema Rusia.

Jadi, pada masa pemerintahan Elizaveta Petrovna, musik instrumental muncul untuk pertama kalinya, mewakili upaya pemrosesan artifisial tema-tema rakyat Rusia dan meletakkan dasar bagi gaya Rusia-Italia, yang kemudian kita temukan di kalangan kolektor lagu-lagu daerah, seperti D. . Kashin, dan di kalangan komposer Rusia, seperti Alyabyev, Varlamova dan lain-lain. Aliran nasional baru tidak mampu melawan Italiaisme yang kuat dan cemerlang, yang didukung oleh contoh pengadilan Eropa abad ke-18. Musik dan nyanyian Italia merupakan bagian tak terpisahkan dari semua pesta dansa, makan malam gala, dan perayaan serupa. Bangsawan Rusia mulai memiliki teater rumah dan opera panggung mereka sendiri, dengan penyanyi dan aktor budak. Beberapa bahkan mendukung grup opera Italia dengan biaya sendiri.

Grup opera swasta Italia (buffa) dan balet Locatelli, dibentuk pada tahun 1757, pada awalnya, berkat subsidi pemerintah dan sumbangan tempat, bertahan dalam persaingan di opera istana (seminggu sekali Locatelli diwajibkan untuk memberikan pertunjukan gratis di pengadilan) ; Namun ketika sang pengusaha memutuskan untuk mendirikan “gedung opera besar di Moskow” yang pertama (1759), masyarakat Moskow, yang pada awalnya berbondong-bondong menonton produk baru yang aneh tersebut, segera kehilangan minat terhadap opera tersebut. Hal yang sama kemudian terjadi di Sankt Peterburg, meski komposisi rombongan bagus dan harga terjangkau. Segalanya menjadi buruk, dan Locatelli, setelah membubarkan rombongannya, meninggalkan St. Petersburg. Sejarah kegagalannya menunjukkan betapa sedikitnya minat terhadap opera Italia yang masih berakar di masyarakat Rusia. Dipindahkan ke teater umum yang tidak membedakan pangkat dan kelas, segera kehilangan pendengarnya, yang belum memiliki minat dan kebutuhan seni yang nyata.

Dan bahkan di istana pun hampir memaksa pendengar untuk menonton opera. Selain Araya, pada masa pemerintahan Elizabeth Petrovna, Raupach Jerman, penulis opera "Rusia" kedua "Alceste", menulis dan mementaskan opera dan kantata di negara kita, berdasarkan teks oleh Sumarokov (dilakukan pada tahun 1758, dengan Bortnyansky yang berusia dua belas tahun dalam peran utama), Madonis - (kantata untuk aksesi Elizabeth: "Rusia sangat gembira dalam kesedihan", 1742), Sarti - ("Persatuan Cinta dan Pernikahan", untuk pernikahan Agung Duke Peter Fedorovich, 1745), Tsonnis ("Vologese", 175?), Manfredini, dianggap sebagai komposer istana Grand Duke Peter Fedorovich (operanya dipentaskan terutama di Oranienbaum, di mana untuk tujuan ini pada tahun 1756 adipati membangun gedung konser besar). Pada masa pemerintahan Elizabeth Petrovna, opera karya Gasse, Gluck, Paesiello, Monsigny dan Bruel juga dipentaskan.

