Munculnya balet. Sejarah balet klasik

Ini dianggap sebagai seni koreografi tingkat tertinggi, di mana tarian berubah menjadi pertunjukan panggung musikal. Jenis seni ini muncul pada abad 15-16, jauh lebih lambat dari tari. Awalnya, itu adalah seni aristokrat yang sopan. Tarian adalah sarana ekspresi utama dalam balet, tetapi dasar dramatis, skenografi, dan karya desainer kostum dan pencahayaan juga tidak kalah pentingnya.

Balet klasik merupakan tarian naratif, dimana penarinya selalu bercerita melalui tarian. Balet multi-babak klasik secara tradisional didedikasikan untuk mitos, dongeng, topik sejarah. Produksi genre bisa berupa heroik, komik, cerita rakyat.

Asal usul namanya adalah bahasa Latin ballo - "menari", atau baleto Prancis, yang memiliki arti yang sama.

Balet mengacu pada pertunjukan tari dan jenis seni teater dan musik di mana gambar artistik ekspresif diciptakan dengan bantuan plastisitas dan koreografi.

Teater tari dimulai di Italia pada abad ke-15, ketika para ahli tari mulai menciptakan tarian istana dan ballroom berdasarkan tarian rakyat.

Balet pertama

Produksi balet pertama, yang menggabungkan tarian, musik, pantomim, dan pidato, dipentaskan di Prancis di istana Catherine de Medici pada akhir abad ke-16. Itu disebut "Circe and the Nymphs" dan dipentaskan oleh Baltazarini di Belgioioso, seorang koreografer dan pemain biola hebat yang datang dari Italia dengan orkestra pemain biolanya.

Itu adalah produksi dengan plot kuno, yang menandai awal perkembangan balet istana Perancis. Selingan, pastoral, penyamaran, dan pengalihan tarian dengan cepat menjadi puncak perayaan istana.

Kanon utama balet, disusun oleh Pierre Beauchamp

Setiap tarian pada dasarnya memiliki aturan tertentu, dan tarian berubah menjadi balet ketika koreografer Pierre Beauchamp menggambarkan aturan tata cara tarian yang mulia.

Beauchamp membagi gerakan penari menjadi beberapa kelompok - lompat, jongkok, berbagai posisi tubuh dan rotasi. Jenis seni tari ini didasarkan pada prinsip gerak kaki yang memutar, sehingga tubuh dapat bergerak ke berbagai arah. Gerakan-gerakan di atas dilakukan berdasarkan tiga posisi lengan dan lima posisi kaki.

Perkembangan balet

Sejak saat itulah perkembangan balet dimulai, yang menjadi seni mandiri pada abad ke-18.

Perkembangan sekolah balet dimulai di seluruh Eropa, mencapai Rusia, tempat Balet Kekaisaran Rusia didirikan pada tahun 1738 di St.

Para penari awal mengalami kesulitan - mereka mengenakan kostum yang sangat rumit, dan rok yang tebal membuat gerakan mereka sulit. Namun lambat laun kostumnya berubah - sepatu balet kehilangan haknya, pakaian balerina menjadi ringan dan lapang.

Koreografer mengajarkan penari untuk mengekspresikan emosi dengan gerak tubuh dan ekspresi wajah, plot mitologis digantikan oleh cerita tentang negeri yang jauh, kisah cinta dan dongeng. Dalam bentuk ini, balet klasik bertahan hingga saat ini sebagai salah satu bentuk seni tari yang indah.

Dikirim oleh copypaster pada Rabu, 15/08/2007 - 01:11

Balet adalah seni yang cukup muda. Usianya kurang lebih empat ratus tahun, meskipun tarian telah menghiasi kehidupan manusia sejak zaman kuno.

Balet lahir di Italia Utara pada masa Renaisans. Para pangeran Italia menyukai perayaan istana yang mewah, di mana tarian menempati tempat yang penting. Tarian pedesaan tidak cocok untuk bapak dan ibu istana. Pakaian mereka, seperti aula tempat mereka menari, tidak memungkinkan terjadinya pergerakan yang tidak terorganisir. Guru khusus - ahli tari - mencoba memulihkan ketertiban dalam tarian istana. Mereka berlatih terlebih dahulu figur individu dan gerakan tari bersama para bangsawan dan memimpin kelompok penari. Lambat laun tarian itu menjadi semakin teatrikal.

Istilah "balet" muncul pada akhir abad ke-16 (dari bahasa Italia balletto - menari). Namun yang dimaksud bukan pertunjukan, melainkan hanya episode tarian yang menyampaikan suasana hati tertentu. "Balet" semacam itu biasanya terdiri dari "keluaran" karakter yang sedikit saling berhubungan - paling sering adalah pahlawan mitos Yunani. Setelah "keluar" seperti itu, tarian umum dimulai - "balet besar".

Pertunjukan balet pertama adalah Queen's Comedy Ballet, yang dipentaskan pada tahun 1581 di Prancis oleh koreografer Italia Baltazarini di Belgioioso. Di Perancis perkembangan balet lebih lanjut terjadi. Awalnya ini adalah balet topeng, dan kemudian balet melodramatis yang megah dengan plot kesatria dan fantastis, di mana episode tarian digantikan oleh aria vokal dan pembacaan puisi. Jangan heran, saat itu balet bukan sekadar pertunjukan tari.

Pada masa pemerintahan Louis XIV, pertunjukan balet istana mencapai kemegahan khusus. Louis sendiri suka berpartisipasi dalam balet, dan menerima julukan terkenalnya “Raja Matahari” setelah memainkan peran Matahari dalam “Ballet of the Night.”

Pada tahun 1661 ia mendirikan Royal Academy of Music and Dance, yang mencakup 13 master tari terkemuka. Tanggung jawab mereka adalah melestarikan tradisi tari. Direktur akademi, guru tari kerajaan Pierre Beauchamp, mengidentifikasi lima posisi utama tari klasik.

Segera Opera Paris dibuka, dan Beauchamp yang sama ditunjuk sebagai koreografer. Sebuah rombongan balet dibentuk di bawah kepemimpinannya. Awalnya hanya terdiri dari laki-laki. Wanita baru muncul di panggung Opera Paris pada tahun 1681.

Teater ini mementaskan opera dan balet oleh komposer Lully dan komedi serta balet oleh dramawan Moliere. Pada mulanya para abdi dalem ikut ambil bagian di dalamnya, dan pertunjukannya hampir tidak ada bedanya dengan pertunjukan istana. Minuet lambat, gavotte, dan pavanes yang telah disebutkan ditarikan. Masker, gaun tebal, dan sepatu hak tinggi menghalangi perempuan untuk melakukan gerakan rumit. Oleh karena itu, tarian pria kemudian lebih anggun dan anggun.

Pada pertengahan abad ke-18, balet mendapatkan popularitas besar di Eropa. Semua istana aristokrat di Eropa berusaha meniru kemewahan istana kerajaan Prancis. Gedung opera dibuka di kota-kota. Banyak penari dan guru tari dengan mudah mendapatkan pekerjaan.

Segera, di bawah pengaruh mode, kostum balet wanita menjadi lebih ringan dan bebas, dan garis-garis tubuh terlihat di bawahnya. Para penari meninggalkan sepatu hak tinggi dan menggantinya dengan sepatu ringan tanpa hak. Menjadi tidak terlalu rumit jas pria: celana panjang ketat sampai ke lutut dan stocking membuat sosok penari terlihat jelas.

Setiap inovasi membuat tarian menjadi lebih bermakna dan teknik menari menjadi lebih tinggi. Lambat laun, balet terpisah dari opera dan menjadi seni yang mandiri.

Meskipun sekolah balet Prancis terkenal karena keanggunan dan plastisitasnya, sekolah ini dicirikan oleh sikap dingin dan formalitas tertentu dalam pertunjukannya. Oleh karena itu, koreografer dan seniman mencari cara berekspresi lain.

Pada akhir abad ke-18, lahirlah arah seni baru - romantisme, yang memiliki pengaruh kuat pada balet. Dalam balet romantis, penari berdiri di atas sepatu pointe. Maria Taglioni adalah orang pertama yang melakukan ini, sepenuhnya mengubah gagasan sebelumnya tentang balet. Dalam balet La Sylphide, dia tampil sebagai makhluk rapuh dari dunia lain. Keberhasilannya sungguh menakjubkan.

Pada masa ini banyak bermunculan balet-balet indah, namun sayangnya balet romantis menjadi masa kejayaan seni tari terakhir di Barat. Sejak paruh kedua abad ke-19, balet, setelah kehilangan makna sebelumnya, berubah menjadi pelengkap opera. Baru pada tahun 30-an abad ke-20, di bawah pengaruh balet Rusia, kebangkitan bentuk seni ini di Eropa dimulai.

Di Rusia, pertunjukan balet pertama - "Balet Orpheus dan Eurydice" - dipentaskan pada 8 Februari 1673 di istana Tsar Alexei Mikhailovich. Tarian seremonial dan lambat terdiri dari pergantian pose anggun, membungkuk dan bergerak, diselingi dengan nyanyian dan pidato. Ia tidak berperan penting dalam perkembangan tari panggung. Itu hanyalah “kesenangan” kerajaan yang menarik orang dengan keunikan dan kebaruannya.

Hanya seperempat abad kemudian, berkat reformasi Peter I, musik dan tarian memasuki kehidupan sehari-hari masyarakat Rusia. Untuk kaum bangsawan lembaga pendidikan pelatihan tari wajib diperkenalkan. Musisi, artis opera, dan grup balet yang didatangkan dari luar negeri mulai tampil di istana.

Pada tahun 1738, sekolah balet pertama di Rusia dibuka, dan tiga tahun kemudian, 12 laki-laki dan 12 perempuan dari pelayan istana menjadi penari profesional pertama di Rusia. Mula-mula mereka tampil di balet master asing sebagai figur (sebutan penari korps de balet), dan kemudian sebagai peran utama. Timofey Bublikov, penari hebat pada masa itu, bersinar tidak hanya di St. Petersburg, tetapi juga di Wina.

Pada awal abad ke-19, seni balet Rusia mencapai kematangan kreatif. Penari Rusia menghadirkan ekspresi dan spiritualitas pada tariannya. Merasakan hal ini dengan sangat akurat, A.S. Pushkin menyebut tarian Avdotya Istomina sezamannya sebagai “penerbangan yang dipenuhi jiwa”.

Balet saat ini menduduki posisi istimewa di antara jenis lainnya seni teater. Pihak berwenang menaruh perhatian besar terhadap hal ini dan memberikan subsidi pemerintah. Rombongan balet Moskow dan St. Petersburg tampil di teater yang lengkap, dan lulusan sekolah teater setiap tahun bergabung dengan staf penari, musisi, dan dekorator.

Arthur Saint-Leon

Dalam sejarah teater balet kita, banyak sekali nama-nama master asing yang berperan penting dalam perkembangan balet Rusia. Pertama-tama, ini adalah Charles Didelot, Arthur Saint-Leon dan Marius Petipa. Mereka membantu mendirikan sekolah balet Rusia. Namun seniman berbakat Rusia juga memberikan kesempatan untuk mengungkap bakat gurunya. Hal ini selalu menarik koreografer terbesar di Eropa ke Moskow dan Sankt Peterburg. Tidak ada tempat di dunia ini yang dapat mereka temui dengan kelompok besar, berbakat, dan terlatih seperti di Rusia.

Pada pertengahan abad ke-19, realisme masuk ke dalam sastra dan seni Rusia. Para koreografer dengan tergesa-gesa, namun sia-sia, berusaha menciptakan pertunjukan yang realistis. Mereka tidak memperhitungkan bahwa balet adalah seni konvensional dan realisme dalam balet sangat berbeda dengan realisme dalam seni lukis dan sastra. Krisis seni balet dimulai.

Tahap baru dalam sejarah balet Rusia dimulai ketika komposer besar Rusia P. Tchaikovsky pertama kali menggubah musik untuk balet. Itu adalah Danau Angsa. Sebelumnya, musik balet tidak dianggap serius. Itu dianggap sebagai jenis kreativitas musik yang lebih rendah, hanya sebagai pengiring tarian.

Berkat Tchaikovsky, musik balet menjadi seni yang serius bersama dengan opera dan musik simfoni. Dulunya musik sepenuhnya bergantung pada tari, kini tari harus tunduk pada musik. Diperlukan sarana ekspresi baru dan pendekatan baru dalam menciptakan sebuah pertunjukan.

Perkembangan lebih lanjut dari balet Rusia dikaitkan dengan nama koreografer Moskow A. Gorsky, yang, setelah meninggalkan teknik pantomim yang sudah ketinggalan zaman, menggunakan teknik penyutradaraan modern dalam pertunjukan balet. Karena sangat mementingkan desain pertunjukan yang indah, ia menarik seniman terbaik untuk bekerja.

Namun pembaharu seni balet yang sebenarnya adalah Mikhail Fokin, yang memberontak terhadap konstruksi tradisional pertunjukan balet. Ia berpendapat bahwa tema lakon, musiknya, dan zaman berlangsungnya aksi memerlukan gerak tari yang berbeda dan pola tari yang berbeda setiap waktunya. Saat mementaskan balet “Malam Mesir”, Fokine terinspirasi oleh puisi V. Bryusov dan gambar Mesir kuno, dan gambar balet “Petrushka” terinspirasi oleh puisi A. Blok. Dalam balet Daphnis dan Chloe, dia meninggalkan menari dengan sepatu pointe dan menghidupkan kembali lukisan dinding kuno dengan gerakan bebas dan fleksibel. Chopiniana-nya menghidupkan kembali suasana balet romantis. Fokin menulis bahwa "dia bermimpi membuat drama balet dari kesenangan balet, dan dari tarian menjadi bahasa yang dapat dimengerti dan berbicara." Dan dia berhasil.

Anna Pavlova

Pada tahun 1908, pertunjukan tahunan penari balet Rusia dimulai di Paris, yang diselenggarakan oleh tokoh teater S.P. Diaghilev. Nama-nama penari asal Rusia - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - mulai dikenal di seluruh dunia. Namun yang pertama di baris ini adalah nama Anna Pavlova yang tak tertandingi.

Pavlova - liris, rapuh, dengan garis tubuh memanjang, mata besar - membangkitkan ukiran yang menggambarkan balerina romantis. Pahlawan wanitanya menyampaikan mimpi murni Rusia tentang kehidupan yang harmonis dan spiritual, atau kesedihan dan kesedihan tentang sesuatu yang tidak terpenuhi. “The Dying Swan”, yang diciptakan oleh balerina hebat Pavlova, adalah simbol puitis balet Rusia pada awal abad ke-20.

Saat itulah, di bawah pengaruh keterampilan seniman Rusia, balet Barat terguncang dan menemukan angin kedua.

Setelah Revolusi Oktober 1917, banyak tokoh teater balet meninggalkan Rusia, namun meskipun demikian, sekolah balet Rusia tetap bertahan. Kesedihan gerakan menuju kehidupan baru, tema-tema revolusioner, dan yang paling penting ruang lingkup eksperimen kreatif menginspirasi para master balet. Mereka dihadapkan pada tugas: mendekatkan seni koreografi kepada masyarakat, menjadikannya lebih vital dan mudah diakses.

Dari sinilah genre balet dramatis muncul. Ini adalah pertunjukan, biasanya berdasarkan plot karya sastra terkenal, yang dibangun menurut hukum pertunjukan dramatis. Isinya disajikan melalui pantomim dan tari figuratif. Pada pertengahan abad ke-20, balet dramatis mengalami krisis. Koreografer berupaya melestarikan genre balet ini, meningkatkan nilai hiburan pertunjukan dengan bantuan efek panggung, namun sayangnya sia-sia.

Pada akhir tahun 1950-an, terjadi titik balik. Koreografer dan penari generasi baru telah menghidupkan kembali genre yang terlupakan - balet satu babak, simfoni balet, miniatur koreografi. Dan sejak tahun 1970-an, kelompok balet independen telah muncul, tidak bergantung pada opera dan teater balet. Jumlah mereka terus bertambah, dan sanggar tari bebas dan tari modern bermunculan di antara mereka.

Publikasi di bagian Teater

Balet Rusia yang terkenal. 5 teratas

Balet klasik adalah bentuk seni luar biasa yang lahir di Italia pada masa Renaisans yang matang dan “pindah” ke Prancis, di mana penghargaan atas perkembangannya, termasuk pendirian Akademi Tari dan kodifikasi banyak gerakan, adalah milik Raja Louis XIV. . Prancis mengekspor seni teater tari ke seluruh negara Eropa, termasuk Rusia. Pada pertengahan abad ke-19, ibu kota balet Eropa bukan lagi Paris, yang menghadirkan mahakarya romantisme La Sylphide dan Giselle kepada dunia, melainkan St. Tepatnya pada Ibukota utara Selama hampir 60 tahun, koreografer hebat Marius Petipa, pencipta sistem tari klasik dan penulis mahakarya yang masih tak henti-hentinya meninggalkan panggung, berkarya. Setelah Revolusi Oktober, mereka ingin “membuang balet dari modernitas”, namun mereka berhasil mempertahankannya. waktu Soviet ditandai dengan terciptanya sejumlah besar karya agung. Kami menyajikan lima balet top Rusia - dalam urutan kronologis.

"Don Quixote"

Adegan dari balet Don Quixote. Salah satu produksi pertama Marius Petipa

Pertunjukan perdana balet oleh L.F. Minkus "Don Quixote" di Teater Bolshoi. 1869 Dari album arsitek Albert Kavos

Adegan dari balet Don Quixote. Kitri - Lyubov Roslavleva (tengah). Dipentaskan oleh A.A. Gorsky. Moskow, Teater Bolshoi. 1900

Musik oleh L. Minkus, libretto oleh M. Petipa. Produksi pertama: Moskow, Teater Bolshoi, 1869, koreografi oleh M. Petipa. Produksi selanjutnya: St. Petersburg, Teater Mariinsky, 1871, koreografi oleh M. Petipa; Moskow, Teater Bolshoi, 1900, St. Petersburg, Teater Mariinsky, 1902, Moskow, Teater Bolshoi, 1906, semuanya - koreografi oleh A. Gorsky.

Balet Don Quixote adalah pertunjukan teatrikal yang penuh kehidupan dan kegembiraan, perayaan tarian abadi yang tidak pernah melelahkan orang dewasa dan dengan senang hati orang tua mengajak anak-anaknya. Meskipun namanya diambil dari pahlawan novel terkenal karya Cervantes, film ini didasarkan pada salah satu episodenya, “Pernikahan Prettyria dan Basilio,” dan menceritakan tentang petualangan para pahlawan muda, yang cintanya pada akhirnya menang, meski ditentang oleh para pahlawan. ayah pahlawan wanita yang keras kepala, yang ingin menikahkannya dengan Gamache yang kaya.

Jadi Don Quixote hampir tidak ada hubungannya dengan itu. Sepanjang pertunjukan, seorang seniman jangkung kurus ditemani rekannya yang pendek berperut buncit yang memerankan Sancho Panza berjalan mengelilingi panggung, terkadang menyulitkan untuk menyaksikan tarian indah gubahan Petipa dan Gorsky. Balet, pada hakikatnya, adalah konser kostum, perayaan tari klasik dan berkarakter, di mana semua penari dari kelompok balet mana pun mempunyai pekerjaan.

Produksi balet pertama berlangsung di Moskow, tempat Petipa berkunjung dari waktu ke waktu untuk meningkatkan level rombongan lokal, yang tidak dapat dibandingkan dengan rombongan brilian Teater Mariinsky. Namun di Moskow ada lebih banyak kebebasan untuk bernapas, sehingga koreografer, pada dasarnya, mementaskan kenangan balet akan tahun-tahun indah masa mudanya yang dihabiskan di negara yang cerah.

Balet itu sukses, dan dua tahun kemudian Petipa memindahkannya ke St. Petersburg, sehingga memerlukan perubahan. Di sana mereka kurang tertarik pada tarian khas dibandingkan dengan tarian klasik murni. Petipa memperluas "Don Quixote" menjadi lima babak, menyusun "babak putih", yang disebut "Impian Don Quixote", surga nyata bagi pecinta balerina dengan rok tutu dan pemilik kaki cantik. Jumlah dewa asmara dalam "Mimpi" mencapai lima puluh dua...

“Don Quixote” hadir kepada kami dalam pengerjaan ulang oleh koreografer Moskow Alexander Gorsky, yang tertarik pada gagasan Konstantin Stanislavsky dan ingin membuat balet lama lebih logis dan meyakinkan secara dramatis. Gorsky menghancurkan komposisi simetris Petipa, menghapus tutus dalam adegan "Mimpi" dan bersikeras penggunaan riasan gelap untuk penari yang menggambarkan wanita Spanyol. Petipa memanggilnya "babi", tetapi dalam adaptasi pertama Gorsky, balet itu dipentaskan di panggung Teater Bolshoi sebanyak 225 kali.

"Danau Angsa"

Pemandangan untuk pertunjukan pertama. Teater besar. Moskow. 1877

Adegan dari balet “Swan Lake” oleh P.I. Tchaikovsky (koreografer Marius Petipa dan Lev Ivanov). 1895

Musik oleh P. Tchaikovsky, libretto oleh V. Begichev dan V. Geltser. Produksi pertama: Moskow, Teater Bolshoi, 1877, koreografi oleh V. Reisinger. Produksi selanjutnya: St. Petersburg, Teater Mariinsky, 1895, koreografi oleh M. Petipa, L. Ivanov.

Balet tercinta, versi klasiknya dipentaskan pada tahun 1895, sebenarnya lahir delapan belas tahun sebelumnya di Teater Bolshoi Moskow. Skor Tchaikovsky, yang belum mencapai ketenaran dunia, adalah semacam kumpulan "lagu tanpa kata-kata" dan tampak terlalu rumit untuk saat itu. Balet itu dipentaskan sekitar 40 kali dan terlupakan.

Setelah kematian Tchaikovsky, Swan Lake dipentaskan di Teater Mariinsky, dan semua produksi balet berikutnya didasarkan pada versi ini, yang menjadi klasik. Aksinya diberi kejelasan dan logika yang lebih besar: balet menceritakan tentang nasib putri cantik Odette, yang diubah menjadi angsa atas kehendak si jenius jahat Rothbart, tentang bagaimana Rothbart menipu Pangeran Siegfried, yang jatuh cinta padanya, dengan menggunakan pesona putrinya Odile, dan tentang kematian para pahlawan. Skor Tchaikovsky dipotong sekitar sepertiganya oleh konduktor Riccardo Drigo dan diatur ulang. Petipa menciptakan koreografi untuk babak pertama dan ketiga, Lev Ivanov - untuk babak kedua dan keempat. Pembagian ini idealnya menjawab panggilan kedua koreografer brilian tersebut, yang kedua harus hidup dan mati dalam bayang-bayang koreografer pertama. Petipa adalah bapak balet klasik, pencipta komposisi harmonis tanpa cela dan penyanyi wanita peri, wanita mainan. Ivanov adalah koreografer inovatif dengan kepekaan musik yang luar biasa. Peran Odette-Odile dilakukan oleh Pierina Legnani, “ratu balerina Milan”, dia juga merupakan Raymonda pertama dan penemu fouette ke-32, jenis spin on pointe yang paling sulit.

Anda mungkin tidak tahu apa-apa tentang balet, tapi semua orang tahu Swan Lake. DI DALAM tahun terakhir keberadaan Uni Soviet, ketika para pemimpin lanjut usia cukup sering saling menggantikan, melodi penuh perasaan dari duet “kulit putih” dari karakter utama balet dan kepakan sayap tangan dari layar TV mengumumkan peristiwa yang menyedihkan. Orang Jepang sangat menyukai “Swan Lake” sehingga mereka siap menontonnya pagi dan sore, dibawakan oleh grup mana pun. Tidak ada satu pun rombongan tur, yang banyak terdapat di Rusia dan khususnya di Moskow, yang dapat hidup tanpa “Swan”.

"Alat pemecah buah keras"

Adegan dari balet "The Nutcracker". Produksi pertama. Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Gedung Opera Mariinskii. 1892

Adegan dari balet "The Nutcracker". Produksi pertama. Gedung Opera Mariinskii. 1892

Musik oleh P. Tchaikovsky, libretto oleh M. Petipa. Produksi pertama: St. Petersburg, Teater Mariinsky, 1892, koreografi oleh L. Ivanov.

Masih ada informasi keliru yang beredar di buku dan situs web bahwa “The Nutcracker” dipentaskan oleh bapak balet klasik, Marius Petipa. Padahal, Petipa hanya menulis naskahnya, dan pementasan balet pertama dilakukan oleh bawahannya, Lev Ivanov. Ivanov dihadapkan pada tugas yang mustahil: naskahnya, yang dibuat dengan gaya balet ekstravaganza yang modis dengan partisipasi yang sangat diperlukan dari pemain tamu Italia, jelas bertentangan dengan musik Tchaikovsky, yang, meskipun ditulis sangat sesuai dengan musik Petipa instruksi, dibedakan oleh perasaan yang luar biasa dan kekayaan dramatis serta perkembangan simfoni yang kompleks. Selain itu, tokoh utama balet adalah seorang gadis remaja, dan balerina bintang ditakdirkan hanya untuk pas de deux terakhir (duet dengan pasangan, terdiri dari adagio - bagian lambat, variasi - tarian solo dan coda ( final virtuoso)). Produksi pertama The Nutcracker, di mana babak pertama didominasi aksi pantomim, sangat berbeda dari babak kedua, aksi pengalihan, tidak sukses besar; kritikus hanya mencatat Waltz of the Snowflakes (64 penari ambil bagian di dalamnya) dan Pas de deux Peri Gula Plum dan Pangeran Batuk Rejan, yang sumber inspirasinya adalah Adagio dengan Mawar karya Ivanov dari Putri Tidur, tempat Aurora menari bersama empat pria.

Namun di abad kedua puluh, yang mampu menembus kedalaman musik Tchaikovsky, “The Nutcracker” ditakdirkan untuk masa depan yang benar-benar fantastis. Ada banyak sekali produksi balet di Uni Soviet, negara-negara Eropa, dan Amerika Serikat. Di Rusia, produksi Vasily Vainonen di Opera Akademik Negara dan Teater Balet Leningrad (sekarang Teater Mariinsky di St. Petersburg) dan Yuri Grigorovich di Teater Bolshoi Moskow sangat populer.

"Romeo dan Juliet"

Balet "Romeo dan Juliet". Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939

Nyonya Patrick Campbell sebagai Juliet dalam Romeo dan Juliet karya Shakespeare. 1895

Final balet "Romeo dan Juliet". 1940

Musik oleh S. Prokofiev, libretto oleh S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Produksi pertama: Brno, Opera dan Teater Balet, 1938, koreografi oleh V. Psota. Produksi selanjutnya: Leningrad, Opera Akademik Negara, dan Teater Balet dinamai demikian. S. Kirov, 1940, koreografi oleh L. Lavrovsky.

Jika frasa Shakespeare dalam terjemahan Rusia yang terkenal berbunyi “Tidak ada kisah yang lebih menyedihkan di dunia ini selain kisah Romeo dan Juliet”, lalu mereka berkata tentang balet yang ditulis oleh Sergei Prokofiev yang hebat tentang plot ini: “Tidak ada kisah yang lebih menyedihkan di dunia selain musik balet Prokofiev”. Benar-benar menakjubkan dalam keindahan, kekayaan warna dan ekspresi, skor “Romeo dan Juliet” pada saat kemunculannya tampak terlalu rumit dan tidak cocok untuk balet. Penari balet menolak untuk menari mengikuti irama itu.

Prokofiev menulis musiknya pada tahun 1934, dan awalnya ditujukan bukan untuk teater, tetapi untuk Sekolah Koreografi Akademik Leningrad yang terkenal untuk merayakan hari jadinya yang ke-200. Proyek ini tidak dilaksanakan karena pembunuhan Sergei Kirov di Leningrad pada tahun 1934, perubahan terjadi di teater musikal terkemuka di ibu kota kedua. Rencana pementasan “Romeo dan Juliet” di Moscow Bolshoi juga tidak menjadi kenyataan. Pada tahun 1938, pemutaran perdana ditampilkan oleh teater di Brno, dan hanya dua tahun kemudian balet Prokofiev akhirnya dipentaskan di tanah air penulis, di Teater Kirov.

Koreografer Leonid Lavrovsky, dalam kerangka genre “drama balet” (suatu bentuk drama koreografi khas balet tahun 1930-an-50-an), yang sangat disambut baik oleh otoritas Soviet, menciptakan tontonan yang mengesankan dan mengasyikkan dengan penonton yang dipahat dengan cermat. adegan dan diuraikan dengan halus karakteristik psikologis karakter. Yang dia miliki adalah Galina Ulanova, aktris balerina paling canggih, yang tetap tak tertandingi dalam peran Juliet.

Skor Prokofiev dengan cepat diapresiasi oleh koreografer Barat. Versi balet pertama sudah muncul pada tahun 40-an abad ke-20. Pencipta mereka adalah Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) dan Margarita Froman (Zagreb, 1949). Produksi terkenal “Romeo dan Juliet” adalah milik Frederick Ashton (Kopenhagen, 1955), John Cranko (Milan, 1958), Kenneth MacMillan (London, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moiseeva, 1958, koreografi oleh Yu.Grigorovich, 1968.

Tanpa Spartak, konsep “balet Soviet” tidak terpikirkan. Ini benar-benar sukses, simbol zaman. periode Soviet mengembangkan tema dan gambar lain, sangat berbeda dari balet klasik tradisional yang diwarisi dari Marius Petipa dan Teater Kekaisaran Moskow dan St. Petersburg. Dongeng dengan akhir bahagia diarsipkan dan digantikan oleh cerita heroik.

Sudah pada tahun 1941, salah satu komposer terkemuka Soviet, Aram Khachaturian, berbicara tentang niatnya untuk menulis musik untuk pertunjukan heroik yang monumental, yang akan dipentaskan di panggung Teater Bolshoi. Temanya adalah sebuah episode dari sejarah Romawi kuno, pemberontakan budak yang dipimpin oleh Spartacus. Khachaturian menciptakan musik yang penuh warna, menggunakan motif Armenia, Georgia, Rusia dan penuh melodi yang indah serta ritme yang berapi-api. Produksinya akan dilakukan oleh Igor Moiseev.

Butuh waktu bertahun-tahun agar karyanya dapat menjangkau penonton, dan karyanya tidak muncul di Teater Bolshoi, tetapi di Teater. Kirov. Koreografer Leonid Yakobson menciptakan pertunjukan inovatif yang memukau, meninggalkan atribut tradisional balet klasik, termasuk menari dengan sepatu pointe, menggunakan plastisitas bebas, dan balerina mengenakan sandal.

Namun balet "Spartacus" menjadi hit dan simbol zaman di tangan koreografer Yuri Grigorovich pada tahun 1968. Grigorovich memukau penonton dengan dramaturginya yang dibangun dengan sempurna, penggambaran karakter karakter utama yang halus, pementasan adegan keramaian yang terampil, dan kemurnian serta keindahan adagio liris. Ia menyebut karyanya sebagai “pertunjukan untuk empat solois dengan corps de ballet” (corps de ballet adalah seniman yang terlibat dalam episode tari massal). Peran Spartacus dimainkan oleh Vladimir Vasiliev, Crassus - Maris Liepa, Frigia - Ekaterina Maksimova dan Aegina - Nina Timofeeva. Baletnya didominasi laki-laki, yang menjadikan balet "Spartacus" unik.

Selain pembacaan Spartacus yang terkenal oleh Jacobson dan Grigorovich, ada sekitar 20 produksi balet lainnya. Diantaranya adalah versi Jiří Blazek untuk Prague Ballet, László Szeregi untuk Budapest Ballet (1968), Jüri Vamos untuk Arena di Verona (1999), Renato Zanella untuk Vienna State Opera Ballet (2002), Natalia Kasatkina dan Vladimir Vasiliev untuk Teater Akademik Negara yang disutradarai oleh mereka balet klasik di Moskow (2002).

Sejarah balet dimulai pada masa Renaisans di Italia. Hal ini tumbuh dari pertunjukan seremonial yang dipentaskan untuk bangsawan oleh pelayan mereka: musisi dan penari di istana. Pada saat itu, balet seperti seorang pemuda berusia delapan belas tahun yang belum berpengalaman: canggung, tetapi dengan api di matanya. Ini berkembang sangat pesat. Seperti pemuda yang pertama kali diizinkan masuk ke bengkel dan dipanggil magang.

Pada saat itu, busana balet benar-benar berbeda: kostumnya sesuai dengan zaman, sepatu tutus dan pointe sama sekali tidak ada, dan penonton memiliki kesempatan untuk berpartisipasi di dalamnya di akhir pertunjukan.

Ini menarik! Pada saat lahirnya balet di Italia, koreografernya hampir tidak lebih dari lima orang. Catatan dari hanya tiga spesialis yang bertahan hingga hari ini, salah satunya menjadi “bapak baptis”: dalam catatannya, Domenico da Piacenza menyebut tarian ballo. Setelah menguat, kata tersebut menjelma menjadi balli dan balletto, mulai digunakan oleh pecinta tari lainnya dan akhirnya ditugaskan pada balet sebagai suatu seni.

Catherine de Medici menjadi tokoh penting dalam sejarah perkembangan balet. Dari Italia ia membawa seni ini ke Prancis dan mengatur tontonan untuk para tamu undangan. Misalnya, duta besar dari Polandia bisa menyaksikan produksi besar bertajuk Le Ballet des Polonais.

Diyakini bahwa hal yang paling mirip dengan balet modern adalah mahakarya Ballet Comique de la Reine, yang membuat penontonnya tegang selama lebih dari lima jam. Itu dipasang pada tahun 1581.

abad ke-17

Abad ke-17 merupakan babak baru dalam perkembangan balet. Terpisah dari tarian sederhana, ia menjadi seni mandiri yang didukung penuh semangat oleh Louis XIV. Baginya, Mazarin memesan koreografer dari Italia yang mementaskan balet dengan partisipasi raja.

Pada tahun 1661, Louis mendirikan Akademi Tari Pertama, yang mengajarkan seni balet. Koreografer pertama Louis XIV, Monsieur Lully, mengambil alih kendali sekolah balet pertama ke tangannya sendiri. Di bawah kepemimpinannya, Akademi Tari meningkatkan dan menentukan arah bagi seluruh dunia balet. Dia melakukan segala yang mungkin untuk mengubah balet dari seorang pemuda muda dan tidak berpengalaman dengan api di matanya menjadi seorang pria tampan yang dikenal dan dihormati di mana-mana. Pada tahun 1672, dengan dukungannya, didirikan akademi tari yang hingga saat ini dikenal di seluruh dunia sebagai Paris Opera Ballet. Koreografer istana Louis XIV lainnya, Pierre Beauchamp, mengerjakan terminologi tari.

1681 adalah tahun penting lainnya dalam sejarah balet. Untuk pertama kalinya, para gadis berpartisipasi dalam produksi Mr. Lully. 4 wanita cantik memasuki dunia tari dan membuka jalan bagi orang lain. Sejak momen yang tak terlupakan ini, para gadis mulai terlibat dalam balet.

abad ke-18

Pada abad ke-18, balet terus memenangkan hati para pecinta tari anggun di seluruh dunia. Banyaknya produksi, bentuk-bentuk baru ekspresi “aku” seseorang di atas panggung, ketenaran tidak lagi berada di kalangan sempit istana. Seni balet datang ke Rusia. Pada tahun 1738, Sekolah Balet Kekaisaran dibuka di St.