DI DALAM Tahun lalu Pada masa pemerintahan Elizabeth Petrovna (1761), pertunjukan teater ditutup. Di bawah Elizabeth Petrovna, apa yang disebut musik terompet, berburu, atau lapangan, ditemukan oleh Johann Anton Mares dari Ceko (1719 - 1791), mulai digunakan. Sebagai pemain terompet yang hebat, Maresh diundang ke Rusia oleh Bestuzhev (1748), permaisuri menyukainya karena permainannya dan dipekerjakan sebagai musisi kamar. Marsekal Naryshkin mempercayakannya untuk mengoreksi tanduk berburu yang kasar. Dari instrumen-instrumen ini, yang hanya menghasilkan satu suara, Maresh mengorganisir (1751) sebuah orkestra terompet yang memainkan seluruh simfoni dan tawaran, yang mengejutkan orang asing, namun salah satunya (Masson, “Mémoires sur la Russie,” 1802) membuat, sebuah pernyataan beracun: bahwa musik seperti itu "hanya dapat diorganisir di negara di mana terdapat perbudakan." Maresh meninggalkan sebuah risalah tentang musik terompet, yang kemudian diterbitkan oleh penulis biografinya (I. Ch. Hinrichs, "Entstehung, Fortgang, jetzige Beschaffenheit der russischen Jagdmusik", St. Petersburg, 1796; terjemahan Rusia - "Awal, kesuksesan, dan keadaan saat ini dari musik klakson" St. -Petersburg, 1796. Artikel Karpovich, “Musik Tanduk di Rusia,” dalam “Kuno dan Rusia Baru", 1880, Agustus, dan catatan dengan judul yang sama di Surat Kabar Musik Rusia, 1896, No. 7). Pada paruh kedua abad ke-18, musik klakson menjadi sangat luas di Rusia; baru-baru ini dipulihkan di orkestra istana dan muncul dalam perayaan penobatan terakhir.

Pemerintahan Peter III, yang sangat menyukai musik, tidak punya waktu untuk menanggapi keadaan musik di Rusia dengan cara apa pun, meskipun ia memiliki rencana musik yang luas. Saat masih menjadi Adipati Agung, meskipun kemampuannya terbatas, ia mempertahankan artis-artis Jerman dan Italia yang mahal sebagai stafnya, mengadakan konser dan opera, dan mengumpulkan koleksi biola yang sangat bagus. Dalam orkestra semi-amatirnya (hingga 40 orang), di mana ia memegang biola pertama, petugas pengiring yang tahu cara memainkan sesuatu juga ikut ambil bagian. Setelah naik takhta, Peter III terus bermain biola. Saat tinggal di Oranienbaum, ia mengorganisir sekolah musik untuk anak-anak tukang kebun istana.

Catherine II, menurut Segur, “tidak peka terhadap musik.” Pengeluaran besar untuk opera, di matanya, seharusnya menjadi indikator kekayaan dan kekuasaan kekaisaran. Di sisi lain, ia yakin bahwa “orang yang menyanyi dan menari tidak berpikiran jahat”. Tentu saja, kata “rakyat” di sini hanya berarti partai-partai kelas atas yang terlibat dalam intrik dan kudeta istana pada masa pemerintahan sebelumnya: opera Italia sama asingnya bagi “rakyat” Rusia pada masa itu dan juga sekarang. Menurut A.N. Engelhard ("Catatan", 49), Catherine II "dari semua pertunjukan teater, yang paling disukai penggemar opera Italia." Bagian yang cukup besar dalam hasrat terhadap "opera buffe" ini harus dikaitkan dengan pengaruh "pecinta musik" istana seperti Pangeran Potemkin, Pangeran Bezborodko, dan lainnya, yang menganggap primadona Italia menarik dari sisi non-musikal yang sama sekali berbeda. Jadi, menurut Segur, penyanyi Todi yang terkenal dan sangat mahal itu ditulis untuk Pangeran Potemkin. Wanita bangsawan, pada gilirannya, “sangat” tertarik pada para penyanyi. Di akhir masa pemerintahannya, bahkan permaisuri sendiri mengakui (dalam percakapan dengan Krapovitsky) bahwa “penggemar opera telah mendistorsi semua orang.”