Semakin mendekati pertengahan abad ini, seni balet semakin cemerlang. Eropa terpesona olehnya, sebagian besar orang berpangkat tinggi tertarik pada balet. Sekolah balet dibuka dimana-mana. Mode balet juga berkembang. Gadis-gadis itu melepas topeng mereka, gaya pakaian mereka berubah. Kini para penari mengenakan pakaian ringan, yang memungkinkan mereka melakukan langkah-langkah yang sebelumnya tidak mungkin dilakukan.

abad ke-19

Pada awal abad ke-19, teori balet aktif berkembang. Pada tahun 1820, Carlo Blasis menulis “Sebuah Risalah Dasar tentang Teori dan Praktek Seni Tari.” Transisi dari kuantitas ke kualitas dimulai, semakin banyak perhatian diberikan pada detail.

Dan hal utama yang dibawa awal abad ke-19 ke dalam balet adalah menari di ujung jari Anda. Inovasi ini diterima dengan baik dan diterima oleh sebagian besar koreografer.

Secara umum, seratus tahun ini telah memberi banyak hal pada seni balet. Balet telah berubah menjadi tarian yang luar biasa ringan dan lapang, seperti angin musim panas yang muncul di bawah sinar matahari terbit. Teori dan praktik berjalan beriringan: banyak yang diterbitkan karya ilmiah, yang masih digunakan dalam pelatihan balet.

abad XX

Abad kedua puluh berlalu di bawah tanda balet Rusia. Di Eropa dan Amerika, pada awal abad ini, minat terhadap balet mulai memudar, namun setelah kedatangan para master dari Rusia, kecintaan terhadap seni balet kembali berkobar di sana. Aktor Rusia mengadakan tur panjang, memberikan setiap orang kesempatan untuk menikmati keterampilan mereka.

Revolusi tahun 1917 tidak mampu menghalangi perkembangan balet. Ngomong-ngomong, tutu balet yang biasa kita tampilkan muncul pada waktu yang hampir bersamaan, dan pertunjukannya menjadi lebih mendalam.

Pada abad ke-20, balet adalah seni tidak hanya untuk bangsawan dan keluarga bangsawan. Balet menjadi tersedia untuk masyarakat umum.

Abad XXI

Saat ini, balet tetap menjadi seni magis yang sama, di mana, dengan bantuan tarian, seseorang dapat menceritakan tentang semua emosi manusia. Ia terus berkembang dan berkembang, berubah seiring dengan dunia dan tanpa kehilangan relevansinya.

Balet, koreografi tingkat tertinggi (dari bahasa Yunani choreia - menari dan grapho - menulis), di mana seni tari naik ke tingkat pertunjukan panggung musik, muncul sebagai seni aristokrat istana jauh lebih lambat daripada tari, pada abad ke-15– abad ke-16. Istilah "balet" muncul di Italia Renaisans pada abad ke-16. dan yang dimaksud bukanlah pertunjukan, melainkan episode tarian. Balet adalah seni sintetik di mana tarian, sarana ekspresif utama balet, berhubungan erat dengan musik, dengan dasar dramatis - libretto, dengan skenografi, dengan karya perancang kostum, perancang pencahayaan, dll. Baletnya beragam: plot - balet multi-babak naratif klasik, balet drama; tanpa plot – balet simfoni, balet suasana hati, miniatur. Berdasarkan genre, balet bisa berupa komik, heroik, cerita rakyat. abad ke-20 membawa bentuk baru pada balet: balet jazz, balet modern.

Asal usul tari.

Tari muncul sebagai salah satu cara mengungkapkan perasaan melalui gerak, gerak tubuh, kelenturan, dan ekspresi wajah serta mengiringi berbagai aspek kehidupan manusia purba(festival panen, upacara pernikahan, ibadah keagamaan). Teater kuno tumbuh dari kultus Dionysian Yunani kuno, di mana tarian panggung dan inspirasinya Terpsichore menjadi bagiannya. . Selama era Helenistik Seni pantomim muncul, berkembang baik pada Abad Pertengahan maupun Renaisans (dalam commedia dell'arte, harlequinades).

Balet di Renaisans, Barok, dan Klasisisme.

Proses sandiwara tari berlangsung sangat intensif terutama di Italia, yang sudah terjadi pada abad 14-15. Ahli tari pertama muncul dan berdasarkan tarian rakyat, ballroom dan tari istana dibentuk. Di Spanyol, adegan tari plot disebut tarian laut (tarian Moor), di Inggris - topeng . Pada pertengahan abad ke-16 – awal abad ke-17. muncul kiasan, kiasan suatu tarian yang disusun menurut jenis komposisi bangun-bangun geometris (ballo-figurato). Terkenal Balet wanita Turki, dilakukan di 1615 di istana Adipati Medici di Florence. Karakter mitologis dan alegoris mengambil bagian dalam tarian visual. Sejak awal abad ke-16. balet berkuda dikenal, di mana penunggangnya berjingkrak-jingkrak di atas kuda diiringi musik, nyanyian, dan pengajian ( Turnamen Angin, 1608,Pertarungan kecantikan, 1616, Firenze). Asal usul balet berkuda berasal dari turnamen ksatria Abad Pertengahan.

Pertunjukan balet pertama yang menggabungkan musik, kata-kata, tarian dan pantomim, Circe, atau Balet Komedi Ratu, dipentaskan di istana Catherine de Medici (Paris) oleh koreografer Italia Baltazarini di Belgioioso pada tahun 1581. Sejak itu, genre balet istana (penyamar, pastoral, pengalihan tari, dan selingan) mulai berkembang di Prancis. Balet abad ke-16 adalah tontonan luar biasa dalam gaya Barok dengan pertunjukan tarian seremonial Spanyol - pavane, sarabande. Pada masa Louis XIV, pertunjukan balet istana mencapai kemegahan tertinggi dan menyertakan efek panggung yang memberikan tontonan tersebut karakter ekstravaganza. Louis XIV sendiri sudah tidak asing lagi dengan muse tari; pada tahun 1653 ia berperan sebagai Matahari di Balet malam ini sejak saat itu dia dijuluki "Raja Matahari". Komposer J.B. Lully, yang memulai karirnya sebagai penari, menari di balet yang sama.

Tarian tersebut mulai berubah menjadi balet ketika mulai dibawakan menurut aturan tertentu. Mereka pertama kali dirumuskan oleh koreografer Pierre Beauchamp (1637–1705), yang bekerja dengan Lully dan mengepalai Akademi Tari Prancis (masa depan Gedung Opera Paris) pada tahun 1661. Ia menuliskan kanon gaya tari yang luhur, yang didasarkan pada prinsip eversi kaki (en dehors). Posisi ini memberi kesempatan pada tubuh manusia untuk bergerak bebas ke berbagai arah. Ia membagi semua gerakan penari menjadi beberapa kelompok: jongkok (plie), lompat (skip, entrechat, cabriole, jeté , kemampuan melayang sambil melompat – ketinggian), rotasi (pirouettes, fouettés), posisi tubuh (sikap, arabesque). Eksekusi gerakan-gerakan tersebut dilakukan atas dasar lima posisi kaki dan tiga posisi lengan (port de bras). Semua langkah tari klasik berasal dari posisi kaki dan lengan ini. Maka dimulailah terbentuknya balet yang berkembang pada abad ke-18. dari selingan dan pengalihan menjadi seni independen.

Di Paris Opera pada abad ke-17. genre khusus tontonan teater dan musikal ditampilkan - opera dan balet oleh komposer J.B. Lully, A. Campra, J.F. Rameau. Awalnya, rombongan balet hanya terdiri dari laki-laki. Penari Perancis terkenal karena keanggunan dan keanggunan (bangsawan) dalam penampilan mereka. Penari Italia membawa gaya tarian baru ke panggung Opera Paris - gaya virtuoso, gaya tarian lompat yang rumit secara teknis. Salah satu pendiri tari panggung pria adalah Louis Dupre (1697–1774). Ia adalah orang pertama yang memadukan kedua gaya pertunjukan tersebut dalam tarian. Semakin rumitnya teknik menari memerlukan perubahan pada kostum wanita. Pada sepertiga pertama abad ke-18. Marie Camargo dan Marie Salle adalah balerina pertama yang mulai melakukan lompatan (entrechat), yang sebelumnya hanya dikenakan laki-laki, jadi mereka menghapuskan lingkaran berat dan panier, lalu memendekkan rok mereka dan beralih ke sepatu dengan hak lebih rendah. Pada paruh kedua abad ke-18. Penari brilian Gaetan Vestris (1729–1808), Pierre Gardel (1758–1840), dan Auguste Vestris muncul. Pakaian ringan bergaya antik, yang menjadi mode menjelang Revolusi Perancis, berkontribusi pada perkembangan teknik balet. Namun, isi nomor balet tidak terikat dengan alur opera dan bersifat hidangan utama, pintu masuk dalam minuet, gavotte, dan tarian lainnya selama pertunjukan opera. Genre pertunjukan balet yang digerakkan oleh plot belum berkembang.

Balet di Era Pencerahan.

Zaman Pencerahan merupakan salah satu tonggak perkembangan balet. Pencerahan menyerukan penolakan terhadap konvensi klasisisme, demokratisasi dan reformasi teater balet. J. Weaver (1673–1760) dan D. Rich (1691–1761) di London, F. Hilferding (1710–1768) dan G. Angiolini (1731–1803) di Wina bersama dengan komposer dan pembaharu opera W. K. Gluck mereka mencoba untuk mengubah balet menjadi pertunjukan plot, mirip dengan pertunjukan dramatis. Gerakan ini terekspresikan sepenuhnya dalam reformasi murid L. Dupre, Jean Georges Noverre, yang memperkenalkan konsep pas d'action (balet efektif). Noverre menyamakan balet dengan drama klasik dan mempromosikan sikap baru terhadapnya sebagai pertunjukan independen. Sangat mementingkan pantomim, sekaligus memiskinkan kosakata tari, namun kelebihannya adalah pengembangan bentuk tari solo dan ansambel, pengenalan bentuk balet multi-babak, pemisahan balet dari opera. , diferensiasi balet menjadi genre tinggi dan rendah - komik dan tragis, ia menguraikan ide-ide inovatifnya dalam Surat tentang tari dan balet(1760). Yang paling terkenal adalah balet Noverre tentang subjek mitologi: Admet dan Alceste,Rinaldo dan Armida,Jiwa dan Cupid,Kematian Hercules– semuanya dengan musik J. J. Rodolphe; Medea dan Jason, 1780,balet Tiongkok, 1778, Iphigenia di Aulis- semuanya untuk musik E. Miller, 1793. Warisan Noverre mencakup 80 balet, 24 balet opera, 11 pengalihan. Di bawahnya, pembentukan balet sebagai genre seni teater yang independen telah selesai.

Sentimentalisme balet.

Pada paruh kedua abad ke-18. Era sentimentalisme telah tiba. Berbeda dengan kaum Enlightenmentist, kaum sentimentalis menjadikan sebuah karakter dalam karyanya orang biasa, dan bukan dewa atau pahlawan kuno. Teater balet menjadi tontonan publik bagi warga kota, dan jenis pertunjukannya sendiri muncul - komedi dan melodrama. Di latar depan adalah pantomim, yang mendorong tarian ke dalam bayang-bayang, mengubah balet menjadi koreodrama, sehubungan dengan itu minat terhadap dasar sastra aksi telah meningkat. Libretto balet pertama kali muncul.

Pahlawan balet adalah sylph dan roh hutan, Willis, karakter dari cerita rakyat Celtic dan Jerman. Gambar seorang penari dengan tunik putih, yang melambangkan makhluk tidak wajar dengan karangan bunga di kepala dan sayap di belakang punggungnya, ditemukan oleh perancang kostum Prancis I. Lecomte, E. Lamy, P. Lormier. Belakangan, istilah “putih ”, balet “tunik putih” muncul. warna putih– warna mutlak, “balet putih” mengungkapkan kerinduan romantis akan cita-cita, balerina dalam gaya arab menjadi formula grafisnya. Peran tari corps de ballet meningkat, tari dan pantomim, solo, corps de ballet dan tari ansambel melebur menjadi satu kesatuan. Berkat perkembangan teknik jari, gerakan udara menjadi gaya tarian baru.

Balet romantis lebih mengandalkan sumber sastra ( Esmeralda, 1844, setelah V.Hugo, Corsair, 1856 oleh J.G.Byron), Katarina, putri seorang perampok, Ts.Puni, 1846). Peran musik semakin meningkat dan menjadi musik pengarang; sebelumnya musik balet sering kali merupakan karya kolektif, berfungsi sebagai latar dan pengiring ritmis tarian, serta menciptakan suasana pertunjukan. Musik balet romantisme sendiri menciptakan drama dan memberikan ciri musik imajinatif pada karakternya.

Puncak balet romantis adalah Gisel(1841), dipentaskan di Paris Opera oleh J. Coralli dan J. Perrot berdasarkan libretto karya T. Gautier dengan musik oleh A. Adam. DI DALAM Gisel kesatuan musik, pantomim dan tari telah tercapai. Selain pantomim, aksi pertunjukan dikembangkan oleh motif utama musik dan koreografi, dan ekspresi intonasi melodi memberikan ciri khas musikal pada karakter. Adam memulai proses simfoni musik balet, memperkayanya dengan gudang sarana ekspresif yang melekat dalam musik simfoni.

M. Taglioni dan F. Elsler adalah perwakilan dan saingan terbesar balet romantis. Individualitas mereka berhubungan dengan dua cabang romantisme: irasional (fantastis) dan heroik-eksotis. Maria Taglioni dari Italia mewakili arah pertama, Sylphide-nya menjadi simbol balet romantis, tariannya memiliki keanggunan, penerbangan, dan puisi. Tarian balerina Austria Fanny Elsler dicirikan oleh temperamen, kecepatan, dan keahlian; ia mewakili arah balet romantis yang heroik-eksotis. Sebagai penari berkarakter, ia menampilkan tarian cachacha Spanyol, Krakowiak Polandia, dan tarantella Italia. Penari romantis luar biasa lainnya: Carlotta Grisi, Fanny Cerrito (1817–1909), Lucile Gran (1819–1907). Grisi, pemain pertama peran Giselle, juga menjadi terkenal karena penampilan peran utama dalam balet oleh Ts. Puni Esmeralda. Pada tahun 1845 Perrault menyusun pengalihan yang terkenal Pas de quadre(musik oleh Ts. Puni), dimana Taglioni, Elsler, Grisi, Cerrito tampil secara bersamaan.

Cabangnya di Denmark menonjol dalam sejarah romantisme balet, terutama dalam karya August Bournonville. Pada tahun 1836 ia membuat versinya sendiri Sylph musik oleh H.S. Lowenskiöld. Balet romantis Denmark (gaya Biedermeier dengan latar belakang romantisme) adalah gaya yang lebih duniawi dan kamar dengan motif cerita rakyat, di mana pantomim memainkan peran besar dan lebih banyak perhatian diberikan pada tarian pria, lebih sedikit penggunaan teknik jari, dan peran perempuan adalah yang kedua. Ciri-ciri ini juga merupakan ciri khas balet Denmark masa kini. Pada tahun 1830, Bournoville memimpin rombongan Teater Royal Copenhagen dan menciptakan banyak balet selama 50 tahun. Teknik tari prianya tetap menjadi salah satu yang terdepan di Eropa.

Diyakini bahwa periode romantisme menjadi singkat periode terbaik seluruh sejarah balet Eropa. Jika sebelumnya lambang balet adalah Terpsichore, maka dari era romantisme menjadi sylph, jeep. Romantisme balet ada paling lama di Rusia (adegan angsa di Danau Angsa dan tarian serpihan salju di Pemecah Kacang L. Ivanova, aksi bayangan di La Bayadere,Putri Firaun Dan Raymond M.Petipa). Pada pergantian abad ke-19-20. Romantisme mendapat kelahiran baru di orang Chopin M.M.Fokina. Inilah romantisme era lain – era impresionisme. Genre balet romantis berlanjut hingga paruh kedua abad ke-20. ( Daunnya layu E. Tudor dengan musik A. Dvorak, Menari di pesta J. Robbins dengan musik F. Chopin).

Balet di paruh kedua abad ke-19. (akademikisme, impresionisme, modernisme).

Ketika realisme memasuki bentuk seni lain, balet Eropa berada dalam keadaan krisis dan kemunduran. Ia kehilangan konten dan integritasnya dan digantikan oleh ekstravaganza (Italia), gedung musik (Inggris). Di Perancis, ia memasuki fase konservasi skema dan teknik yang telah terbukti. Hanya di Rusia balet mempertahankan karakter kreativitas, di mana estetika balet besar dan balet akademis telah berkembang - pertunjukan monumental dengan komposisi tarian yang kompleks dan ansambel virtuoso serta bagian solo. Pencipta estetika balet akademis adalah Marius Petipa, seorang penari Perancis yang datang ke Rusia pada tahun 1847. Balet yang ia ciptakan bekerja sama dengan L.I.Ivanov (1834–1901) dan komposer P.I.Tchaikovsky dan A.K.Glazunov putri Tidur(1890), Alat pemecah buah keras (1892), Danau Angsa (1895) Raymonda (1898), Musim(1900) menjadi puncak balet simfoni klasik dan memindahkan pusat budaya koreografi ke Rusia.