Pada tahun 1772, semacam "klub musik" muncul (di rumah Count Chernyshev), tempat diadakannya konser mingguan. Tempat pertama di antara hiburan teater istana ditempati oleh opera Italia, yang mengundang penyanyi dan komposer paling terkenal, yang terakhir sebagai konduktor dan pemasok opera baru untuk panggung istana. Pertunjukan opera Italia dibuka pada musim gugur 1762 dengan opera Olympiad karya Manfredini, yang ditulis untuk naik takhta permaisuri. Komposer ini menulis beberapa opera dan kantata lagi yang dibawakan pada masa pemerintahan Catherine II. Penggantinya adalah maestro sekolah Venesia Balthasar Galuppi; dia menulis beberapa opera, memulai konser mingguan di istana dan mengajar komposisi (Bortnyansky adalah muridnya di St. Petersburg dan kemudian di Italia); Dia juga memiliki beberapa komposisi gereja untuk paduan suara istana. "Dido" dan "Iphigenia" miliknya sangat sukses.

Bertugas bersamaan dengan Galuppi adalah koreografer dan komposer Angiolini, yang tiba di Rusia pada tahun 1766 dan mengikuti jejak Fusano dalam menggubah balet ala russe. Pada tahun 1767, ia menggubah “sebuah balet besar dengan cita rasa Rusia, dan, dengan menggabungkan melodi Rusia ke dalam musiknya, karya baru dari pikirannya ini mengejutkan semua orang dan mendapatkan pujian universal untuk dirinya sendiri.” Tempat Galuppi diambil alih oleh maestro Neapolitan Tomaso Traetta, yang mementaskan lima opera dan balet karangannya sendiri di St. kemudian Paesiello yang terkenal diundang (di St. Petersburg dari tahun 1776 hingga 1784), guru musik Permaisuri Maria Feodorovna. Daftar opera Stasov mencakup 22 opera dan baletnya, sekitar 14 di antaranya dipentaskan pada masa pemerintahan Catherine II.Setelah Paesiello pergi, Sarti diundang, yang, bagaimanapun, segera berangkat ke selatan Rusia, di mana, dalam karyanya Menurut pendapatnya, Potemkin menyelenggarakan konservatori musik pertama, yang tidak bertahan lama. Sepeninggal Potemkin, Sarti kembali ke St. Petersburg dan menduduki posisi konduktor istana hingga akhir masa pemerintahan Paul I. Selain beberapa opera yang ditulis dan dipentaskan di Rusia (Stasov memberikan 4 operanya; sebagai tambahan, satu opera - "Manajemen Awal Oleg", berdasarkan teks permaisuri, - ditulis olehnya bersama dengan Canobbio dan Pashkevich), Sarti menulis beberapa karya spiritual dan musik untuk ibadah Ortodoks dan merupakan guru komposer gereja Vedel, Dekhterev dan Davydov, a kolektor lagu daerah dan komposer D.N. Kashin dan lainnya Dia menulis musik dengan selera Rusia; salah satu roman semacam ini: “Aku tidak tahu apa pun di dunia ini yang perlu disedihkan” bahkan menjadi lagu daerah. Pembalap Spanyol Martini, atau Martin, mementaskan serangkaian opera dan baletnya yang panjang (Stasov memiliki 14 judul). Operanya “The Diana Tree” dan “A Rare Thing” (“Cosa rara”), yang juga terkenal di Eropa, menikmati kesuksesan tertentu.

Dari tahun 1789 hingga 1792, Cimarosa yang terkenal juga tinggal di Rusia (12 operanya muncul dalam daftar Stasov). Komposer asing lainnya yang bekerja di St. Petersburg termasuk Baron Vanzhur, penulis dua opera berdasarkan teks Permaisuri sendiri ("The Brave and Bold Knight Akhrideich" dan "Ivan Tsarevich", keduanya tahun 1787), dan Bulan dari Prancis, penulis banyak opera (dalam daftar Stasov - 15), beberapa di antaranya ditulis berdasarkan teks Rusia (opera Italia pada masa pemerintahan Catherine juga ditulis oleh komposer gereja kami, Berezovsky dan Bortnyansky, ketika mereka berada di Italia; tetapi untuk Rusia, aktivitas ini tetap tidak diketahui sama sekali dan berlalu tanpa jejak).