Pada pergantian abad ke-19-20. gerakan impresionisme dan tari bebas (modern, Duncanisme, tari ritmis) merambah ke dalam koreografinya. Tarian modern berasal dari pergantian abad ke-19 dan ke-20. di Amerika dan Jerman. Koreografi modern menolak bentuk balet tradisional dan menggantinya dengan tarian bebas, plastisitas ritme, dan interpretasi musik yang intuitif. Jika aliran balet klasik dibangun dengan cara memutar ke luar (en dehors), maka aliran modern memperbolehkan posisi jari kaki ke dalam (en dedans). Modern tidak menggunakan teknik jari, lompat dan selip, tetapi secara aktif mengembangkan lekuk tubuh, mobilitas bahu dan pinggul, serta ekspresi tangan. Para ideolog modernitas adalah ahli teori Perancis F. Delsarte (1811–1871), penari Amerika Isadora Duncan dengan zaman kuno yang diperbarui, dan E. J. Dalcroze (1865–1914) dengan sistem eurhythmics dan tarian ritmis. Mereka menyatakan dominasi musik atas tari yang tidak terbagi. Duncanisme, pada gilirannya, mempengaruhi impresionisme balet, yang diwakili oleh karya koreografer Rusia M. M. Fokin. Peralihan ke estetika balet baru adalah aktivitas S.P. Diaghilev. The Russian Seasons (1909–1911) dan rombongan Balet Rusia (1911–1929) yang diorganisirnya mempunyai pengaruh yang sangat besar terhadap perkembangan balet dunia.

BALLET DUNIA ABAD KE-20

Sejarah balet abad ke-20. ditandai dengan proses asimilasi tradisi balet klasik Rusia dengan kelompok balet Eropa. Tren utama adalah metaforis, tanpa plot, simfoni, ritme bebas, tari modern, unsur folk, keseharian, olahraga, dan kosa kata jazz. Pada paruh kedua abad ke-20. Postmodernisme sedang berkembang, gudang sarana ekspresifnya meliputi penggunaan sinema dan proyeksi foto, pencahayaan dan efek suara, musik elektronik, kejadian (partisipasi penonton dalam balet), dll. Genre koreografi kontak telah muncul, ketika penari “berkontak” dengan objek-objek di atas panggung dan panggung itu sendiri. Balet miniatur satu babak (cerita pendek, balet suasana hati) mendominasi. Negara-negara dengan budaya koreografi paling maju adalah Inggris Raya, Amerika Serikat, Prancis, dan Uni Soviet. Peran utama dalam perkembangan balet dunia dimainkan oleh penari gelombang kedua emigrasi Rusia (R. Nureyev, N. Makarova, M. Baryshnikov) dan penari sekolah Rusia yang bekerja di Barat berdasarkan kontrak (M. Plisetskaya , A. Asylmuratova (b. 1961), N. Ananiashvili (b. 1963), V. Malakhov (b. 1968), A. Ratmansky (b. 1968) Ekspresionis dan kemudian balet postmodern berkembang di Jerman, Belanda, dan Swedia.

Kompetisi balet mulai diadakan pada tahun 1964.

Perancis.

Pada tahun 1920-an dan 1930-an, Prancis menjadi pusat seni balet Eropa, tempat rombongan Balet Rusia Diaghilev dan kelompok-kelompok yang berkembang darinya bekerja hingga tahun 1929. Tradisi Fokine dikembangkan oleh L.F. Myasine, B.F. Nizhinskaya, S.M. Lifar, yang memimpin rombongan Monte Carlo dan Paris. Pada paruh kedua abad ke-20. Prancis memberikan balet kepada koreografer asli seperti Maurice Béjart dan Roland Petit.

J. Balanchine bekerja di Prancis sebelum berangkat ke Amerika Serikat pada tahun 1933. Pada tahun 1932–1933 ia mengorganisir rombongan “Balle Rus de Monte Carlo” ( Pedagang di kalangan bangsawan R.Strauss, Mozartiana P.Tchaikovsky). Setelah kepergian Balanchine, rombongan tersebut dipimpin oleh V.G. Voskresensky (de Basil), rombongan tersebut mulai disebut "Balle Russe de Monte Carlo Colonel de Basil" (dari tahun 1939 hingga 1962 bekerja di AS, pada tahun 1938–1948 Massine menjabat sebagai koreografer rombongan, yang menetapkan tugasnya melestarikan balet Diaghilev). Lifar pada tahun 1944–1947 mengepalai “Balet Rusia Baru Monte Carlo”, sejak tahun 1947 dikenal sebagai “Balet Nouveau Russe de Monte Carlo dari Marquis de Cuevas”.

Pada tahun 1930–1959, saat jeda perang tahun 1944–1947, rombongan Opera Paris dipimpin oleh Serge Lifar, yang mementaskan 50 balet di sana dengan gaya neoklasik, memodernisasi tarian klasik dan memadukannya dengan unsur kebebasan, folk, dan tarian sehari-hari. Balerina paling terkenal pada masa itu: Claude Bessy (lahir 1932), seorang murid Lifar, yang memulai karirnya dengan Balanchine, dan pada tahun 1972 meraih kesuksesan besar dalam Bolero M. Bejara, dari tahun yang sama - direktur sekolah balet di gedung opera, serta penari liris Yvette Chauvire ( b.1917), terkenal karena penampilannya sebagai Giselle. Inovasi koreografi berkembang di luar tembok Opera, meskipun sejak tahun 1970-an balet karya Balanchine, D. Robbins, G. Tetley, P. Taylor, M. Cunningham, dan Yu. N. Grigorovich telah dipentaskan di sana. Pada tahun 1983–1989, ketua rombongan balet Opera Paris kembali menjadi penduduk asli Rusia, penari Soviet R.H. Nureyev. Ia mementaskan sejumlah balet klasik di sana, dan juga mengundang salah satu koreografer terbesar di zaman kita, W. .Forsyth, berkolaborasi yang membawa semangat segar dalam kehidupan rombongan tari teater yang saat itu telah berubah menjadi museum balet. Di antara penari opera, Sylvie Guillem (lahir 1965) dan Isabelle Guerin (lahir 1961) menjadi terkenal. Penari klasik terkemuka Patrick Dupont (lahir 1957) mengarahkan grup tersebut dari tahun 1990–1995.

Maurice Béjart mula bekerja pada tahun 1950-an dengan Ballet Etoile. Sejak tahun 1960 ia memimpin "Balet Abad ke-20", sejak tahun 1987 - "Balet Béjart" di Lausanne. Dia menciptakan bahasa plastiknya sendiri dan memutuskan balet masalah filosofis, karena itu minatnya pada dunia timur dan menari: Bakti, 1968 tentang musik India, Faust kami untuk musik nasional, 1975, Nijinsky, badut Tuhan musik oleh P. Henri dan P. Tchaikovsky, 1971. Penari utama Bejart adalah Jorge Donn dari Argentina (1947–1992), yang meninggal lebih awal. Bejart mendedikasikan balet untuk mengenangnya Pastoran,Balet seumur hidup,Tango, atau mawar untuk Jorge Donna. Dibuat pada tahun 1972 Lagu Magang Pengembara untuk Nureyev. Koreografi Bejart bercirikan metafora plastis, ritme cepat, dan prioritas tarian massal pria. Edisi balet asli paling terkenal Musim semi suci(1959) dan burung api I. Stravinsky (1970), Bolero M.Ravel (1961). Dia mengorganisir sekolah Mudra, di mana pelatihan balet didasarkan pada studi psikologi dan filsafat modern.

Pada tahun 1945–1951, Roland Petit mendirikan Ballet des Champs-Élysées, dan pada tahun 1949–1967, Ballet of Paris. Di antara karya terbaik: Pemuda dan Kematian J.S.Bach, 1946, Carmen J.Bizet , 1949, Katedral Notre Dame, 1965. Petit bekerja dalam genre balet dramatis, tertarik pada plot yang dinamis, citra yang hidup dan sandiwara, dengan mahir menampilkan adegan keramaian, dan menggunakan kombinasi tarian klasik dan jazz dalam kosa katanya. Di antara para penarinya, berikut ini yang menjadi terkenal: Zizi Zhanmer (lahir 1924, pemain Carmen dalam balet dengan nama yang sama), Jean Babile (lahir 1923, pemain peran utama dalam balet kultus tahun 1950-an Pemuda dan Kematian). Pada tahun 1972 Petit menganjurkan Balet Marseille ( Nyalakan bintang-bintang, 1972, Mawar yang sakit G. Mahler, dipentaskan pada tahun 1973 untuk Plisetskaya, Pink Floyd, 1973, Untuk mengenang seorang malaikat A. Berg, 1977, versi balet klasiknya sendiri Coppelia, 1975 dan Alat pemecah buah keras, 1976). Balet simfoni yang dipentaskan di Opera Paris Simfoni yang Fantastis G.Berlioz, 1974, Malam yang tercerahkan A.Schoenberg, 1976.

Pierre Lacotte (lahir 1932) adalah direktur Balet Menara Eiffel pada tahun 1955–1956 dan 1959–1962. Pada tahun 1963–1968, ia menjadi direktur Balet Nasional Pemuda Musik Prancis, kemudian rombongan Balet Monte Carlo, hingga tahun 2001 ia mengepalai Balet Nasional Nancy, ahli dalam warisan klasik balet Prancis, menguasai seni halus. seni stilisasi, rekonstruksi semangat balet romantis (film-balet untuk televisi Eropa yang gagah A. Campra, restorasi balet Sylphida J.Schneitzhoffer, Wanita dengan bunga kamelia G.Verdi, 1977). Dia disebut “arkeolog balet”.

Gerakan Art Nouveau terwakili « Teater Balet Modern "J. Roussillo (lahir 1941), diselenggarakan pada tahun 1972. Di antara rombongan postmodern, rombongan A. Preljocaj (lahir 1957, rombongan - sejak 1984), murid M. Cunningham ( Air mata putih, 1985, Untuk mengenang para pahlawan kita, 1986, saya melonjak ke musik WA Mozart, 1994).

Inggris Raya.

Balet Inggris abad ke-20. menelusuri garis keturunannya ke sekolah A. Pavlova dan Marie Rambert (1888–1982) dan Ninette de Valois, yang bekerja untuk Diaghilev. Pada tahun 1920, Sekolah Marie Rambert, pengikut sistem tari ritmis E. J. Dalcroze, dibuka. Dari sekolahnya datanglah F. Ashton dan E. Tudor, yang membentuk rombongan Rambert Ballet pada tahun 1930. Pada tahun 1926, Valois membuka Akademi Seni Koreografi di London, dari mana rombongan Sadler's Wells Ballet muncul pada tahun 1942, dan dari tahun 1957 Royal Ballet of Great Britain. Valois menjadi direkturnya hingga tahun 1983. Sejak tahun 1935, koreografer terkemuka Royal Ballet adalah Frederick Ashton, yang menciptakan gaya tarian klasik Inggris - ketat, terkendali, dan puitis. Ini didasarkan pada sekolah E. Cecchetti, yang mengajar di Sekolah Balet Imperial St. Petersburg dan mendidik individu-individu seperti Pavlova, T. Karsavina, M. Fokine, V. Nijinsky. Untuk waktu yang lama, balerina terkemuka Ashton adalah Margot Fonteyn, yang kariernya secara tak terduga terlahir kembali dalam duet legendaris dengan Nureyev; bersama-sama mereka menari sejumlah balet klasik, serta balet yang dikoreografikan secara khusus oleh Ashton Margarita dan Arman berdasarkan Wanita dengan bunga kamelia A. Dumas dengan musik F. Liszt, 1963. Produksi Ashton meliputi: Tatapan, 1931 W.Walton, Tindakan pencegahan yang sia-sia, 1960 F.Herold, Membatalkan, 1958 HW Henze, Sebulan di desa, 1976 F. Chopin, balet tanpa plot Variasi Simfoni, 1946 S.Frank, Kesamaan, 1965–1966 E. Satie, multi-babak Cinderella S. Prokofiev, 1948, dengan M. Fontaine – Mimpi, 1964 F.Mendelssohn. Pada tahun 1970, Ashton dibuat di teater " Grup baru"untuk produksi avant-garde. Anthony Tudor (1908–1987), pencipta drama psikologis dalam balet, bekerja di teater hingga keberangkatannya ke AS (1939), di mana ia mementaskan Taman Ungu musik oleh E. Chausson, 1936, Elegi Suram ke musik Lagu tentang anak-anak yang meninggal G.Malera, 1937.

Dari tahun 1970–1977 rombongan ini dipimpin oleh Kenneth MacMillan. Munculnya genre balet dramatis dikaitkan dengan namanya. Gayanya merupakan kombinasi aliran Cecchetti dengan akrobatik dan lift yang rumit; ia dicirikan oleh kecanggihan koreografinya. Baletnya Romeo dan Juliet(musik oleh Prokofiev, 1965, juga dibuat untuk Fontaine dan Nureyev) menjadi klasik kultus. Balet Manon(1974, musik oleh J. Massenet), Tarian konser Stravinsky 1955, lubang,atau Buku Harian A. Frank, 1958, Anastasia A.Sullivan, 1971, Mayerling F.Lista, 1978, Isadora R.Bennet, 1981; Pangeran Pagoda B. Britten, 1989 diciptakan untuk balerina terkemuka MacMillan, Lynn Seymour (lahir 1939), yang berduet dengan Christopher Gable (1940–1998), yang kemudian berkarier di dunia perfilman. Dalam balet MacMillan, virtuoso Anthony Dowell menari bersama Antoniet Sibley, Alexandra Ferri (lahir 1967). Atas kontribusinya terhadap kebudayaan nasional, Macmillan mendapat gelar Sir. Pada tahun yang sama, John Cranko, yang dikenal sebagai sutradara balet naratif berdurasi berjam-jam, bekerja di grup tersebut ( Nyonya dan Jester Verdi, 1954). Sejak tahun 1960-an, Cranko bekerja di Jerman, memimpin Balet Stuttgart, yang tertua di Eropa. Setelah MacMillan pergi, ide tari bebas menjadi prioritas teater. Mantan penari rombongan Norman Morris (lahir 1931), Anthony Dowell (memimpin rombongan sejak 1986), David Bintley (lahir 1957) memperkenalkan produksi Balanchine, Robbins, dan Forsythe ke dalam repertoar. Penari terkemuka teater juga termasuk Beryl Gray (lahir 1927), Robert Helpman (1909–1986), dan Moira Shearer (lahir 1926).

Perusahaan Inggris lainnya termasuk: Birmingham Royal Ballet, London Ballet Festival, yang tumbuh dari perusahaan yang didirikan pada tahun 1949 oleh mantan penari Diaghilev Alicia Markova dan Anton Dolin (1904–1983). Rombongan Balle Rambert terus bekerja. Pada awalnya, repertoarnya mempertahankan balet klasik asli, dan sejak tahun 1966, prioritas diberikan pada karya-karya bergaya tari modern. Pada tahun 1987, Richard Alston (lahir 1948) menjadi ketua rombongan, mengembangkan ide koreografer modernis Amerika Merce Cunningham. Pada tahun 1967, R. Cohen, murid M. Graham, mendirikan London Contemporary Dance Theatre, tempat ia mementaskan banyak balet Graham. Teater ini merupakan bagian dari Pusat Studi Tari Modern London.

AMERIKA SERIKAT.

Prestasi utama balet Amerika adalah karya George Balanchine, penduduk asli Rusia, lulusan Sekolah Teater Petrograd. Dia menciptakan arah baru dalam koreografi - balet simfoni tanpa alur gaya neoklasik, pertunjukan koreografi mandiri (terkadang tanpa libretto, skenografi, dan kostum). Tentang karya Balanchine pengaruh besar Aliran koreografi Denmark juga berkontribusi, mengupayakan kehalusan, gerak kaki ringan yang hidup (yang disebut lift Bournonville), perubahan arah yang cepat, dan peningkatan ritme gerakan. Teater tari terbesar di AS - Balet Kota New York dan Teater Balet Amerika - lahir sebagai hasil interaksi tradisi klasik Rusia dan Amerika (tari modern, akrobatik, jazz, kosa kata sehari-hari). Kecenderungan utama balet Amerika tetap tanpa plot dan metaforis, balet satu babak kamar.