Dalam hal jumlah komposer yang operanya dipentaskan di Sankt Peterburg, peringkat pertama adalah milik Italia; kemudian datanglah orang Prancis dan kemudian orang Jerman. Pada tahun 1766, 37.400 rubel dihabiskan untuk opera dan musik kamar, 6.000 rubel untuk produksi opera baru, dan 9.200 rubel untuk orkestra bola lapangan. Ketika, untuk memberikan “tontonan” kepada masyarakat, “setiap orang diperbolehkan untuk terlibat dalam hiburan yang layak untuk umum,” opera Italia, yang merupakan hak istimewa istana, ditarik dari sini.

Pada tahun 1762, untuk menyelenggarakan konser pengadilan spiritual selama masa Prapaskah, pengiring Ceko Starzer dikirim dari Wina. Konsernya memiliki jumlah pendengar yang sangat terbatas dan tidak meninggalkan jejak abadi dalam sejarah musik kami.

Pada tahun 1764, opera komik Prancis muncul, tetapi meskipun repertoarnya sukses, ia kalah bersaing dengan opera Italia. Ketika kontrak dengan Departemen Keuangan berakhir, Prancis mencoba melanjutkan penampilan mereka, tetapi karena tidak berhasil, mereka terpaksa bergabung dengan rombongan Jerman, dan kemudian meninggalkan Rusia sepenuhnya.

Namun sungguh luar biasa bahwa dominasi opera Italia (gagasan tentang selera musik masyarakat Sankt Peterburg pada masa itu dapat diperoleh dari kumpulan kutipan paling populer dari opera Italia pada masa itu, yang diterbitkan di 1796 dengan judul "Gionale del italiano di S. Pietroburgo") berjalan seiring dengan kebangkitan tren nasional, tercermin dalam sejumlah opera dengan plot dari kehidupan dan sejarah Rusia, yang musiknya milik komposer Rusia, dan dalam kedok cukup banyak musisi Rusia - komposer, virtuoso dan penyanyi.

Lagu-lagu daerah dan musik instrumental buatan sendiri yang sederhana telah mengelilingi anak-anak dan remaja Rusia sejak masa kanak-kanak; Sesampainya di ibu kota, dia tak bisa menghilangkan kesan masa kecilnya. Oleh karena itu, kecintaan terhadap lagu daerah tidak diungkapkan. Pada malam Hermitage, menurut PI Sumarokov, “kadang-kadang... mereka menyanyikan sub-lagu dalam paduan suara”... Di antara orang-orang yang dekat dengan permaisuri adalah orang-orang Rusia murni seperti Pangeran Alexei Orlov, yang menurut Derzhavin, mencintai, “kehidupan Rusia yang sederhana, nyanyian, tarian, dan semua kesenangan rakyat jelata lainnya.” Berkat semua ini, ada sejumlah nugget musik yang sebagian besar keluar dari massa.

Begitulah Evstigei Fomin, konduktor Teater Medox di Moskow, yang menulis sekitar 30 opera Rusia, berdasarkan teks oleh Permaisuri sendiri, Ablesimov, Knyazhnin, I. A. Dmitrievsky, I. A. Krylov, Kapnist, dll. , "Anyuta" dipentaskan pada tahun 1722 di Tsarskoe Selo dan sukses besar di kalangan penonton istana. Pada tahun yang sama, sebuah opera oleh penulis tak dikenal dipentaskan di Moskow: "The Sorcerer Lover", teks dan musiknya diambil dari lagu-lagu Rusia (mungkin identik dengan opera yang sama oleh Byulan dan Nikolaev, juga dibawakan di St.Petersburg pada tahun 1722).

Opera juga ditulis oleh Kapellmeister Matinsky, seorang budak yang dididik atas biaya tuannya, Pangeran Yaguzhinsky, di Rusia dan Italia. Dari jumlah tersebut, Gostiny Dvor, yang teksnya juga milik Matinsky, sangat sukses. Keberhasilan terbesar adalah opera Fomin berdasarkan teks Ablesimov: "The Sorcerer Miller, the Deceiver and the Matchmaker," dipentaskan pada tahun 1799 di Moskow, dan kemudian di St. Petersburg, di teater istana; tetapi di sini kontennya dianggap terlalu vulgar dan dihapus dari repertoar.

Musisi kamar Paskevich atau Pashkevich menulis beberapa opera dalam semangat rakyat, menggunakan motif rakyat; ia juga dipercayakan dengan sejumlah opera gubahan komposer asing yang dianggap berwatak nasional. Jadi, dalam opera berdasarkan teks Catherine "Manajemen Awal Oleg" dan "Fedul dengan Anak-anak", semua paduan suara rakyat ditulis oleh Pashkevich.

Opera Rusia juga ditulis oleh: Byulan, yang "Sbitenshchik" (1789, teks oleh Knyazhnin) memiliki kesuksesan yang sama dengan "The Miller", Kertselli, Prince Beloselsky, Brix, Freilich, Pomorsky, dll. Selain itu, opera asing biasanya ditulis diterjemahkan dan beralih ke panggung Rusia di mana mereka dibawakan oleh penyanyi Rusia.

Rombongan opera Rusia masih tak lepas dari rombongan dramatis; hanya sedikit penyanyi dengan suara luar biasa yang membuat pengecualian saat berpartisipasi dalam satu opera. Orkestra opera istana Rusia sama dengan orkestra Italia. Paduan suara di sana-sini dibawakan oleh penyanyi istana.

Semua opera nasional era Catherine di atas sangat sederhana. Arias sebagian besar berbentuk bait; resitatif digantikan oleh dialog, seperti dalam operet Prancis atau Singspiel Jerman; ansambel relatif jarang. Instrumentasinya terutama didasarkan pada kwintet gesek, yang kadang-kadang digabungkan dengan alat musik tiup (oboe, bassoon, terompet, dan terompet di fortissimo). Upaya untuk karakterisasi dramatis dan pengembangan plot tidak melampaui batas yang paling sederhana. Karakter nasional musik memiliki konotasi konvensional, tanpa melampaui penggunaan melodi folk dalam penyajiannya yang di-Italia-kan atau upaya lemah untuk menirunya. Namun demikian, dalam beberapa kasus, ada sekilas bakat dan keterampilan teknis tertentu. Bagaimanapun, karya-karya ini cukup cocok untuk masyarakat pada waktu itu dan mendapatkan pendengar tetap dan banyak. Opera Rusia dipentaskan di St. Petersburg, di samping teater istana, dan di beberapa teater lainnya. Ada banyak pemandangan rumah tangga yang dikelola oleh para bangsawan dan pemilik tanah kaya. Penyanyi budak, musisi orkestra, dan bahkan komposer tampil di panggung pribadi ini. Pangeran Potemkin, dalam kampanyenya di selatan Rusia, membawa serta penyanyi Italia, orkestra yang megah, dan paduan suara penyanyi yang besar.

Musik instrumental menjadi latar belakang: perkembangan musik masyarakat masih terlalu rendah untuk tertarik pada musik simfoni. Musik orkestra masih menjadi pelengkap kemewahan, kemegahan dan kesombongan di pesta dansa, pesta, jalan-jalan di atas air, dll. Dalam memainkan instrumen individu, minat terutama pada sisi virtuoso, selera yang juga didukung oleh virtuoso vokal yang berkunjung. Orkestra terbaik adalah orkestra opera istana, yang pada tahun 1766 beranggotakan 35 orang dan termasuk seniman kelas satu, terutama pada paruh kedua masa pemerintahan Catherine. Menurut negara bagian tahun 1766, orkestra memiliki 16 pemain biola, 4 pemain biola, dua pemain cello, pemain bass ganda, pemain bassoon, pemain suling, pemain obo, pemain terompet dan terompet, dan 1 pemain timpani.

Orkestra juga mencakup virtuoso Rusia, misalnya, pemain biola Ivan Khandoshkin (meninggal tahun 1804), putra seorang penjahit miskin di Sankt Peterburg, seorang virtuoso kelas satu dan komposer biola yang produktif (sonata, konserto, variasi lagu daerah ), dalam arah nasional yang sama, di mana Fomin, Pashkevich, Matinsky menulis.