Ketika Balanchine datang ke Amerika Serikat pada tahun 1933, arahan utama dalam koreografi Amerika adalah tarian modern, yang memiliki warna rakyat dan mencakup motif tarian Negro dan India (tubuh membungkuk, gerakan rotasi pinggul, prioritas tarian ansambel daripada solo). Tarian modern dikembangkan oleh koreografer Ruth St. Denis dan Ted Shawn (1891–1972), yang mendirikan Denishawn School of Dance di Los Angeles pada tahun 1915. Banyak koreografer Amerika belajar di sana, termasuk balerina dan koreografer paling terkemuka Martha Graham, yang pada tahun 1926 membentuk rombongannya sendiri dan mengembangkan teknik tarian khusus. Koreografer D. Humphrey, H. Limon, A. de Mille, R. Page menciptakan genre balet menggunakan cerita rakyat kulit hitam dan India. Di sisi lain, berkat seniman emigran Rusia, publik Amerika mengenal balet klasik: studio penari Rusia M. Fokin, A. Bolm, M. Mordkin bekerja di AS; B. G. Romanov (1891–1957) memimpin rombongan balet Teater Opera Metropolitan (1938–1942, 1945–1950), pada tahun 1939 rombongan Balle Russe de Monte Carlo (rombongan V. G. Voskresensky) datang ke AS -de Basil), dipimpin pada tahun 1938–1948 oleh L.F. Perpaduan modernitas dengan tradisi nasional dan klasik membentuk gaya Balanchine. Pada tahun 1934, bersama dengan dermawan Leonard Kernstein (1907–1996), Balanchine mendirikan Sekolah Balet Amerika dan, atas dasar itu, Teater Balet Kota New York. Pada tahun 2004, teater ini merayakan ulang tahun keseratus pendirinya dan hari jadinya yang ke-70. Balet pertama didasarkan pada tema Amerika ( POM bensin, 1938 oleh L. Christensen dengan musik W. Thomson, Pria Billy Yu.Loringa, Musim semi di Apalachee, Rodeo A.de Mille, musik. A. Copland), tetapi segera teater tersebut berubah menjadi Rumah Balanchine, di mana ia mementaskan 50 balet untuk rombongan tersebut. Ini sebagian besar adalah balet tanpa plot: Empat Temperamen P. Hindemith, 1946, serenade, 1934, Konserto Barok J.S.Bach, 1940, Simfoni dalam C mayor atau Istana Kristal J.Bizet, 1947, Lagu cinta– melenggang mengikuti musik oleh J. Brahms, 1960, ruang III P. Tchaikovsky, 1970, termasuk musik Amerika: Simfoni dari Barat Jauh H.Key, 1954, Apakah itu penting? J. Gershwin, 1970. Dasar estetika neoklasik Balanchine adalah ekspresi tari, yang lahir dari ekspresi gambar musik. Balanchine, seperti Bejart, adalah ahli dalam pementasan tari massal, namun dia mengutamakan tarian wanita dan berkata: “Balet adalah seorang wanita.” Komposer favoritnya adalah Stravinsky, yang berkolaborasi dengannya sejak bekerja dengan Diaghilev. Selama periode 1925–1972, Balanchine mementaskan 27 balet karya Stravinsky, di antaranya: Agon, 1957, burung api, 1949, Pulcinella, 1972, Perhiasan (rubi), 1967. Analogi kolaborasi yang bermanfaat antara koreografer dan komposer dapat ditemukan dalam persatuan Petipa dengan Tchaikovsky. Penari terkemuka Balanchine: André Eglevsky (1917–1977), Edouard Villela, Melicia Hayden (lahir 1923), Maria Tallchief, Diana Adams, Tanaquil Le Claire (lahir 1929), Violet Verdi, Allegra Kent (lahir 1938), Karin von Aroldingen (lahir 1941), Patricia McBride, Susan Farrell, Merrill Ashley. Murid Balanchine Jerome Robbins (1918–1998) dikenal sebagai pencipta tari jazz dengan unsur cerita rakyat dan kosa kata sehari-hari. Balet yang dipentaskan: Pelaut di pantai L.Bernstein, 1944, Faksimil, 1946, Sel ke musik Konsert Basel untuk Rentetan Stravinsky, 1951, edisi baru Istirahat Sore Seorang Faun (1953), Konser dengan musik oleh Chopin, 1956, balet romantis Menari di pesta untuk musik oleh Chopin, versi koreografi Variasi Goldberg Bach, 1971, Pabrik Air musik oleh T. Ito. Musikalnya dikenal luas: Gadis lucu, Pemain Biola di Atap 1964, cerita sisi barat, 1957. Robbins bekerja secara ekstensif di Broadway pada tahun 1950an dan 1960an. Setelah kematian Balanchine pada tahun 1983, ia memimpin rombongan tersebut bersama dengan P. Martins. Penerus Balanchine, penari Denmark Peter Martins, menjadi terkenal karena berduet dengan S. Farrell; bagaimana koreografer mementaskan balet: Malam di bawah pencahayaan panggung Charles Ives, 1978, Oranye yang luar biasa, 1987, Hitam dan putih, 1986, Gema, 1989, Abu, 1991 M. Thorpe. Pada tahun 1991, Martins untuk pertama kalinya menampilkan balet tanpa potongan yang diterima di Barat Putri Tidur.

Teater Balet Amerika diciptakan pada tahun 1939 oleh Lucia Chase, dermawan dan balerina, murid M. Mordkin. Chase mengarahkan teater tersebut hingga tahun 1980. Jika New York City Ballet adalah teater penulis, maka American Ballet Theatre adalah ciptaan internasional dari beberapa koreografer. Fondasi teater diletakkan oleh koreografer Inggris Anthony Tudor, yang bekerja di teater sejak didirikan sebagai direktur artistik (1939–1950 dan sejak 1974). Pendiri yang disebut balet psikologis (dia disebut "koreografer kesedihan manusia"), Tudor tertarik pada dunia bawah sadar, dan ketika berbicara tentang dunia batin manusia, dia menggunakan kosakata modernitas ( Tiang Api musik oleh A. Schoenberg, 1942 dengan Nora Kay, Arus bawah R.Schumann , 1945, Romeo dan Juliet F. Dilius, 1943 dengan Hugh Lang). Pada tahun 1975, ia mementaskan balet romantis tanpa plot untuk Gelsey Kirkland (lahir 1952), yang diakui sebagai pemain terbaik peran Giselle di AS. Daunnya layu dengan musik A. Dvorak. Penari terkemuka Tudor adalah Nora Kay (1920–1989) dan Hugh Lang (1911–1988). K. MacMillan, D. Robbins, dan koreografer modern Glen Tetley (lahir 1926), Birgit Kullberg (lahir 1908), dan Tuayla Tharp (lahir 1942) juga bekerja di teater tersebut. Penari teater terkemuka selama bertahun-tahun adalah: Alicia Alonso, John Kriza (1919–1975), Igor Yuskevich (1912–1994) dan Alicia Markova; Tony Lander (1931–1985) , Sally Wilson (lahir 1932), Bruce Marks (lahir 1937), Roy Fernandez (1929–1980), Lupe Serrano (lahir 1930 ) ,Scott Douglas (1927–1996), Cynthia Gregory, Martine Van Hamel (lahir 1945), Fernando Bujones, Natalya Makarova, Rudolf Nureyev, Dane Eric Brun, Carla Fracci (lahir 1936), Ivan Nagy (lahir 1943), V.A.Malakhov.

Pada 1980–1989, direktur artistik rombongan tersebut adalah Mikhail Baryshnikov, wakilnya adalah K. McMillan. Selama periode itu, produksi terkenal M. Morris (lahir 1955), seorang koreografer yang memenangkan ketenaran “Mozart of modern dance”, dilakukan, Minumlah untukku hanya dengan matamu musik oleh W. Thomson. Macmillan melanjutkan Romeo dan Juliet, N. Makarova melakukan penyuntingannya Bayadères Minkus (1980). Atas undangan Baryshnikov, pada tahun 1989 balerina Teater Kirov I. Kolpakova (lahir 1933) bekerja sebagai guru rombongan.

Jika pada abad ke-19. Balet Amerika baru muncul pada paruh kedua abad ke-20. Negara ini mengalami ledakan balet pada abad ke-20. dan berubah menjadi negara dengan budaya koreografi yang sangat maju. Pada tahun 1945, ada 25 grup, tetapi jumlah ini segera bertambah menjadi 250. Beberapa grup beroperasi di New York saja (teater modern Tuyla Tharp, Joffrey Ballet oleh Robert Joffrey (lahir 1930), Teater Tari Harlem Afrika-Amerika oleh Arthur Mitchell , « Balle Feld" oleh Eliot Feld, b. 1942, dll). Kota-kota besar memiliki grup baletnya sendiri: Chicago Ballet, yang didirikan oleh Maria Tallchief, San Francisco Ballet, Boston Ballet, Miami Ballet, Littlefield Ballet of Philadelphia, dll.

Jerman.

Berbeda dengan balet negara-negara Eropa lainnya, pengaruh sekolah tari Rusia kurang terasa di Jerman. Pada awal abad ke-20. Di Jerman dan Austria, ekspresionisme berkembang di semua jenis seni. Berdasarkan teknik tari modern, berkembanglah balet ekspresionis yang diwakili oleh karya koreografer R. Laban (1879–1958), K. Joss ( 1901–1979), M. Wigman dan murid-muridnya H. Holm (1898–1992), G. Palucchi (1902–1992). Mereka meninggalkan gerakan-gerakan indah, menggantinya dengan garis putus-putus dan bentuk kasar. Karya paling terkenal dari gaya ini adalah balet antiperang karya K. Joss Meja hijau, 1932. Pada tahun 1920-1930an, ide-ide aliran Bauhaus, yang mempromosikan konstruktivisme, juga populer di Jerman dan memandang tarian sebagai konstruksi yang diperhitungkan secara tepat dan latihan akrobatik tanpa pewarnaan emosional. Arah ini terungkap dalam karya V. Scoronel.

Pada paruh kedua abad ke-20. minat terhadap modernitas tumbuh di Jerman menjadi eksperimen postmodern. Ciri khas balet Jerman modern adalah penggunaan ide koreografi koreografer Amerika, Belanda, dan Ceko. Pada tahun 1961, Balet Stuttgart dipimpin oleh J. Cranko. Gaya baletnya mengingatkan pada koreodrama Soviet pada tahun 1930-an dan 1940-an; berikut adalah karya naratif multi-babak: Romeo dan Juliet (1962) musik oleh Prokofiev, Onegin(1965) dengan musik oleh Tchaikovsky, diaransemen oleh K.H. Stolze, Penjinakan Tikus(1969) dengan musik A. Scarlatti dalam aransemen yang sama dengan partisipasi duet luar biasa Marcia Heide (lahir 1939) - Richard Cragan (lahir 1944). Cranko menciptakan lokakarya kreatif eksperimental tempat William Forsyth (lahir 1949), John Neumeier (lahir 1942), Jiri Kylian tumbuh. Setelah kematian Cranko, rombongan tersebut dipimpin oleh koreografer modern Glen Tetley (lahir 1926), seorang murid Holm, yang dikenal karena mementaskan balet yang didedikasikan untuk Cranko. Sukarela(1973) F. Poulenc dan edisi sendiri Ritus Musim Semi Stravinsky. Neumeier, seorang koreografer Amerika, bekerja di Stuttgart Ballet pada tahun 1960-an dan 1970-an dan menyutradarai teater Hamburg dan Frankfurt. Berkomitmen pada tema religius dan filosofis, yang ia terapkan dalam balet berjam-jam (balet empat jam Gairah St. Matius, 1981). Produksi lainnya meliputi: Perjalanan terpisah Barbera (1968), Rondo (1970), Romeo dan Juliet (1971), Alat pemecah buah keras (1972), Senja A.Scriabin (1972), putri Tidur, Elegi Tchaikovsky (1978), Ariel Mozart, Simfoni Keempat Mahler (1977). Forsythe adalah seorang ideolog balet postmodernisme, direktur Frankfurt Ballet, ia sering disebut Balanchine abad ke-21. Koreografinya didasarkan pada asosiasi; tariannya sering kali menyertakan teks, sinema, dan proyeksi foto. Begitulah balet Lagu cinta(1979) musik rakyat dan Di tengah, pada ketinggian tertentu dengan musik L. Stuck dan T. Willems, yang dipentaskannya atas undangan Nureyev di Paris Opera pada tahun 1988. Forsyth adalah salah satu orang pertama yang menggunakan musik elektronik Willems. Koreografi modern tidak dapat dibayangkan tanpa karya Pina Bausch (lahir 1940), dengan “Dance Theater” (Wuppertal, sejak 1971), murid K. Joss, P. Taylor, E. Tudor, yang secara bersamaan mengembangkan tradisi ekspresionis balet Jerman dan sekolah psikologi Amerika ( Fragmen, 1967; Aria, 1979; Palermo, Palermo, 1989; pembersih jendela, 1997; Di tanah padang rumput, 2000; Untuk anak-anak kemarin, hari ini, dan esok, 2002). Berlin Opera Ballet dipimpin oleh K. McMillan pada tahun 1966–1969, dan saat ini (sejak 2002) direktur artistik dan solois terkemukanya adalah V. A. Malakhov, yang mengembangkan arah balet klasik.

Belanda.

Sebelum Perang Dunia II, pengaruh tarian bebas Jerman paling kuat, dan pada paruh kedua abad ke-20. Belanda menjadi tempat lahirnya tari postmodern. Setelah perang, rombongan Balet Nasional Belanda dibentuk di Amsterdam, pada tahun 1967 di bawah arahan Rudi van Danzig (lahir 1933). Dalam baletnya yang luar biasa Monumen mendiang pemuda(1965) dan Utas waktu(1970) Nureyev menari mengikuti musik Ya.Burman, yang mengenang bahwa dalam produksi ini ia menampilkan tarian tersebut untuk pertama kalinya, sambil berbaring di lantai panggung. Van Danzig, seperti Forsyth, menggunakan suara musik elektronik yang edgy dan pengaturan futuristik Tour van Schyck. Dari karya lain: Pulau Malam JC Debussy (1965), Lingkaran keluarga B.Bartok (1958). Pada tahun 1959, rombongan Teater Tari Belanda didirikan di Den Haag di bawah arahan Hans van Manen (lahir 1932). Teater ini mengabdikan dirinya secara eksklusif pada koreografi modern. Sejak tahun 1973, Manen menjadi koreografer Balet Nasional Belanda. Produksi: Simfoni dalam 3 gerakan Mesiaen (1965), Metafora Lesyura (1965), Lima Potongan dengan musik Hindemith (1966), Mutasi K.Stockhausen (1970) , Mata air suci(1974). Pada tahun 1978, Jiri Kylian menjadi direktur Teater Tari Belanda, yang, seperti Tudor, mengembangkan gaya balet psikologis. Kilian menggunakan gerakan yang dilakukan sambil berbaring di lantai, melakukan pose pahatan, menyusun pengangkatan dan rotasi tinggi ( Kembali ke negara asing, 1974–1975, Sinfonietta L.Janacek, 1987; Tempat yang sering dikunjungi K.Chavez; Waktunya tidur Ambilmitsu. Rombongan lain di negara ini: “Teater 3” Belanda, balet Belanda “Scapino” di bawah arahan N. Christe (Rotterdam).

Swedia.

Bentuk alternatif balet terhadap balet klasik juga telah berkembang di Swedia, dengan koreografer Swedia sebagai garda depan pemikiran tari. Perusahaan balet Swedia pertama beroperasi di Paris dari tahun 1920–1925 di bawah kepemimpinan eksperimentalis berani Jean Berlin (1893–1930). Pada tahun 1949–1950 dan 1963–1964 ia juga mengarahkan Royal Swedish Ballet; pada tahun 1951–1952 dan 1960–1963 jabatan ini dipegang oleh E. Tudor ( Gema pipa ke musik B.Martin, 1963). Pada tahun 1946–1947, rombongan ini dipimpin oleh Birgit Kullberg (lahir 1908, murid K. Jooss dan M. Graham). Pada tahun 1967 dia membentuk grup Kuhlberg Balle, tempat dia tampil balet terkenal Freken Julia aktif musik oleh T. Rangström, serta balet media Bartok (1950), Romeo dan Juliet Prokofiev (1969). Gayanya merupakan kombinasi tarian klasik dan modern, aneh dan pantomim. Mats Ek (lahir 1945), putra Kullberg, mengambil alih perusahaan tersebut pada tahun 1990, memproduksi balet postmodern yang tidak konvensional Gisel Dan Danau Angsa. Ek adalah salah satu pencipta estetika postmodern (teori kiasan, coding, polistilistika). Gayanya adalah permainan ironis dengan plot klasik, kutipan, dan kanon tari, yang menciptakan efek menghilangkan klise dan memberikan tampilan klasik yang segar.

Denmark.

Balet Kerajaan Denmark adalah salah satu yang tertua di Eropa. Tugas utama koreografer Denmark adalah melestarikan sekolah Bournonville, dan terima kasih kepada Hans Beck (1861–1952) ( Coppelia, 1896) selesai, tetapi, di sisi lain, pengembangan lebih lanjut terhenti. Pada tahun 1932–1951, selama menjadi direktur Harald Lander (1905–1971), Vera Volkova (1904–1975), pakar terbesar dalam sistem Vaganova di Barat, bekerja di teater. Selama periode ini, sekolah Denmark keluar dari isolasi dan menghasilkan penari terkenal P. Martins dan E. Brun. Eric Brun (1928–1986), dibedakan oleh gaya tariannya yang terkendali, halus dan sekaligus berani. Dia menarikan peran utama dalam balet klasik di teater-teater di AS, Kanada, dan Eropa. Pada tahun 1967–1971 dia mengarahkan Royal Swedish Ballet, dan pada tahun 1980-an, National Ballet of Canada. Balet romantis klasik yang dipentaskan Konser kecil G. G. Gulda (1953), edisi sendiri Gisel(1959), Sylph(1964), Coppelia (1975).

Kanada.

Perusahaan terkemukanya adalah National Ballet of Canada, didirikan di Toronto pada tahun 1951 oleh Celia Franca (lahir 1921), seorang balerina dari grup Inggris Balle Rambert dan Sadler's Wells Ballet. Dia mendirikan sekolah tari klasik berdasarkan prinsip bahasa Inggris. Dia mengarahkan rombongan tersebut hingga tahun 1974, dengan Brun dan Baryshnikov menari di teater. Pada tahun 1996, James Kudelka (lahir 1955), salah satu koreografer paling menarik, menjadi direktur teater. Ada tradisi di teater untuk mengundang penari Rusia. Sejak tahun 1994, V. Malakhov telah bekerja di Balet Nasional, A. Ratmansky menari dalam rombongan Balet Kerajaan Winnipeg, yang didirikan pada tahun 1938. Pada tahun 1957, Balet Besar Kanada diciptakan di Montreal.

Negara-negara lain.

Balet negara-negara dengan masa lalu koreografi yang kaya (Austria, Italia) saat ini berada di pinggiran ide balet. Teater musikal di Wina dan Milan mengutamakan opera. Meskipun terdapat aliran tari virtuoso berusia berabad-abad di Italia, balerina berbakat biasanya menyadari diri mereka di luar negeri (Carla Fracci, lahir 1936), Alessandra Ferrucci, b. 1963), dan balet Italia berada di ambang kelangsungan hidup.

Pada paruh kedua abad ke-20. balet merambah ke negara-negara yang tradisi tarian rakyatnya kuat. Balet Lirico Nacional muncul di Spanyol di bawah kepemimpinan mantan seniman Teater Tari Belanda Nacho Duato (lahir 1957), dan di Amerika Latin « Balet Nasional Kuba" (1948), diciptakan oleh balerina Balet Amerika Alicia Alonso, "Balet Argentina", didirikan oleh penari dari teater yang sama, Julio Bocca (lahir 1967). Kelompok balet telah muncul di Jepang, di mana balet klasik dan tari modern sangat populer: Tokyo Ballet (1964), grup KARAS Saburo Teshidawa (1985) terbuka untuk segala arah, dari klasik hingga pertunjukan.

balet Rusia.