Musik klakson menjadi tersebar luas di bawah Catherine: orkestra klakson (dari budak) diadakan, antara lain, oleh Grigory Orlov dan Potemkin, yang juga memiliki paduan suara musisi Moldova, Hongaria, dan Yahudi. Mode musik juga tercermin dalam band militer; beberapa di antaranya mencapai 100 orang atau lebih. Banyak resimen memiliki paduan suara sendiri. Di antara komposer instrumental pada masa Catherine, OA menonjol karena polonaisnya (“Guntur kemenangan terdengar” dan “Negara-negara Rusia terbang dengan sayap emas rumor”, seperti yang dikatakan Derzhavin). Kozlovsky, seorang Polandia sejak lahir (meninggal pada tahun 1831), dan rekan senegaranya Count M. Oginsky, yang polonaisenya, yang bernilai musik rendah, sangat populer pada masanya.

Tidak ada karya simfoni Rusia pada waktu itu. Kemunculan lagu-lagu dan roman buatan Rusia, yang kemudian sering digunakan secara populer, sudah ada sejak era Catherine. Teks untuk mereka ditulis oleh Bogdanovich, Kapnist, Derzhavin, Dmitriev, M. Popov, Sumarokov, Pangeran Gorchakov; Karya-karya Neledinsky-Meletsky sangat populer. Musik untuk mereka digubah oleh: Sarti, Dietz, Kozlovsky dan lain-lain, beberapa di antaranya dimasukkan dalam lagu daerah dari opera populer Italia Paesiello dan lain-lain.

Di bawah Catherine, pendidikan juga berfungsi untuk menyebarkan selera musik. Meskipun Permaisuri sendiri menyatakan (dalam instruksi pendidikan kepada guru Grand Dukes, Pangeran Saltykov) pandangan yang agak meremehkan tentang nilai pendidikan musik, namun pengajaran musik diperkenalkan di bawah kepemimpinannya di lembaga pendidikan, terutama untuk wanita. Betsky menetapkan bahwa di antara murid-murid panti asuhan, “mereka yang menunjukkan kemampuan menyanyi dan bermusik harus dipilih sebagai guru musik.”

Pada tahun 1779, panti asuhan menandatangani kontrak dengan pengusaha Karl Knipper, yang mengelola sekolah teater dan musik, yang menurutnya ia harus mengajar musik dan seni pertunjukan kepada 50 murid dari kedua jenis kelamin selama 3 tahun, dan kemudian menyediakan mereka dengan tempat berbayar di teaternya.

Pada tahun yang sama, sekolah khusus seni pertunjukan dan musik pertama kami didirikan - sekolah teater. Di korps kadet bangsawan, taruna belajar menyanyi dan memainkan berbagai alat musik; paduan suara korps terkenal di kota; Bortnyansky diundang untuk belajar bersamanya. Di Smolny Institute, rumah pendidikan, Universitas Moskow dan lembaga pendidikan lainnya, konser juga diselenggarakan oleh para mahasiswa.

Pewaris takhta, Grand Duke Pavel Petrovich, belajar memainkan clavichord. Penyebaran pendidikan musik (walaupun sangat mudah dan dangkal) di kalangan masyarakat luas menyebabkan munculnya sejumlah manual terjemahan, termasuk “Instruksi Benar dalam Komposisi Bass Umum” pertama kami (karya Kelner, terjemahan dari Jerman oleh Zubrilov, Moskow, 1791) .