Balet di Rusia, seperti di Eropa, muncul sebagai seni istana di bawah Tsar Alexei Mikhailovich. Balet Rusia pertama dianggap Balet tentang Orpheus dan Eurydice(1673, musik oleh G. Schutz, koreografer N. Lim, Comedy Khoromina di desa Preobrazhenskoe, Moskow). Pada tahun 1738, Sekolah Balet St. Petersburg dibuka (sekarang Akademi Koreografi Vaganova). Koreografer sekolah J.B. Lande dan A. Rinaldi mementaskan pengalihan balet dalam opera di istana Anna Ioannovna di Teater Hermitage Kekuatan cinta dan benci(1736). Kemudian keduanya menjabat sebagai koreografer istana. Sejak tahun 1760-an, balet Rusia telah berkembang dalam arus utama teater klasisisme pan-Eropa. Orang Austria dan Italia berperan sebagai koreografer, komposer, dan desainer set.

Pada tahun 1759–1764, koreografer terkenal F. Hilferding (1710–1768) dan G. Angiolini (1731–1803) bekerja di Rusia, yang mementaskan balet berdasarkan subjek mitologi ( Semira berdasarkan tragedi A.P. Sumarokov, 1772). Pada tahun 1773, sebuah sekolah balet dibuka dan di Moskow - departemen balet di Rumah Pendidikan Moskow, dasar dari Akademi Koreografi Moskow di masa depan. Rombongan Moskow, yang dibentuk sebagai rombongan publik, menikmati kemerdekaan yang lebih besar daripada rombongan milik negara di Sankt Peterburg. Seni rombongan St. Petersburg lebih sopan, ketat, dan akademis, sedangkan balet Moskow lebih demokratis dan puitis, berkomitmen pada komedi dan genre balet ( Menyenangkan tentang waktu Natal, G.Angiolini, 1767). Perbedaannya tetap ada kemudian: balet Leningrad masih dibedakan oleh kekakuan klasik, akademis, dan tarian kantilever, sedangkan balet Moskow dibedakan oleh keberanian, lompatan kuat, dan atletis. Penulis naskah drama Sumarokov mencari hak untuk mendirikan teater negaranya sendiri di Moskow, tetapi Catherine II pada tahun yang sama memberikan monopoli atas organisasi teater tersebut kepada Pangeran P.V. Urusov dan rekannya, orang Inggris M.G. Maddox. Teater Bolshoi Moskow menelusuri nenek moyangnya kembali ke perusahaan Meddox dan Urusov (Teater Petrovsky) yang diselenggarakan pada tahun 1776. Rombongan Meddox dibentuk berdasarkan rombongan N.S. Titov (1766–1769), teater Universitas Moskow yang sudah ada sebelumnya. Pada hari pembukaan Teater Petrovsky pada tanggal 30 Desember 1780, koreografer Austria L. Paradise, yang datang ke Rusia bersama rombongan Hilferding, mementaskan balet pantomim Toko ajaib. Pada tahun 1780-an, koreografer F. Morelli, P. Pinyuchi, J. Solomoni tiba dari Italia ke Rusia, dan pada pergantian abad ke-18-19. Mereka menggelar pengalihan mewah di Teater Petrovsky, serta di kelompok budak N.P. Sheremetyev dan N.B. Yusupov, tampil sebagai tambahan untuk opera atau drama. Balet bertema nasional sangat populer: Kesederhanaan pedesaan, Lukisan desa,Balet Gipsi,Penangkapan Ochakov(semua – sepertiga abad ke-19). Di antara produksi Solomonini, koreografer paling terkenal yang bekerja di Wina bersama Noverre, adalah balet Noverre. Medea dan Jason, 1800, Teater Petrovsky, Balet Amerika atau Kanibal yang Dikalahkan, 1790, Kuskovo, lalu Teater Petrovsky. Sejak tahun 1800, Solomonini menjabat sebagai kepala koreografer Teater Petrovsky. Pada tahun 1800 dia menetapkan Tindakan pencegahan yang sia-sia dalam koreografi oleh J. Doberval disebut Wanita tua yang tertipu.

Petersburg, Teater Bolshoi (Kamenny) publik pertama, yang kemudian menjadi Teater Imperial Mariinsky, dibuka pada tahun 1783. Pada tahun 1803, rombongan baletnya terpisah dari opera, menempati posisi istimewa di antara genre teater lainnya. Balet dinikmati subsidi pemerintah dan berada di bawah direktorat teater kekaisaran.

Pada pergantian abad ke-18-19. Waktunya telah tiba untuk persetujuan balet Rusia. Komposer dalam negeri A.N. Titov, S.I. Davydov, K.A. Kavos, F.E. Scholz muncul, serta koreografer Rusia pertama I.I. Valberkh (1766–1819). Dia menggabungkan tradisi tarian rakyat Rusia dengan pantomim dramatis dan teknik virtuoso balet Italia. Bekerja sejalan dengan sentimentalisme, Walberch mementaskan balet pertama bertema nasional - melodrama Werther Baru Titov, 1799. Selama perang tahun 1812, pengalihan patriotik yang populer menyebar, dan Walberch menggelar balet di St. Cinta Tanah Air Kavos, yang didasarkan pada tarian rakyat Rusia. Pada tahun 1812, genre pengalihan mengalami kebangkitan, berkat penari A.I. Kolosova (1780–1869), T.I. Glushkovskaya (1800–1857), dan A.I. Voronina (1806–1850) mendapatkan ketenaran.

Peristiwa terpenting bagi balet Rusia adalah kedatangan koreografer terkemuka era pra-Romantis ke Rusia, S. L. Didlo (bekerja di St. Petersburg pada tahun 1800–1809, 1816–1829). Dia mementaskan balet Anacreontic Zephyr dan Flora (1808), Cupid dan Jiwa (1809), Acis dan Galatea(1816), serta balet berdasarkan sejarah, komedi, topik rumah tangga: Sariawan muda (1817),Kembali dari India atau kaki kayu(1821). Didelot menjadi pendiri genre balet Anacreontic, dinamai penyair kuno Anacreon, pencipta genre lirik cinta. M.I. Danilova (1793–1810), E.A. Teleshova (1804–1857), dan A.S. Novitskaya (1790–1822) menjadi terkenal dalam balet Didelot. Di bawah kepemimpinannya, sekolah balet Rusia mulai terbentuk, ia mementaskan lebih dari 40 balet, secara bertahap melakukan transisi dari tema mitologi ke mata pelajaran sastra modern. Pada tahun 1823 dia menetapkan Tahanan Kaukasus berdasarkan puisi karya A.S. Pushkin, berkolaborasi dengan komposer Kavos. AI Istomina (1799–1848) bersinar dalam penampilannya, yang tariannya dipuji oleh Pushkin, menggambarkannya sebagai “penerbangan yang penuh dengan jiwa.” Seni Istomina menandai awal mula balet romantis Rusia dan mewujudkan orisinalitas sekolah Rusia, yang berfokus pada ekspresi emosional.

Setelah pengusiran Perancis pada tahun 1812, sekolah balet Rusia dipimpin oleh A.P. Glushkovsky (1793–1870), pengikut Walberg dan Didelot. Aktivitasnya merupakan sebuah era dalam sejarah balet Rusia. Selama Perang tahun 1812, ia mementaskan 18 balet dan sejumlah besar pengalihan (melodrama, balet Anacreontic, balet Scholz Ruslan dan Lyudmila berdasarkan puisi Pushkin, 1812, dan Tiga sabuk, atau Cendrillon Rusia, 1826 berdasarkan balada V.A.Zhukovsky). Dia berhasil menggabungkan kemungkinan pantomim dan tari, menjadi ahli teori dan sejarawan pertama balet Rusia, melatih galaksi siswa: D.S.Lopukhina (1806–1855), I.K.Lobanov (1797–1840) dan lain-lain.Sangat penting untuk balet Moskow adalah kegiatan koreografer dan guru F. Gyullen-Sor (Richard) (1805–1860), seorang balerina Perancis yang datang ke Moskow pada tahun 1823 ( Zephyr dan Flora, 1815,Cendrillon F.Sora, 1825, Kemenangan Muses, 1825). Dia memiliki pengaruh besar pada pembentukan kepribadian E.A.Sankovskaya (1816–1878), T.S.Karpakova (1812–1842).

Sepertiga pertama abad ke-19. - masa ketika sekolah balet nasional mulai terbentuk. Di Teater Bolshoi di Moskow, ekstravaganza mewah A. Blanc dan A. Tityus mendominasi panggung yang dilengkapi dengan baik. Pertunjukan adegan balet dalam opera M.I.Glinka mempersiapkan balet Rusia untuk pengembangan karakter secara simfoni. Tur M. Taglioni pada tahun 1834–1842 dan F. Elsler pada tahun 1848–1851 sangatlah penting. 1830–1840-an – masa romantisme dalam balet Rusia. Petersburg, penari romantis terbaik adalah E. A. Andreyanova (1819–1857), di Moskow - E. Sankovskaya, yang dianggap sebagai yang pertama dalam barisan balerina hebat Rusia. Dia mengambil pelajaran drama dari M.S. Shchepkin, peran terbaiknya: La Sylphide, Esmeralda, Ondine (Perawan Danube), Elena Vardek (Katarina, putri seorang perampok). Orang-orang sezaman menyebutnya sebagai jiwa balet Moskow. Balet St. Petersburg pada tahun 1848–1859 dipimpin oleh pemimpin romantisme, J. Perrot. Romantisme di Rusia bertahan lebih lama dibandingkan di Barat, karena... Balet Rusia menikmati perlindungan istana selama bertahun-tahun dan tetap menjadi seni istana. Ketika realisme masuk ke bentuk seni lain pada tahun 1860-an, balet Rusia tetap mempertahankan orientasi romantisnya yang konservatif. Petipa dimulai dengan gaya romantisme (tindakan bayangan dalam La Bayadere A. Minkus, 1877, balet Raja Kandaules Ts.Puni, 1868, Don Quixote Minkusa, 1869, Putri Firaun Ts.Puni, cermin ajaib A. Koreshchenko), di mana ia melanjutkan proses simfonisasi tari. Koreografer terbesar pada periode itu adalah A. Saint-Leon (1821–1870). Pada tahun 1859–1869 ia bertugas di St. Petersburg ( Coppelia L.Delibas, Kuda Bungkuk Kecil Ts.Puni). Ini adalah tahun-tahun dominasi efek pengalihan dan pementasan, tetapi pada saat yang sama K. Blazis bekerja di St. Petersburg, meningkatkan teknik dan kosa kata balet Rusia. Di bawahnya, tari akhirnya terbagi menjadi klasik dan khas. Di antara balerina yang menari pada tahun-tahun itu, M.N. Muravyova (1838–1879) dan penari V.F. Geltser (1840–1908) menonjol.

Pada tahun 1882, monopoli teater kekaisaran dihapuskan, akibatnya balerina Italia virtuoso datang ke balet Rusia - Virginia Zucchi (1847–1930), Pierina Legnani (1863–1923), Carlotta Brianza (1867–1930), Antonietta Del Zaman. Mereka berperan besar dalam membangun balet akademis dan memainkan peran utama dalam balet yang dipentaskan oleh Petipa. Tiba pada tahun 1847 dari Perancis dan menjadi kepala koreografer Teater Mariinsky pada tahun 1862, Petipa menciptakan ansambel tari klasik, menetapkan bentuk kanoniknya (adagio, pas de deux, dance suites, grand pas, final coda), mengembangkan prinsip simetri dalam konstruksi corps de ballet, kontras perbandingan tari massal dan tari solo. Petipa melanjutkan proses simfonisasi tari dan berkolaborasi dengan komposer simfoni Tchaikovsky dan Glazunov (sebelumnya koreografer bekerja dengan komposer istana penuh waktu yang diundang dari luar negeri - L. Minkusomi dari Ceko dan Ts. Puni dari Italia , yang masih berpikir dalam hal pengalihan balet). Hasil kerja sama yang bermanfaat adalah mahakarya seni koreografi, yang hingga saat ini menjadi dasar repertoar teater balet mana pun: putri Tidur (1890),Alat pemecah buah keras(1892),Danau Angsa(1895) oleh Tchaikovsky, Raymonda(1898), Musim Dan Pembantu-nyonya Glazunov, 1900. Semua ini adalah puncak simfoni balet. Produksi pertama Danau Angsa oleh koreografer Ceko V. Reisinger pada tahun 1877 tidak berhasil. Dalam proses penyusunan balet multi babak tersebut, muncullah jenis balet akbar (akademik). L. Ivanov, koreografer kedua panggung Mariinsky, melangkah lebih jauh, melampaui batas akademis, menyusun adegan puitis angsa (babak kedua dan keempat Danau Angsa, 1895) dan tarian kepingan salju di Pemecah Kacang, 1892). Setelah mengembangkan tarian balet corps de, Ivanov mengubah balet dongeng menjadi perumpamaan filosofis. Koreografinya melanjutkan tradisi balet romantis “putih” pada awal abad ke-19. dan menggambarkan gaya balet abad ke-20, gambaran impresionistik dan metaforisnya. Di bawah Petipa dan Ivanov, bakat pertunjukan E.O.Vazem (1848–1937), saudara N.G. dan SG Legat (1869–1937), (1875–1905), M. Kshesinskaya, OI Preobrazhenskaya (1870–1962), yang menghancurkan monopoli mengunjungi balerina Italia dan menguasai teknik virtuoso Italia. Guru koreografer Spanyol J. Mendes (1843–1905) bekerja di sekolah Moskow, yang meningkatkan level rombongan dan memupuk individualitas L.A. Roslavleva (1874–1904), A.A. Giuri dari Italia (1872–1963), EV Geltser dan rekan tetapnya V.D.Tikhomirov (1876–1956).

Pada awal abad ke-20. sekolah tari Rusia memantapkan dirinya dengan menyerap unsur-unsur sekolah Perancis Didelot, Blasis Italia, Cecchetti dan sekolah Denmark H. Johanson. Hasilnya, sekolah balet Rusia menjadi yang terbaik di dunia, dan buktinya adalah keberhasilan Russian Seasons dan rombongan Balet Rusia Diaghilev.

Pada pergantian abad ke-19-20. Era modern berkuasa dalam seni Rusia, dan teater sutradara muncul. Jenis pertunjukan multi-babak spektakuler dengan adegan pantomim dan bentuk tarian klasik kanonik sudah ketinggalan zaman. Agar sesuai dengan konsep estetika Zaman Perak, balet memerlukan reformasi, yang dimulai oleh koreografer Teater Bolshoi A. A. Gorsky, yang bekerja di teater tersebut pada tahun 1902–1924. Berbeda dengan akademisi yang sudah ketinggalan zaman, ia mengedepankan drama koreografi yang aksi panggungnya diekspresikan melalui tarian ( Putri Gudula A.Yu.Simona, 1902, Salammbo A.F.Arends, 1910). Dalam semangat koreodrama, Gorsky berulang kali mengerjakan ulang Danau Angsa, Gisel. Di bawah Gorsky, kepribadian V.A. Karalli (sekaligus bintang film bisu, 1886–1972), S.V. Fedorova (1879–1963), A.M. Balashova (1887–1979), O.V. Fedorova (1882) dikembangkan –1942), M.M. Mordkin (1880–1944).

Eksperimen M.M.Fokin bahkan lebih penting. Ia berjuang melawan akademisisme yang ketinggalan zaman dengan memperkenalkan unsur-unsur kosakata bebas dan rakyat ke dalam tarian klasik. Dia menyusun jenis pertunjukan baru - balet satu babak dengan aksi berkelanjutan, kesatuan gaya musik, koreografi dan skenografi, dan fokus pada mengabadikan momen menggunakan metode koreografi. Pertunjukan monumental tersebut digantikan oleh balet miniatur satu babak. Fokine menciptakan balet untuk panggung Mariinsky Eunica, malam Mesir panggung Tarian Polovtsian dalam opera oleh A. Borodin Pangeran Igor, balet Paviliun Armida NN Cherepnina (1907); Chopininana (Sylph) F. Chopin (1908), kemudian untuk “Musim Rusia” - Karnaval(1910) dan kupu-kupu, (1912) dengan musik R. Schumann, puisi simfoni oleh M. N. Rimsky-Korsakov Syahrazad(1910), Visi Mawar KMWeber (1911), Daphnis dan Chloe M.Ravel (1912). Fokin sangat mementingkan skenografi. Para seniman dari asosiasi Dunia Seni (L. S. Bakst, A. N. Benois, N. K. Roerich, K. A. Korovin, A. Ya. Golovin), yang merancang produksi Fokin, menjadi rekan penulis penuh mereka. Keberhasilan baletnya difasilitasi oleh kreativitas para penari: A. Pavlova, T. Karsavina, Nijinsky, Mordkin, A. R. Bolm (1884–1951). Nomor konser menjadi simbol koreografi impresionis Angsa C. Saint-Saens (1907), disusun oleh Fokine untuk Pavlova. Meskipun sukses besar, balet impresionisme ternyata bersifat historis gaya terbatas: mencoba menyampaikan nuansa suasana hati yang paling halus dalam gerakan, dia kehilangan konten. Kolaborasi Fokin dengan Pavlova dan Karsavina hanya berumur pendek. Pada tahun 1909, Pavlova membentuk grupnya sendiri, "Queen Columbine" Karsavina kembali ke balet klasik.

Musim balet Diaghilev.

Sejak 1909, pengusaha berbakat S.P. Diaghilev telah menyelenggarakan tur tahunan balet Rusia di Paris, yang disebut “Musim Rusia”. Untuk Musim Rusia, Fokine memindahkan produksinya di Teater Mariinsky ke Paris ( Chopininana dalam versi Paris disebut Sylph,Malam Mesir – Cleopatra) dan mementaskan balet Stravinsky burung api(1910) dan Peterseli(1911), yang merupakan kesuksesan besar. Setelah Fokine meninggalkan Diaghilev, Nijinsky mementaskan dua balet lagi karya Stravinsky, ( Sore Faun, 1912; Musim semi suci). Sebagai koreografer, Nijinsky pertama kali beralih ke bentuk ekspresionis ( Musim semi suci) dan tanpa plot ( permainan K.Debussy; 1913) balet. Memiliki lompatan yang fenomenal, ia kembali memprioritaskan tarian putra ( Visi Mawar K.Weber). Pada tahun 1911–1929, Diaghilev mendirikan grupnya sendiri, Balet Rusia Diaghilev, yang melakukan tur di Eropa dan Amerika Serikat. L. Myasine bekerja sebagai koreografer untuk Diaghilev (mementaskan balet kubisme Parade(1917) dengan dekorasi oleh P. Picasso dan musik oleh E. Satie hingga libretto oleh J. Cocteau, Topi Tricorne(1919) M. de Falla, balet tanpa plot Oh ya musik oleh N. Nabokov (1928), Wanita dalam suasana hati yang baik D.Scarlatti, cerita Rusia A.Lyadova); Bronislava Nijinska (mementaskan balet Stravinsky Kisah tentang Rubah (1922); Pernikahan(1923); Pulcinella(1920); Air raksa E . Sati (1924), Lani F . Poulenc, (1924), Lompatan Baja S.Prokofiev, (1927). Pada tahun 1924, Balanchine bergabung dengan grup tersebut dan kembali beralih ke musik Stravinsky, menggubah balet. Kembang api, Lagu Burung Bulbul Dan Apollo Musagete, 1928, Dan Bola DI DALAM . Rieti, 1925, Kucing A.Soge, 1927, balet ekspresionis oleh Prokofiev Anak hilang, 1929. Musik balet Stravinsky sukses besar Ritus Musim Semi, melukis gambar Rus yang kafir dengan harmoni dan ritmenya yang berani. Nijinsky menebak tema musiknya Musim semi, menerjemahkannya ke dalam plastik en dedans (“posisi kaki tertutup”: jari kaki dan lutut dirapatkan). Dodekafoni Stravinsky membuka panggung baru dalam dunia musik. Pada tahun 1916 ia melanjutkan tema Peterseli di Sebuah cerita tentang Rubah, Ayam, Kucing dan Domba. Dari awal tahun 1920-an Stravinsky kembali ke neoklasikisme ( Pulcinella, 1919 dengan musik G. Pergolesi), dari tahun 1950 dodecaphony kembali mendominasi musiknya ( Agon, 1957). Diaghilev memperluas jangkauan karya musik yang ditampilkan sebagai musik balet, termasuk Stravinsky, Prokofiev, dan musik avant-garde Prancis (komposer yang disebut “Enam”: Satie, Fauré, Sauguet, Auric, Orff, Poulenc).

Meskipun banyak seniman terkemuka beremigrasi, kesulitan revolusi dan Perang sipil, rombongan balet Moskow dan St. Petersburg mempertahankan repertoar mereka dan terus bekerja (E.V. Geltser, V.V. Kriger (1893–1978), E.P. Gerdt (1891–1975), E.M. Lyuk (1891–1968) Sekolah balet juga berfungsi. 1920-an, sistem pengajaran tari klasik yang terkenal oleh Vaganova (1879–1951) mulai terbentuk, yang mengolah kembali berbagai teknik yang mempengaruhi sekolah Rusia dalam buku Dasar-dasar tari klasik, dihormati sebagai Alkitab balet. Metode Vaganova, berdasarkan studi tentang reaksi alami tubuh, membutuhkan keselarasan dan koordinasi gerakan; murid-muridnya dibedakan berdasarkan amplitudo gerakan, lompatan yang melonjak, dan punggung yang kuat, yang memberi mereka kesempatan untuk mengendalikan tubuh bahkan dalam penerbangan, elevasi yang berkepanjangan, dan lengan fleksibel yang ekspresif. Meskipun Vaganova sendiri belajar dengan Johanson, perwakilan dari sekolah koreografi Denmark, dia tidak memasukkan sekolah Bournonville ke dalam sistemnya. Namun, sekolah Soviet, bersama dengan sekolah Denmark, dianggap yang terbaik dalam melatih penari pria, yang ditandai dengan lompatan melonjak yang kuat, rotasi dinamis, atletis, dan kemampuan melakukan dukungan atas. Pada tahun 1920, teater Mariinsky dan Bolshoi menerima status teater akademik dan berganti nama menjadi GATOB dan SABT.

Tahun 1920-an adalah masa avant-garde Rusia, eksperimen dan pencarian di semua bidang seni. Koreografer generasi baru telah mendeklarasikan dirinya. Gorsky terus bekerja di Teater Bolshoi ( Danau Angsa, 1920;Stenka Razin, 1918;Gisel, 1922;Bunga yang hidup selamanya B.Asafieva, 1922). K.Ya.Goleizovsky, yang menciptakan Balet Kamar Moskow, memulai eksperimennya ( Faun K.Debussy, 1922). Pada tahun 1925 ia mementaskan balet di Teater Bolshoi Yusuf yang Cantik S.N.Vasilenko dalam kostum avant-garde oleh B.R.Erdman.

Di Petrograd, rombongan Teater Mariinsky dipimpin oleh F.V. Lopukhov. Dia menampilkan simfoni tari Keagungan Alam Semesta dengan musik Beethoven (1922), balet revolusioner alegoris pusaran merah V.M.Deshevoy (1924), balet oleh Stravinsky Pulcinella (1926), Sebuah cerita tentang Rubah, Ayam, Kucing dan Domba (1927), Alat pemecah buah keras Tchaikovsky dalam pemandangan konstruktivis V.V.Dmitriev (1929). Lopukhov adalah seorang eksperimen yang luar biasa dan dengan berani memperkenalkan kosakata baru: elemen akrobat dan olahraga, ritual dan permainan rakyat. Dia memperkenalkan dukungan atas balerina di satu sisi dalam tarian pria. Elemen ini menjadi salah satunya fitur khas Gaya Soviet dalam balet.

Di Moskow yang demokratis, di bawah pengaruh tari modern, Duncan, banyak studio tari plastik dan ritmis gratis L.I. Lukin, V.V. Maya, I.S. Chernetskaya, N.S. Gremina dan N.N. Rakhmanov, L.N. Alekseeva muncul. DI DALAM « Mastfore" oleh N. Foregger bereksperimen dengan "mesin menari", studio "Heptakhor", "Young Ballet" oleh G.M. Balanchivadze (Balanchine) bekerja di Petrograd. Sebuah laboratorium koreologi didirikan di Akademi Ilmu Pengetahuan Artistik Negeri (SAKhN), yang menangani masalah teoritis tari bebas.

A.N. Ermolaev, V.M. Chabukiani, A.F. Messerer menjadi terkenal dalam tarian pria . Dalam tarian wanita, pemimpinnya adalah M.T. Semenova, O.V. Lepeshinskaya, T.M. Vecheslova (1910–1991), N.M. –1965).

Sejak tahun 1932, gaya realisme sosialis menjadi satu-satunya gaya yang mungkin ada di semua jenis seni. Pertunjukan plot multi-babak telah kembali ke balet ( opium merah R.M. Gliere, dipentaskan oleh V.D. Tikhomirov dan L.A. Lashilin, 1927). Teater Bolshoi menjadi teater balet pertama di negara itu, personifikasi gaya balet Soviet (heroik, kantilensi, emosionalitas tarian). Opera dan Teater Balet Leningrad (sejak 1935 - dinamai S.M. Kirov) melestarikan tradisi akademis balet klasik. Tuntutan akan realisme dalam balet dan kecenderungan ke arah sentrisme sastra pada tahun 1930-an menyebabkan kebangkitan koreodrama atau drama balet, di mana pantomim yang dipsikologikan atau ditarikan mendominasi tarian. Koreodrama Soviet tahun 1930-an–1940-an merupakan pertunjukan berbasis plot dengan dominasi karakter tarian, yang ditandai dengan kemegahan pementasan. Segala sesuatu yang melampaui realisme dinyatakan sebagai formalisme ( Aliran cahaya Lopukhov – Shostakovich, 1935). Koreografer V.I. Vainonen, R.V. Zakharov, L.M. Lavrovsky bekerja dalam genre drama balet. Balet paling terkenal Air mancur Bakhchisarai, 1934; Ilusi yang hilang, 1935; Penunggang Kuda Perunggu , 1949, dipentaskan oleh Zakharov (pendewaan gaya tersebut adalah adegan banjir, ketika panggung Bolshoi berubah menjadi danau); Tahanan Kaukasus, 1938; Romeo dan Juliet, 1940; Cinderella, 1949 oleh S. Prokofiev, dipentaskan oleh Lavrovsky; Api Paris, 1932 Vainonen; Laurencia, 1939 Chabukiani. Koreografer drama balet meninggalkan ansambel klasik yang besar. Komposer-simfonis bekerja di bidang koreografi: B. Asafiev, R. Gliere, A. Crane, A. Khachaturian. Sehubungan dengan meningkatnya peran pantomim, pada tahun 1930-an terbentuklah aliran pertunjukan baru yang bercirikan bakat akting dan kedalaman psikologis, yang mencapai puncaknya dalam karya Ulanova.

Pada 1930-1940-an, teater balet baru muncul: rombongan Teater Musikal yang dinamai K.S. Stanislavsky dan V.I.Nemirovich-Danchenko berdasarkan rombongan V. Krieger “Moscow Art Ballet”; Teater Opera Maly (MALEGOT) di Leningrad. Koreografer baru muncul: N.S. Kholfin (1903–1979), V.P. Burmeister (1904–1971), Moskow, B.A. Fenster (1916–1960), Leningrad. Koreografer yang luar biasa adalah Burmeister, yang bekerja pada tahun 1941–1960, 1963–1970 di Teater Musik Moskow Stanislavsky dan Nemirovich-Danchenko ( Tatyana A . Derek, 1947; Pantai Kebahagiaan A.Spadavecchia, 1948; edisi asli Danau Angsa, 1953; Esmeralda Puni, 1950; Strausia, 1941; Gadis Salju Tchaikovsky, 1963). Unsur Fenster adalah balet komedi dan balet untuk anak-anak ( Pengantin Pria dan Remaja Imajiner M.I.Chulaki; 1949, Dr, I.Morozov, 1948, MALEGOT). Galaksi penari baru muncul: V.T.Bovt (1927–1995), M.M.Plisetskaya, R.S.Struchkova (1925–2005), N.B.Fadeechev (lahir 1933), A.Ya.Shelest (1919 –1998) dll.

Sejak tahun 1920-an, teater musikal juga beroperasi di Sverdlovsk, Perm, Saratov, Gorky, Kuibyshev, serta di ibu kota republik serikat. Sejak pertengahan 1950-an, sekolah balet bermunculan di teater Perm dan Sverdlovsk.

Pada awal 1950-an, reformasi balet perlu dilakukan. Pada tahun 1956, tur luar negeri pertama rombongan balet Teater Bolshoi berlangsung di London, yang sukses besar, tetapi pada saat yang sama mengungkapkan ketertinggalan koreografi Soviet dari koreografi Barat.

Koreografer Leningrad adalah orang pertama yang memulai jalur reformasi: Yu.N. Grigorovich ( Bunga Batu S.S.Prokofiev, 1957; Legenda cinta A. Melikov, 1961 di Teater Negara. Kirov), I.D.Belsky (lahir 1925) mementaskan balet Pantai Harapan Petrova, 1959; Simfoni Leningrad DD Shostakovich, 1961; Kuda Bungkuk Kecil R.K. Shchedrin, 1963), L.V. Yakobson pada tahun 1969 menciptakan ansambel "Miniatur Koreografi". Mereka mengembalikan kemampuan menari ke balet, memperkaya kosakata tari dengan elemen akrobatik, menghidupkan kembali tarian massal, genre balet satu babak dan simfoni yang sebelumnya terlupakan, dan memperluas tema balet.

F. Lopukhov dan K. Goleizovsky kembali bekerja. O.M. Vinogradov (lahir 1937) bekerja dalam estetika baru ( Cinderella, Romeo dan Juliet, 1964–1965; Asel V.A.Vlasova, 1967, Opera Novosibirsk dan Teater Balet; Goryanka musik oleh M.M.Kazhlaev, 1968; Yaroslavna musik oleh B.I. Tishchenko, 1974, MALEGOT), N.D. Kasatkina (lahir 1934) dan V.Yu. Vasilev (lahir 1934), yang menciptakan ansambel Balet Klasik Moskow pada tahun 1977, dan sejak 1992 - balet klasik Teater Negara" ( Gayane Khachaturyan, 1977; penciptaan dunia Petrova, 1978; Romeo dan Juliet Prokofieva, 1998, dll.); G.D. Aleksidze (lahir 1941), mengembangkan genre simfoni tari ( Oresteia, 1968; Suite Skit Prokofieva, 1969; Tema dan Variasi Brahm; Konserto di F mayor Vivaldi; pada tahun 1966–1968 untuk Teater Balet Kamar Leningrad pada tahun 1966–1967 membuat program balet Kata Mutiara ke musik Shostakovich; Metamorfosis Britten, dan kemudian menghidupkan kembali balet Rameau India yang gagah; Pulcinella Stravinsky dan Anak hilang Prokofiev, keduanya – 1978); B.Ya.Eifman (lahir 1946), bereksperimen di Teater Opera Kirov dan Maly ( burung api Stravinsky, 1975, Bodoh ke musik 6 simfoni oleh Tchaikovsky, 1980; Tuan dan Margarita Petrova, 1987; pada tahun 1977 ia mendirikan Teater Balet St. Petersburg. Koreografer Leningrad D.A.Bryantseva (lahir 1947), yang memulai karirnya di Teater Kirov, pada tahun 1985 mengepalai rombongan balet dari teater musikal yang dinamai demikian. Stanislavsky dan Nemirovich-Danchenko ( Tragedi optimis M.Bronner, 1985; Corsair Adana, 1989; halo lainnya A. Machavariani, 1991). Pada tahun 1966 di Moskow, IA Moiseev mengorganisir “Balet Muda” (sejak 1971 – “Balet Klasik”), ansambel konser koreografi pertama di Uni Soviet.

Pemimpin gelombang baru adalah Grigorovich, seorang ahli metafora tari dalam balet naratif. Dengan kedatangannya di Teater Bolshoi pada tahun 1964, teater mengalami kebangkitan, yang puncaknya adalah produksinya: Alat pemecah buah keras, 1966 dan Spartakus Khachaturian, 1968. Untuk Teater Bolshoi ia menggubah versi aslinya Danau Angsa(1968), beberapa edisi Putri Tidur, (1963, 1973), pada tahun 1975 menggelar balet Ivan yang tangguh, V 1979 – Romeo dan Juliet keduanya dalam bidang musik . Prokofiev, hanggar A.Eshpaya, pada tahun 1982 – zaman keemasan Shostakovich. Dalam balet Grigorovich, duet N.I. Bessmertnov - L.M. Lavrovsky (b. 1941), E.S. Maksimova - V.V. Vasiliev menjadi terkenal, bakat M.E. Liepa (1936–1989), N.I. Sorokina (b. 1942), N.V. Timofeeva (b. 1935). Namun, pada awal 1980-an, penampilan baru Grigorovich semakin jarang muncul, sementara balet oleh sutradara lain (Plisetskaya, Kasatkina dan Vasilyev, Vasiliev, Vinogradov, A. Alonso ) berhasil naik ke panggung dengan susah payah. Faktanya, Teater Bolshoi mengalami krisis karena monopoli satu koreografer, sementara semua teater balet di tanah air setara dengan Bolshoi. Teknik-teknik inovatif, yang telah berubah menjadi kanon yang tidak dapat diubah, telah menjadi klise. Jika koreografi asing tidak merambah ke Teater Bolshoi, Teater Kirov, dengan munculnya O. Vinogradov sebagai pemimpin (1977), menjadi lebih terbuka terhadap tren dunia. Di bawahnya, balet oleh Balanchine, Robbins dan Tudor, MacMillan, Neumeier, Bournonville muncul dalam repertoar, dan Malam koreografi kuno oleh P. Lacotte diadakan dari fragmen balet yang sebelumnya tidak diketahui oleh Perro, Taglioni, Saint-Leon, Petipa.

Pada tahun 1960–1970, gelombang baru penari berbakat muncul: Yu.V. Vladimirov (lahir 1942), M.V. Kondratieva (lahir 1934), L.I. Semenyaka (lahir 1952), A.A. Asylmuratova ( lahir 1961), I.A. Kolpakova (lahir 1933), N.A. Dolgushin, (lahir 1938), A.E. Osipenko, (lahir 1932), F.S. Ruzimatov (lahir 1963) , A.I. Sizova (lahir 1939), Yu.V. Solovyov (1940–1977) . M. Plisetskaya terus bekerja. Untuknya A. Alonso diciptakan Kamar Carmen, R.Petit – Kematian Mawar Mahler, Bejart – Isadora Dan Bolero. Sebagai koreografer, ia mementaskan balet karya R. Shchedrin: Anna Karenina, 1972; Camar, 1980;Wanita dengan seekor anjing, 1984. V. Vasiliev bertindak sebagai koreografer: Anyuta, V. Gavrilina, 1986; Romeo dan Juliet, 1990; Macbeth K.Molchanova, 1980; Gisel, Danau Angsa, 1999.

Komposer generasi baru telah muncul: R.K.Shchedrin, Petrov, M.M.Kazhlaev, N.N.N.N.Karetnikov, K.S.Khachaturyan, A.B.Zhurbin, V.V.Besedina, M.B .Bronner, Eshpai. Dalam geografi balet, tempat terkemuka ditempati oleh Moskow, St. Petersburg, dan wilayah Ural (Perm, Yekaterinburg, Chelyabinsk). Sekolah balet yang kuat telah berkembang di Perm. Lulusan Sekolah Koreografi Perm N.V. Pavlova (lahir 1956) pada tahun 1973, yang menerima Grand Prix Kompetisi Balet Moskow, menjadi salah satu balerina liris terkemuka Teater Bolshoi; di masa pasca-Soviet, grup tari modern asli muncul di Perm dan Chelyabinsk.