Buah dari meluasnya “seni” musik yang dijelaskan di atas adalah amatirisme musik, yang telah meninggalkan jejaknya dalam sejarah musik kita di abad ini, tetapi berfungsi sebagai langkah persiapan yang baik untuk upaya artistik yang lebih serius. Tidak buruk penyanyi dan penyanyi amatir muncul, musisi amatir yang baik seperti Putri Dashkova, komposer amatir seperti Pangeran Beloselsky dan Gorchakov. Cukup banyak literatur almanak musik yang bermunculan, contohnya adalah: “Hiburan musik yang berisi odes, lagu-lagu Rusia, baik spiritual maupun sekuler, arias, duet Polandia, dll.” (Lihat brosur Count Lisovsky tentang literatur ini: “Almanak musik abad ke-18,” St. Petersburg, 1882).

Seiring dengan minat terhadap kehidupan rakyat, kehidupan sehari-hari, dan legenda, sejumlah koleksi lagu daerah bermunculan, di antaranya tempat paling menonjol ditempati oleh koleksi Lvov dan Pracha ("Koleksi lagu-lagu rakyat Rusia dengan suaranya", St. .Petersburg, 1790; edisi ke-2, koreksi dan penambahan, 1805; ke-3 - 1815; ke-4 - 1897). Pada saat yang sama, adaptasi lagu-lagu Little Russia mulai bermunculan (“Lagu Little Russia: setting for the shore”, Moskow, 1794).

Pemerintahan Paul I tidak membawa sesuatu yang baru dalam sejarah musik kita. Kaisar sendiri agak acuh tak acuh terhadap musik. Memperhatikan “kumpulan besar” musisi Resimen Preobrazhensky, Pavel memilih dari mereka dua pemain terompet dan pemain klarinet terbaik dan salah satu pemain bassoon terbaik, memerintahkan di masa depan untuk membatasi komposisi orkestra resimen hanya pada ini, dan membuat daftar musisi lainnya sebagai prajurit tempur. Setelah itu, dikeluarkan perintah bahwa jumlah kelompok resimen tidak boleh melebihi 5 orang; hanya 7 musisi yang tersisa untuk seluruh artileri. Opera asing, Italia dan Prancis, terus mendominasi teater di bawah kepemimpinan Paul, dengan melemahnya teater pertama dan menguatnya teater kedua. Tidak ada perbedaan signifikan dalam repertoar sejak zaman Catherine: karya-karya baru sekolah Italia dimiliki oleh komposer yang hampir sama yang dramanya dipentaskan pada masa pemerintahan sebelumnya; di Perancis, lebih banyak opera karya Grétry dan Dalleyrac yang dipentaskan dibandingkan di bawah Catherine; dari opera Jerman kita menemukan dua opera karya Mozart dan satu opera Gluck - komposer yang sama sekali tidak ada dalam repertoar Catherine: secara umum repertoar tersebut memiliki karakter yang agak lebih serius. Di bawah Kaisar Paul, impor lembaran musik dari luar negeri dilarang dan pendidikan musik dibatalkan di lembaga-lembaga tempat gadis-gadis yang bukan bangsawan belajar. Langkah terakhir datang dari Permaisuri Maria Feodorovna, yang pada tahun 1797 menyatakan gagasan bahwa mengajar musik dan menari, “menjadi persyaratan penting dalam mendidik seorang gadis bangsawan, tidak hanya berbahaya, tetapi bahkan membawa malapetaka bagi kaum borjuis dan dapat membawanya ke dalam kemiskinan. masyarakat yang berbahaya bagi kebajikan”.

Topik pelajaran: Musik sekuler dan sakral

Jenis pelajaran: pelajaran tentang memperluas dan memperdalam ilmu

Tujuan pembelajaran: mengungkap hakikat musik sekuler dan sakral; menumbuhkan kecintaan terhadap musik; mengembangkan kemandirian dan aktivitas; pembentukan budaya musik.

Selama kelas:

Momen ORG

Pengulangan materi yang dibahas.

Genre musik apa yang dikaitkan dengan konsep dramaturgi musik? (opera, balet, operet, musikal, oratorio, film musikal dan musik simfoni)

Apa yang dimaksud dengan Pembangunan?