Runtuhnya Uni Soviet dan krisis ekonomi yang diakibatkannya membawa kesulitan besar bagi perusahaan balet, yang sebelumnya mendapat subsidi besar dari negara. Banyak penari dan guru meninggalkan negaranya untuk menetap di Amerika Serikat, Inggris, Jerman dan negara-negara Barat lainnya.

Dengan berakhirnya era Grigorovich pada tahun 1995, Teater Bolshoi mengalami krisis yang terkait dengan personel yang salah paham dan kebijakan ekonomi teater Balet Rusia telah melewatkan beberapa generasi evolusi koreografi Eropa dan saat ini mengalami kekurangan ide tari. Pada saat yang sama, tingkat kinerja sekolah tetap dipertahankan. Kepribadian cemerlang telah muncul seperti N.G.Ananiashvili, M.A.Alexandrova, A.A.Antonicheva, D.V.Belogolovtsev, A.Yu.Bogatyrev, A.N.Vetrova, N.A.Gracheva, D.K. .Gudanov, S.Yu.Zakharova, Yu.V.Klevtsov, Ilze dan Maris Liepa , N.M.Tsiskaridze (Teater Bolshoi); D.V. Vishnevaya, U.V. Lopatkina, I.A.Nioradze (Teater Mariinsky); MS Drozdova, N.V. Ledovskaya, T.A. Chernobrovkina, V. Kirillov, A. Domashev, G. Smilevski, V. Dick (Teater Musikal Stanislavsky dan Nemirovich-Danchenko).

Setelah tahun 1991, balet dalam negeri mulai menguasai pengalaman balet Barat di bidang modernitas, jazz, dan gerak bebas. Teater Bolshoi secara aktif mementaskan balet oleh koreografer Barat ( Sylphida diedit oleh EM.von Rosen, Denmark, 1994; Simfoni dalam C mayor,Agon,Mozartiana Balanchine, 1998–1999; Ratu Sekop dengan musik Simfoni Keenam Tchaikovsky, Passacaglia Webern, 1998; Katedral Notre Dame Petit, 2003; putri Firaun Lacotta, 2000; Tindakan pencegahan yang sia-sia F.Ashton, 2002; Sebuah mimpi di malam musim panas Neumayer, 2004). Bahkan sebelumnya, Teater Mariinsky beralih ke balet Balanchine. Untuk pementasan balet Anak hilang Teater S. Prokofiev menerima penghargaan Topeng Emas pada tahun 2003. Pada tahun yang sama, teater tersebut menampilkan tiga balet Forsythe yang terkenal untuk pertama kalinya: Teks langkah dengan musik Bach, Keterangkatan presisi yang memusingkan dengan musik Schubert dan Dimana ceri emas digantung musik oleh T. Willems dan L. Stuck. Rekonstruksi produksi kuno yang populer: putri Tidur Tchaikovsky, La Bayadere Minkus, 1991 di Teater Bolshoi, Danau Angsa di Mariinsky, Coppelia L. Delib di Novosibirsk, pengalaman A. M. Liepa dalam memulihkan balet Fokine, 1999 ( Peterseli, pemandangan Tarian Polovtsian,Syahrazad). Di sisi lain, karya klasik Rusia dan Soviet tidak hanya dipugar, tetapi juga tunduk pada interpretasi modern ( Don Quixote diedit oleh Fadeechev, 1999, Aliran cahaya Dan Baut Shostakovich, direvisi oleh A. Ratmansky, masing-masing, pada tahun 2003 dan 2005, Romeo dan Juliet R. Poliktaru, 2004, semua – Teater Bolshoi, Alat pemecah buah keras K.A.Simonova, 2002, (sutradara dan desainer balet M.M. Shemyakin), Cinderella Ratmansky, 2003, keduanya – Teater Mariinsky, Romeo dan Juliet, 1997 Dan Alat pemecah buah keras, 2000, di Teater Perm "Balet E. Panfilov".

Praktek bekerja di luar negeri bagi penari dan koreografer dilegalkan. Banyak penari telah melakukannya karir internasional(I. Mukhamedov, A. Asylmuratova, Ananiashvili, D. Vishneva, Malakhov, V. Derevianko, A. V. Fedotov, Yu. M. Posokhov, I. A. Zelensky, Ratmansky). V. Malakhov, lulusan Akademi Koreografi Moskow, pemenang kompetisi balet, dinobatkan sebagai penari terbaik di dunia pada tahun 1997, bekerja secara bersamaan di beberapa grup balet asing, sejak 2002 - direktur Berlin “Staatstheater Unter den Linden ”, dan juga menyadari dirinya sebagai koreografer. D. Bryantsev terus bekerja( Penjinakan Tikus M.Bronner, 1996; balet satu babak Bagus,Figaro 1985; orang Skit Dan koboi D.Gershwin, 1988; Suara kesepian seorang pria Vivaldi, N. Paganini dan O. Kitaro, 1990; Bola Hantu F.Chopin, 1995; Legenda Alkitab, Sulamit V.Besedina dan Salome P.Gabriel, 1997–1998, Wanita dengan bunga kamelia Verdi, 2001), sejak 1994 Bryantsev sekaligus bekerja sebagai kepala koreografer rombongan Balet Kamar St. Teater Balet St. Petersburg karya B.Ya.Eifman memperoleh status akademisi negara ( Dusun Rusia Beethoven-Mahler, 1999; Requiem Mozart 1998; Karamazov, 1995 dengan musik Rachmaninov, Wagner, Mussorgsky dan lagu gipsi, Chaikovsky, 1995 (“Topeng Emas”), Teresa Raquin Bach-Schnittke, Don Quixote oleh Minkus,Giselle Merah ke musik Tchaikovsky, Yerusalemku, 1998, musikal Siapa adalah siapa, 2004.

Salah satu koreografer terkemuka di Rusia adalah Ratmansky (lahir 1968), yang “ditemukan” oleh Ananiashvili ketika ia menjadi penari di Royal Danish Ballet. Dia menyusun balet untuknya: Kenikmatan tingkah laku dengan musik R. Strauss dan Mimpi tentang Jepang yang menerima Topeng Emas. Saat ini, sambil terus tinggal di Denmark, ia bekerja sebagai direktur artistik Balet Teater Bolshoi ( Aliran cahaya Shostakovich, 2002). Dipentaskan di Teater Mariinsky Cinderella, di Teater Tari Fadeechev - balet oleh L. Bernstein Lea(“Topeng Emas” - 2003). Ananiashvili sendiri memimpin perusahaannya sendiri; pada tahun 2004 ia menjadi direktur artistik Balet Nasional Georgia dan direktur Sekolah Koreografi Tbilisi. V.Chabukiani. Koreografer Moldova Radu Polictaru, yang lulus dari Sekolah Koreografi Minsk dan menerima hadiah pertama di kompetisi balet yang dinamai demikian. Serge Lifar di Kyiv, 2003, mementaskan versi postmodern di Teater Bolshoi Romeo dan Juliet Prokofiev (2004).

Kelompok swasta independen dan sekolah dari berbagai arah muncul: "Teater Tari" di bawah kepemimpinan Fadeechev (nama lain adalah "Teater Balet A. Ratmansky"), "Balet Kekaisaran" oleh G. Taranda, sejumlah teater tari postmodern (E.A. Panfilova , G.M. Abramova, A.Yu.Pepelyaev). Teater balet swasta pertama adalah teater "Eksperimen" E. Panfilov di Perm (1987), pada tahun 2000 menerima status negara dan nama modern: “Teater Perm E. Panfilov.” Panfilov (1956–2002) menciptakan gaya unik, menggabungkan klasik, modern, jazz, dan cerita rakyat. Dia mementaskan 49 balet dan 70 miniatur ( Berlari ke musik AG Schnittke, 1988; Mistral tentang musik K. Orff, 1993; Pria berbaju hitam, wanita berbaju hijau, ke musik Tchaikovsky, 1994; Pulau mati ke musik Rachmaninova, 1991; Fantasi dalam warna hitam dan berapi-api ke musik IV Mashukova, kelompok Enigma dan M. Ravel, 1991; Visi Mawar Weber, 1994; Kandang burung beo untuk musik balet Carmen Bizet-Shchedrin, Romeo dan Juliet, Prokofiev, 1996; Visi Mawar Weber, Kandang burung beo dengan musik opera Bizet Carmen, Habakuk...Tarian Misteri musik oleh V. Martynov, 1998; Berbagai trem, 2001, Blokade dengan musik simfoni pengepungan oleh D. Shostakovich, 2003). Teater Panfilov adalah pertunjukan yang benar-benar orisinal, ia tidak hanya menyusun koreografinya, tetapi juga dekorasi, kostum, dan pencahayaannya. Selain rombongan utama, teater juga telah membentuk sejumlah rombongan pembantu, yang tidak hanya terdiri dari penari profesional (“Tolstoy's Ballet”, sejak 1994, “Fight Club”, sejak 2000, “Bel Corps de Ballet”, sejak 2004) . Untuk drama tentang perang Wanita, tahun 1945, dilakukan oleh Balet Tolstoy, teater ini dianugerahi penghargaan Topeng Emas dalam kategori "Inovasi Terbaik" - 2000. Panfilov, yang meninggal lebih awal, seorang eksperimen yang berani, disebut sebagai Diaghilev dan koreografer kedua abad ke-21. Sejak tahun 2002, direktur artistik teater adalah S.A. Raynik, salah satu penari utama rombongan.

Di antara teater tari kontemporer lainnya (Tari Kontemporer) - dua kali pemenang penghargaan Topeng Emas "Teater Tari Kontemporer" di bawah arahan V. dan O. Pon, (Chelyabinsk, sejak 1992; Cinema mania atau adakah kehidupan di Mars, 2001; Apakah Ratu Inggris mengetahui kehidupan?, 2004), pemenang kompetisi tari internasional di Paris, grup “Provincial Dances” di bawah arahan T. Baganova, (Ekaterinburg, sejak 1990, Pernikahan Stravinsky, 1999), Teater Moskow “Kelas Plastik Eksperimental” oleh G. Abramov, koreografer teater A. A. Vasiliev, sejak tahun 1990, “Teater Tari A. Kukin” , sejak 1991, grup "Nota Bene" oleh V. Arkhipov, koreografer Teater Satyricon, sejak 1999. Salah satu teater tari paling intelektual di Rusia adalah grup Moskow "PO.V.S. Dances" (balet di lantai Daun tubuh tentang musik elektronik, 2003).

TEKNIK TARI KLASIK

Dalam tarian klasik, ada lima posisi kaki, yang dilakukan sedemikian rupa sehingga kaki seolah-olah menghadap ke luar (oleh karena itu istilah “turnout”). Kita tidak berbicara tentang memutar kaki saja dengan jari-jari kaki ke arah yang berbeda, seluruh kaki harus diputar, mulai dari sendi pinggul. Karena hal ini hanya mungkin dilakukan dengan fleksibilitas yang cukup, penari harus berlatih setiap hari dan dalam waktu yang lama untuk belajar mengambil posisi yang diperlukan tanpa usaha.

Mengapa Anda membutuhkan eversi?

Pertama, eversi memungkinkan Anda melakukan semua gerakan lateral dengan mudah dan anggun. Penari dapat bergerak ke kiri dan ke kanan sambil tetap menghadap penonton. Kedua, ketika jumlah pemilih yang diperlukan telah dikembangkan, kaki lebih mudah digerakkan, dan Anda dapat mengangkat kaki jauh lebih tinggi ke udara tanpa mengganggu keseimbangan tubuh. Ketika kaki diluruskan dalam posisi terbalik, pinggul tetap pada tingkat horizontal yang sama. Jika penari tidak mempunyai jumlah penonton, maka ia harus mengangkat salah satu pinggulnya untuk memberi kesempatan pada kakinya untuk bergerak ke atas, dan dalam hal ini keseimbangannya terganggu. Dengan demikian, eversi memberikan kebebasan bergerak yang maksimal dengan keseimbangan yang maksimal. Ketiga, berkat eversi, garis tubuh dan penampilan penari secara umum menjadi lebih menarik.

Posisi tari klasik.

Posisi pertama: Kaki dengan tumit bersentuhan dan jari-jari kaki menghadap ke luar, membentuk garis lurus di lantai.

Posisi kedua mirip dengan yang pertama, tetapi tumit kaki yang diluruskan diberi jarak satu sama lain sepanjang panjang kaki (kira-kira 33 cm).

Posisi ketiga: Kedua kaki saling berdekatan sedemikian rupa sehingga tumit salah satu kaki menyentuh bagian tengah kaki lainnya (yaitu, separuh kaki menutupi separuh kaki lainnya). Posisi ini jarang digunakan saat ini.

Posisi keempat: Kaki pemilih berdiri sejajar satu sama lain dengan jarak kira-kira satu kaki (33 cm). Tumit satu kaki harus tepat di depan ujung kaki lainnya; dengan cara ini beratnya didistribusikan secara merata.

Posisi kelima mirip dengan yang keempat, bedanya kakinya saling menempel erat.

Semua langkah tari klasik berasal dari posisi ini. Awalnya posisi dilakukan dengan kedua kaki di lantai dan lutut lurus. Selanjutnya muncul berbagai pilihan: Anda bisa menekuk salah satu atau kedua lutut (pliés), mengangkat salah satu atau kedua tumit (saat berdiri di atas jari kaki), mengangkat salah satu kaki ke udara (lutut bisa lurus atau ditekuk), angkat dari kaki. tanah, mengambil salah satu posisi di udara.

Kesimpulan.

Pada akhir abad ke-20. Permasalahan yang dihadapi seni balet semakin jelas. Pada 1980-an, ketika Balanchine, Ashton dan Tudor meninggal (pada 1980-an) dan Robbins pensiun dari pekerjaan aktifnya, kekosongan kreatif muncul. Sebagian besar koreografer muda yang bekerja pada akhir abad ke-20 tidak terlalu tertarik untuk mengembangkan sumber daya tari klasik. Mereka lebih menyukai perpaduan sistem tari yang berbeda, tari klasik tampil miskin, dan tari modern yang tidak memiliki orisinalitas dalam mengidentifikasi kemampuan tubuh. Dalam upaya menyampaikan esensi kehidupan modern, para koreografer menggunakan teknik jari seolah-olah menekankan pikiran, namun mengabaikan gerakan tangan tradisional (port de bras). Seni mendukung telah direduksi menjadi semacam interaksi antar pasangan, ketika seorang wanita diseret di lantai, dilempar, diputar-putar, tetapi hampir tidak pernah ditopang atau menari bersamanya.

Kebanyakan grup musik membangun repertoar mereka dengan memasukkan karya klasik abad ke-19. ( Sylphida, Gisel, Danau Angsa, putri Tidur), balet paling terkenal dari para master abad ke-20. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor dan Ashton), produksi populer oleh MacMillan, Cranko, Tetley dan Kilian dan karya koreografer generasi baru seperti Forsyth, Duato, Koudelki. Pada saat yang sama, penari menerima pelatihan yang lebih baik karena... Ada guru yang lebih berpengetahuan. Bidang kedokteran tari yang relatif baru telah memberikan penari akses terhadap teknik untuk mencegah cedera.

Ada masalah dalam mengenalkan penari pada musik. Musik populer yang tersebar luas tidak mengenal keragaman gaya, di banyak negara pengajaran literasi musik berada pada tingkat yang rendah, ketika koreografi tarian, fonogram terus digunakan - semua ini mengganggu perkembangan musikalitas di kalangan penari.

Kompetisi balet telah menjadi fenomena baru dalam beberapa dekade terakhir, yang pertama diadakan di Varna (Bulgaria) pada tahun 1964. Kompetisi tersebut tidak hanya menarik hadiah, tetapi juga kesempatan untuk tampil di hadapan juri yang mewakili organisasi paling bergengsi. Secara bertahap, terdapat lebih banyak kompetisi, setidaknya sepuluh di berbagai negara; beberapa menawarkan beasiswa, bukan uang. Karena kebutuhan akan koreografer, maka bermunculanlah lomba-lomba koreografi.

Kompetisi balet paling terkenal: Moscow International, Benois de la Dance, Grand Pas, European Festival of Contemporary Dance EDF, (Moskow); Maya, Vaganova prix, Mariinsky, Bintang Malam Putih, Latihan-Modern (St. Petersburg), Kompetisi Koreografer Serge Lifar di Kyiv. Kompetisi balet internasional juga diadakan di Varna (Bulgaria), Paris (Prancis), Lausanne (Swiss), Osaka (Jepang), Rieti (Italia), Jackson (AS). Berbagai kompetisi tari kontemporer (Biennale of Contemporary Dance, Lyon, Pina Bausch Contemporary Dance Festival (Wuppertal)) menimbulkan resonansi publik yang besar.

Elena Yaroshevich

Literatur:

Krasovska V. , bagian 1. Koreografer. L., 1970
Krasovska V. Teater balet Rusia pada awal abad kedua puluh, bagian 2. Penari. L., 1972
Karp P. Tentang balet. M., 1974
Gaevsky V. Hiburan. Nasib balet klasik. M., 1981
Krasovska V. Teater balet Eropa Barat dari asal usulnya hingga pertengahan abad ke-18. L., 1983
Krasovska V. Teater balet Eropa Barat. Era Noverre. L., 1983
Krasovska V. Teater balet Eropa Barat. Pra-romantisisme. L., 1983
Krasovska V. Teater balet Eropa Barat. Romantisme. L., 1996
Solway D. Rudolf Nureyev di atas panggung dan dalam kehidupan. M., 2000