Cara mengembangkan musik apa yang Anda ketahui? (pengulangan, variasi, urutan, imitasi)

^ BELAJAR MATERI BARU

Budaya musik berkembang dalam interaksi dua arah utama: sekuler dan spiritual, gereja. Musik sekuler pada awalnya mengandalkan lagu daerah dan budaya tari. Musik sakral selalu dikaitkan dengan ibadah.

Musisi profesional pertama - komposer, ahli teori, pemain (penyanyi, instrumentalis) - hingga abad ke-18, pada umumnya, menjabat sebagai pemimpin band dan organis di istana raja, pangeran, dan uskup agung. Mereka dapat berkomunikasi dengan banyak pendengar hanya di gereja.

Musik gereja selalu mengangkat tema-tema Kitab Suci. Dramaturgi gambaran penderitaan, kematian, dan kebangkitan Kristus menjadi dasar berkembangnya musik sakral. Dalam ritual gereja, musik dan perkataan, dalam kesatuan dengan bentuk seni lainnya, menentukan keutuhan aksi dramatis, yang dibangun di atas kontras berbagai gambar. Di Gereja Ortodoks Timur, ini adalah liturgi dan acara berjaga sepanjang malam, pernikahan dan kebaktian doa, yang asal usulnya terletak pada nyanyian Znamenny. Di Gereja Barat, Katolik - misa, requiem, passion, kantata, dll. Mereka didasarkan pada paduan suara, nyanyian polifonik yang diiringi oleh organ atau orkestra.

Kata alkitabiah dan pembiasannya dalam melodi nyanyian gereja menentukan kekuatan artistik dan moral yang tinggi dari pengaruh musik sakral. Tema keagamaan dan bentuk musik gereja mendominasi karya komposer Jerman J.-S. Bach dan komposer Rusia M. Berezovsky. Bach paling sering menulis musik untuk organ dan paduan suara, dan Berezovsky menulis untuk paduan suara capella. Berkat polifoni, gagasan utama setiap komposisinya mendapat perkembangan yang mendalam dan beragam. Isi bagian refrain “Kyrie, eleison!” dari “Misa Tinggi” oleh J.-S. Bach dan bagian pertama dari konser spiritual "Jangan tolak aku di hari tuaku" oleh M. Berezovsky terungkap dalam bentuk polifonik yang sempurna - sebuah fugue.

Ingatlah melodi musik sakral dan sekuler yang Anda kenal.

Dengarkan dan bandingkan paduan suara Bach dan Berezovsky.

Teknik pengembangan apa yang Anda dengar di sini? (imitasi)

Apa peran teknik imitasi dalam pengembangan citra musik?

^ Musik sekuler. Dari abad ke-16 Musik kamar mulai berkembang (dari bahasa Latin: Ruang kamera). Jadi, berbeda dengan gereja dan teater, mereka menyebut musik sekuler instrumental atau vokal. Sejak pertengahan abad ke-18. Kehidupan konser sekuler, bebas dari pengaruh gereja, semakin intensif. Jumlah orkestra, ansambel, dan konser tunggal semakin bertambah. Dalam karya komposer klasik Wina - Haydn, Mozart, Beethoven, dan lainnya - jenis ansambel instrumental klasik dibentuk - sonata, trio, kuartet, dll.

Ditulis untuk sekelompok kecil pemain, musik kamar dibawakan di rumah atau di istana bangsawan. Pelaku yang bekerja di ansambel istana disebut musisi kamar. Lambat laun, musik kamar mulai ditampilkan tidak hanya di kalangan sempit penikmat dan pecinta musik, tetapi juga di ruang konser besar.

Ada berbagai miniatur vokal dan instrumental kamar karya komposer romantis abad ke-19. Ini termasuk lagu-lagu oleh F. Schubert, lagu-lagu piano tanpa kata-kata oleh F. Mendelssohn, caprices oleh N. Paganini, waltz, nocturnes, pendahuluan, balada oleh F. Chopin, roman oleh M. Glinka, drama oleh P. Tchaikovsky dan banyak lagi.

Konsolidasi dan ringkasan pelajaran

Materi ulangan DZ